colunas do max

ED "BIG DADDY" ROTH e a Arte de Se Esquartejar os Signos

2010-11-03T12:50:00.000-07:00

Como a Coluna do Max chega agora ao seu segundo ano na ativa, este resolveu que seria a hora de comentar um pouco sobre uma figura que exerceu uma influência MONSTRUOSA, não apenas sobre este colunista, mas na cultura pop dos últimos 50 anos e no rock'n'roll em si ...
Ed Roth (04/03/1932 - 04/04/2001) foi de fato uma figura iluminada. Filho de imigrantes alemães, aprendeu desde cedo que se quisesse conseguir algo, teria que pôr a mão na massa e meter as caras. Antes de completar 18 anos, já montava seus próprios carros Hot Rod a partir de sucata "garimpada" pelos ferros velhos e cemitérios de automóveis. Tido como um dos pais da cultura hot rod, juntamente com Von Dutch, Roth foi além e transformou sua arte num verdadeiro estilo de vida.
Seus carros conceito despertavam tanto a cobiça de quem os via que passaram a fazer parte de uma série de kits para montar da Revell. Aliás, graças a isso Roth tornou-se um híbrido de modelo e garoto propaganda ao encabeçar sua própria linha de produtos, passando então a ser conhecido com Ed "Big Dead" Roth.
Das suas criações, além dos super carros, a mais lembrada certamente é o Rat Fink (ou Ratazana Sacana, se preferir), que Roth bolou num instante de indignação com o culto ao Mickey Mouse, que tomava o mundo de assalto. Enquanto o camundongo de Disney simbolizava o belo, sem falhas, o rato de Roth era sua antítese pois além de ser grotesco e politicamente incorreto, Rat Fink era mais humano, e suas maiores virtudes, obviamente, eram seus defeitos, o que também o tornou um ícone da contracultura, sendo aclamado até mesmo por gente de peso como o escritor Tom Wolfe. Aliás, foi com o Rat Fink que Roth inaugurou a cultura das camisetas com mensagens, pois como o seu clube de hot rod precisava ter um uniforme, ele descobriu que poderia fazê-lo de modo mais simples possível, pintando com aerógrafo camisetas lisas brancas.
Não obstante, é bom lembrarmos de sua inconteste influência sobre a cultura roqueira a partir dos anos 60, desde o pessoal da cena surf californiana (Dick Dale, Beach Boys, Jan & Dean, Lively Ones, Frank Zappa etc), até as correntes "revivalistas" que brotaram sem dó nem piedade entre os anos 80 e 2000 (Stray Cats, Fuzztones, The Bomboras etc), passando pelo psychobilly (Cramps, Meteors, Batmobile), punk (Ramones, Dead Kennedys, Agent Orange e Misfits, que inclusive regravou o tema de Rat Fink), metal (Anthraxx, Metallica, White Zombie) e no gótico (a inglesa Alien Sex Fiend, cujo guitarrista e baterista carrega o nome artístico de Rat Fink Jr.).
Durante os anos 60 e 70, Roth teve um bom público por terras brasileiras, pois seus kits passaram a ser fabricados por aqui pela Revell e seus intrépidos carros e adoráveis monstrengos tornaram-se uma coqueluche entre os jovens de então (uma forte lembrança da minha infância é que meu pai tinha um boneco do Rat Fink, que eu adorava e chamava de "Monstrinho"! ). Em 2007, a Conrad Editora lançou um álbum de figurinhas. Aliás, nunca foi tão bom ter figurinhas repetidas já que cada uma era sempre um belo adesivo.
Roth partiu em 2001, mas deixou uma obra de valor inestimável, que ainda influenciará muitas e muitas gerações além por este mundo.
Por hoje é isso, meus caros. Um grande abraço a todos e até a próxima!
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Max Merege, que a exatos dois anos mantém a Coluna do Max, é um bandido que some mas não morre e que por muito tempo mais vai continuar escrevendo sobre rock.

OS DOIS LADOS DE UMA FARSA DO ROCK

2010-10-17T14:58:00.000-07:00

Eis que finalmente temos um review sobre uma das situações mais polêmicas da história do rock, o filme "The Great Rock'n'Roll Swindle".

A história em questão gira em torno de como Malcolm MacLaren "inventou" os Sex Pistols e, por que não, como tudo desmoronou; pois em cerca de dez mandamentos devidamente ilustrados, ele explica passo a passo como fazer dinheiro do caos, já que um "lucro sujo não é nenhuma novidade", conforme diz a letra que dá título ao filme.

Contudo, por mais que ele se diga "o inventor" do punk, é bom lembrarmos que ele apenas o inventou dentro da cultura mainstream, como uma forma de se obter um boa receita para a Sex, uma botique temática que tinha com sua então esposa, a estilísta Vivien Eastwood. Ademais, o punk britânico há muito já fervilhava pelos subúrbios com bandas como Hollywood Brats, The Jam, Cock Sparrer e The Stranglers.

Feito pelo cineasta Julien Temple, o filme soa mais como uma série de alfinetadas de Malcolm MacLaren no vocalista John Lydon - a quem demitira da banda no começo de 78, que nos créditos ddo filme aparece como "O Colaborador" - do que um filme de rock propriamente. É claro que existem inúmeros momentos divertidos e que sua trilha é um dos mais maiores clássicos do gênero, pois além dos Sex Pistols em si, podemos ouvir pérolas do TenPole Tudor (banda do conde Edward Tudor Pole, sobre quem ainda falaremos por aqui), o próprio MacLaren, o famoso ladrão Ronald Biggs direto do Brasil e por aí segue... Rola também uma série de desenhos animados pra lá de toscos que ilustram a trajetória da banda, com a pretensão de chocar ( isso, para 30 anos atrás!).

Lançado em 1979/80, o filme "the Great Rock'n'Roll Swindle" conta com um final "extendido" pela aparição das inúmeras notícias de jornal acerca da morte do baixista Sid Vicious, um talento promissor vitimado por sua própria vaidade aos 21 anos de idade.

Duas décadas mais tarde, entre o final de 1999 e o começo de 2000, é chegada a vez dos remanescentes da banda darem o troco no empresário...

Desta vez o filme "The Filth And the Fury" ( o Lixo e a Fúria ), feito pelo mesmo Julien Temple, trata da visão dos próprios Sex Pistols a respeito de tudo o que envolveu a "grande farsa do rock'n'roll". Desde o antes até o depois, passando por um durante marcado por excertos do filme de 79 em si, cenas dos bastidores e cenas inéditas. John Lydon, Steve Jones, Paul Cook e Glenn Matlock, não pouparam "elogios" ao seu antigo empresário. Todos os integrantes, já na casa dos 45, aparecem com seus rostos escondidos pela escuridão.

Realista, "The Filth And the Fury" mostra não apenas uma banda "forjada", mas uma turma de garotos que apesar de não morrerem de amores uns pelos outros, canalizavam suas energias para algo maior, tocando muito punk rock! O que fazia todo o sentido, ainda mais em uma Inglaterra em petição de miséria, onde gente deslumbrada fingia que tudo estava bem, mesmo vivendo em cidades entupidas de lixo pelas ruas (os garis faziam uma greve atrás da outra).

Ao mesmo tempo em que tudo é posto em pratos limpos, muitas máscaras também caem e eis que a tônica de tudo é dada por John Lydon, logo no final de seu último show à frente da banda, em 78, quando perguntou para a platéia: "Vocês já tiveram a sensação de estarem sendo enganados?"; certamente foi nesse instante que Malcolm MacLaren teve o insight e vislumbrou sua grande chance de formalizar seu golpe e dissertar acerca de uma "farsa de rock", ainda que por meio de um filme. Entretanto, ele nunca podia imaginar que aqueles até então ingênuos meninos do subúrbio pudessem lhe retribuir a "gentileza", mesmo que para tanto precisassem amadurecer uns vinte anos.

VARIAÇÕES D'ALÉM MAR

2010-10-09T23:37:00.000-07:00

Pouco ou quase nada conhecida por aqui, a música de Antônio Variações é um desses belos tesouros cuja descoberta só foi possível graças ao advento da internet. Não se trata de algum grande vendedor de discos ou de galã de fama universal, mas de um grande artista da língua portuguesa ao qual apenas agora podemos conhecer e entender que, apesar de “tudo”, suas ideias refletiam (e refletem atemporalmente) apenas verdades universais cabíveis a todo e qualquer ser humano.
Nascido na cidade portuguesa de Braga e criado no interior, Antonio era filho de gente humilde do campo. Sua infância dividiu-se entre os estudos e o trabalho na roça. Aos onze anos, teve o seu primeiro emprego, e, um ano depois, partiu para Lisboa. Foi officeboy, barbeiro, balconista e caixeiro. Entrou para o quartel e foi servir na Angola, o que lhe encorajou a seguir para outros cantos. Primeiro foi Londres e em seguida Amsterdam, quando descobriu um novo mundo, sentiu que podia trazer para Portugal, um lugar então afundado no atraso econômico e cultural, uma nova maneira de viver. Em Amsterdam aprendeu a profissão de cabelereiro que mais tarde, quando voltou, passou a exercer em Lisboa, quando também resolveu “sair do armário” e assumir-se ante àquela obscura realidade conservadora que permeava Portugal.

Montou uma banda, o grupo Variações, que em pouco tempo já atraia as atenções. Por um lado, um visual excêntrico ao extremo e, por outro, sua versátil musicalidade que combinava muito bem estilos como o rock, o pop, o blues e, é claro, o fado.

Em 1978, grava uma demotape e logo assina seu primeiro contrato. Em 1981 começou a participar de programas de televisão. Sua música e seu estilo próprio e inconfundível fizeram com que depressa alcançasse considerável fama em seu minúsculo porém diverso país.

Gravou pouca coisa, mas gravou material de muito boa qualidade, não apenas sonora mas poética também. Editou o primeiro single com “Estou Além” e “Povo que Lavas no Rio”, de Amália Rodrigues (sua maior referência). Logo em seguida, gravou o seu primeiro elepê, Anjo da Guarda, onde se destacaram sucessos portugueses como “É p´ra Amanhã” e “O Corpo É que Paga”.

Em fevereiro de 1984 vem à luz seu segundo trabalho, “Dar e Receber”, de onde vem sua música mais famosa, a “Canção do Engate”. Dois meses mais tarde, dia 22 de Abril, Antonio Variações se apresentaria pela última vez, em um concerto pelo interior. Depois disso, só apareceria mais uma vez em público, em um conhecido programa da RTP.

Quando Canção de Engate invadiu as rádios, António Variações já se encontrava com a saúde bastante debilitada. Internado em um hospital da Cruz Vermelha, morreu aos 40 anos, na noite de Santo Antônio (13 de Junho), vítima de uma broncopneumonia, causada pela AIDS.

Vinte anos após a sua morte, foi lançado um álbum em sua homenagem, com canções da sua autoria que nunca tinham sido editadas; conhecidos músicos portugueses juntaram-se e gravaram 12 músicas selecionadas de um conjunto de fitas "perdidas" no património de Variações.

Em entrevista, António Variações explicou o nome escolhido: "Variações é uma palavra que sugere elasticidade, liberdade. E é exatamente isso que eu sou e que faço no campo da música. Aquilo que canto é heterogéneo. Não quero enveredar por um estilo. Não sou limitado. Tenho a preocupação de fazer coisas de vários estilos."

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 10/10/2010.

reflexivo ao MAXimo....

2010-10-02T13:11:00.000-07:00

coloridos em ação...

Olá caríssimos! Sei que sentiram minha falta por esse longo tempo... também pudera, a correria das inúmeras atividades exercidas me obrigaram a parar um pouco de escrever sobre música, e acreditem, dói muito quando não podemos fazer aquilo que realmente gostamos. Parece loucura, mas ainda sou do tipo que prefere não entregar o trabalho que entregar mal feito.

Eu poderia transcorrer sobre as inúmeras mazelas que assolam nosso país, mas como essa coluna trata essencialmente de cultura pop e afins, entendo que o mais prudente aqui e agora seja da cultura nosso principal alvo, uma vez que não temos como separar a cultura da política (e sobre tudo da educação), trancarmo-nos em uma Turris Eburnia e fingirmos que isso tudo não nos diz respeito.

Como as eleições estão aí e, não faz muito, também nos deparamos com uma série de prêmios de música promovidos por grandes grupos (cujos resultados deixavam muito a desejar), senti nesta a oportunidade perfeita para refletir um pouco mais a respeito, já que raramente temos parado para pensar a sério em nossas escolhas e suas consequências em nossas vidas.

Pois bem, de encontro ao que muitos venham a pensar, tudo se correlaciona. Ainda mais se pararmos para ver a quantas andam as questões ligadas à cultura, já que tal assunto acaba sempre sendo legado a um segundo, terceiro, quarto plano por aqueles que almejam nos representar, seja no executivo, seja no legislativo.

Aliás, poucos têm propostas sólidas e verdadeiras. É mais fácil ouvirmos toda sorte de soluções paliativas com relação à saúde, obras de infraestrutura, construção disso e daquilo. Quase todo mundo diz que vai construir escolas e o escambau, mas são raros os que apresentam planos educacionais consistentes, amparados por sólida base cultural. Pouquíssimos se lembram que sem uma educação cultural, tudo o que se aprende entra por um ouvido e sai por outro, o pensamento não flui e, por consequência, a cidadania vai-se embora. A pessoa aprende que a única finalidade do estudo é para se passar em vestibular ou em concurso público, e nunca para enriquecimento de seu conhecimento ou sua formação como gente.

Mas voltando aos supracitados "prêmios" - tanto do Multishow quanto o VMB da MTV e, por que não, o reality show Ídolos - não se viu nada de aproveitável. Vimos apenas o triunfo da indústria, pois nada de inovador ou verdadeiro apareceu, pois as mesmas caras e os mesmos estilos que as gravadoras fazem questão de ter na mídia marcaram sua presença. Entende-se por isso, medalhões que já deram o que tinham que dar e que não aguentamos mais ver na frente, ou (principalmente) aberrações com prazo de validade predeterminado, forjadas para vender muito e sumir do mapa.

As pessoas poderiam muito bem se revoltar contra isso. Mas para quê?! Aquele bendito artista premiado vai continuar tendo sua música tocada no rádio e na trilha da novela, e a gravadora vai continuar patrocinando sua veiculação onde quer que seja, pois sempre existirá um público otário para consumir aquele dejeto.

O que falta mesmo (além de vergonha na cara de uns e outros) é uma educação cultural de verdade! A tevê aberta está horrível e nossas rádios NÃO PRESTAM! Temos internet com orkut, twitter, msn, facebook etc. Mas de que vale tudo isso se não sabemos como usar?! Afinal, se as pessoas só aprendem a consumir lixo, como saberão distinguir o que vale do que não vale a pena?! O mais triste é que isso acaba se refletindo em tudo o que diz respeito às nossas vidas, desde a roupa que vestimos até as pessoas que escolhemos para nos representar.

Eu poderia muito bem pedir para meus caros leitores votarem nulo nestas eleições, pois assim eu manteria minha postura de "eterno rebelde". No entanto a coisa é muito diferente e tudo parece estar mais transparente (ou menos nublado, talvez) do que costumava estar a até bem pouco tempo atrás. Voto nulo não resolve nada! Ademais, de que vale promover uma desobediência civil se a maior parte da população é feia, banguela, passa fome, tem muitos problemas e se deixa levar por quem promete mais?! Se bem me lembro, um determinado cantor questionava sobre por que "é mais forte quem sabe mentir"...

Votando nulo ou não, nossos inimigos vão assumir o poder de qualquer jeito! Melhor seria se não existisse governo, políticos, fronteiras etc. Mas como não é bem assim que a banda toca...

Portanto, vote sim! Escolha bem quem você vai pôr Lá. Ainda que nenhum daqueles em quem você votou ganhe, ao menos você vai dormir com a alma em paz e a consciência tranquila de ter feito a coisa certa.

Por hoje é isso, meus caros! Votem certo neste domingo e aguardem, pois em breve a Coluna do Max trará novidades.

MINUTEMEN: O Legado Dos Homens-Minuto Ao Longo Dos Anos

2010-08-23T11:38:00.000-07:00

MINUTEMEN: George Hurley, Mike Watt & D-Boon

Minutemen foi uma das bandas mais emblemáticas do punk californiano da década de 80 e, acreditem, sua influência ainda é sentida por toda parte, não apenas por seu clássico "Corona", eternizado como tema do Jackass, mas também pelo interesse daqueles que querem saber quem é o tal do Mike Watt, que hoje é o baixista dos Stooges.
Pois bem, tudo começou mesmo nos idos de 72/73, quando dois amigos de vizinhança, Mike Watt e D. Boon, resolvem tocar apenas por diversão. Até onde se sabe, nenhum dos dois fazia a menor ideia da diferença entre um baixo e uma guitarra, até a mãe D. Boon pô-lo para estudar guitarra. Os anos se passaram e ambos integraram inúmeras bandas de curta duração
Em 78, encantados pela rebeldia punk, juntaram-se aos amigos Martin Tamburovich e George Hurley para formarem o The Ractionaries. Não gravaram nada formalmente, apenas algumas demos ao vivo. Já em 1980, o mesmo pessoal mudava o nome e a ideia sonora da banda, dando início a uma nova empreitada: The Minutemen.
O nome em si já dizia a que vieram: Os Homens Minuto; ou seja, músicas que nunca chegavam aos dois minutos de duração; mas era também uma sacanagem com uma organização paramilitar de extrema direita que existiu nos anos 60.
"Paranoid Time", seu primeiro epê de 7", foi gravado de modo simples, em apenas dois takes e produzido pelo lendário Greg Ginn, líder e guitarrista da banda Black Flag. Como toda banda DIY que se preze, tanto esse epê quanto seu sucessor "Joy" eram vendidos em seus gigs. No entanto acertaram-se mesmo com seu primeiro elepê "Punch Line" e o epê "Bean-Spill", de 81, tornando-se uma das maiores bandas do underground norte americano.
Dispostos a fazer rock simples e sem frescura, logo apareceram com seu segundo elepê, "What Makes a Man Start Fires?", que atraiu para si as atenções da imprensa especializada de então. Logo em seguida caíram na estrada e excursionaram pela europa com o pessoal do Black Flag
Entre epês e elepês, os "Homens Minuto" mantiveram uma carreira bastante produtiva, até 1985. Lançaram: "Buzz or Howl Under the Influence of Heat" (1983), "The Politics of Time", "Double Nickels on the Dime" e "Tour-Spiel" (1984), "3-Way Tie (For Last)" e "Project: Mersh" (1985), tendo ainda participado do projeto MINUTEFLAG, com o pessoal do já citado Black Flag.
Infelizmente, em dezembro de 85, D Boon morreu brutalmente em um acidente de carro. Mike Watt se afundou em uma terrível crise depressiva, que duraria cerca de ano e meio, época que se junta ao amigo George Hurley no projeto fIREHOSE, encabeçado por Ed Crowford, um guitarrista e fã do Minutemen que os encorajou a voltar a tocar. O projeto fIREHOSE durou 8 anos!
Logo após o fim do fIREHOSE, George Hurley seguiu tocando pelo underground norte americano e Mike Watt, ascendeu-se como um excelente "concatenador" de figurões, afinal, encabeçou uma reunião dos remanescentes do Nirvana (Dave Grohl, Kyrst Novosellic e Pat Smear) e, é claro dos Stooges.

Em 2005 saiu o documentário "We Jam Econo", dedicado ao legado do Minutemen.

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CEDÊS

Nina Hagen, Personal Jesus

Nina Hagen cantando gospel?!?! Pode até soar um tanto estranho, mas é a mais pura verdade! Até porque, com toda sua estrada e experiência acumulada ao longo de 55 anos de uma vida extremamente musical, a diva alemã é uma dessas poucas personalidades que tem o total e irrestrito direito de gravar o quê e como bem entender. Fortemente influenciado pelo blues, folk, country e gospel das igrejas americanas, este cedê (cuja produção Nina custeou do próprio bolso) mostra uma vertente surpreendente da cantora e serve também de lição para o chamado "white metal" e o famigerado "pop cristão", seja de qual orientação for.

Brian Wilson
Reimagines Gershwin

Há quem diga que releituras da obra de George Gershwin sejam algo pra lá de batido, principalmente entre veterânos que já não têm mais o que mostrar. O novo disco de Brian Wilson, o eterno Beach Boy, desmente essa máxima e traz à luz muito material então inédito do compositor norte americano de origem judaica. Brian Wilson sempre foi um fã de Gershwin e este cedê pode, sim, soar algo tão pessoal quanto os clássicos "Pet Sounds" (1966) e "Smile" (1967/2004), dos quais é possível ouvir ecos em seu transcorrer. Uma justa e honrosa homenagem a Gershwin e que também deixa transparecer muitos elementos de nossa bossanova, em clássicos como "Summertime", "I Love You Porgy", "I Got Rhythm" etc.

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 22/08/2010.

CRUMB STUFF: o pai das HQs underground, no Brasil

2010-08-08T11:03:00.000-07:00

"Não estou aqui para ser polido"

Eis que o pai dos quadrinhos underground chega ao Brasil... Ele esteve na Festa Literária Internacional de Paraty, a Flip. “Extravagâncias” à parte, Robert Crumb é considerado um dos maiores gênios dos quadrinhos nos últimos 50 anos. Talvez o nome nem soe tão familiar para nosso amado público leitor, mas seu traço inconfundível, sim!
Bons exemplos não faltam.... a capa do clássico álbum “Cheap Thrills” da Janis Joplin foi feita por ele, e personagens do universo adulto das HQs como Mr. Natural e Fritz the Cat também são figurinhas carimbadas que saíram da mente desse autor.
Filho de um militar ultra autoritário e de uma dona de casa superprotetora, Crumb tinha tudo para acabar seus dias em um hospício, já que em sua casa ninguém funcionava bem da cabeça. No entanto, com ele a história foi muito diferente...
Feio, corcunda, magrela, vesgo e com um baita óculos fundo de garrafa, ele sempre foi a antítese do bonitão escolar, capitão do time de futebol americano que pegava todas as líderes de torcida. Tornou-se, sim, um legítimo cronista da realidade que o cercava, principalmente do sistema fascistóide que previa o “extermínio” de todos os nerds.
Ganhou notoriedade na década de 60, quando passou a desenhar, produzir e vender suas próprias revistas em quadrinhos – a Zap Comix, principalmente – pelas ruas de uma San Francisco povoada por bichogrilos e cantada por hippies notáveis.
Reza a lenda que tanto Robert Crumb, quanto seu parceiro Gilbert Shelton, mais o guitarrista Jerry Garcia, costumavam fumar meio quilo de maconha por vez para fazerem suas brainstorms e assim criarem suas histórias mirabolantes, mas o próprio Crumb já desmentiu isso por diversas vezes.

famosa capa do disco "Cheap Thrills" da cantora Janis Joplin

Ano passado, saiu em terras brasileiras seu álbum “Genesis”, a versão em quadrinhos para o famoso livro da Bíblia. Não obstante, Crumb já fez excelentes adaptações em HQ para obras de Franz Kafka, Charles Bukowski e Phillip K. Dick.
Dentre suas preferências, duas coisas são sagradas: música e mulheres. No tocante às mulheres, seu maior trunfo é fazer mulheres realmente fortes, dotadas de pernões, coxões, peitões, bundões e outros tantos atributos mais. Aliás, a perfeita oposição às insossas modelos que povoam as passarelas e o mundo da moda em geral.
Quanto a música, além de “quadrinizar” a vida de lendas do blues como Robert Johnson e Charlie Patton, tem lançado coletâneas com pérolas do mundo inteiro – retiradas principalmente de sua coleção de discos 78rpm – e, é claro, mantém um grupo de “chorinho” também.

Mulher Crumbiana

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 08/08/2010.

CJ RAMONE - Brasilia, 23 de Julho de 2010

2010-08-08T10:59:00.001-07:00

Para quem não está familiarizado com o nome, Christopher Joseph Ward é ninguém mais ninguém menos que o C.J. Ramone, ex-baixista dos lendários RAMONES.
Em tour pelo Brasil, CJ tem tocado por diversas capitais. No centro oeste, as capitais escolhidas foram Goiânia e Brasilia, e é justamente do show de Brasília que a gente fala...
Foi simplesmente incrível! Meio burocrático, sim! Mas em se tratando de músicas dos Ramones tocadas por seu mais ilustre herdeiro, isso já era de se esperar.
Foi na madrugada de sexta para sábado, no America Rock Club, uma casa de shows de Taguatinga que tem recebido muita figurinha carimbada do rock. A barulheira começou mesmo às 11h da noite, com abertura impecável da banda The Squintz, tocando punk rock puro e sem frescura. Em seguida, um intervalo de 20 minutos e um teste para os nervos do público ávido por clássicos tocados por alguém que os conhece como ninguém. Enfim, começa o show...
"Blitzkrieg Bop" foi chute inicial e seguiu-se uma série de clássicos ramonianos como "Judy Is A Punk", "Beat On The Brat", "Sheena Is A Punk Rocker", "Animal Boy", "Wart Hog", "Pet Semetary", "Poison Heart" etc. O povo se agitava e pulava incansavelmente nos 60 minutos de pauleira. Foi um belo show, extremamente simples e profissional, baseado na total sinergia entre os músicos e o público.
Além do CJ, a banda contava com a presença do guitarrista e produtor Daniel Rey e do baterista Mike El Bastardo. Um show para ficar na história!

Max Merege, CJ Ramone & Rodrigo Licar - Foto: Jessyca Hagen

Um pouco de História...

Tudo começa em 1990 quando o baixista fundador, Dee Dee Ramone, resolve parar de tocar com a banda, já que a estrada era implacável com uma média de 360 shows por ano. Mas isso não significou o seu afastamento total, afinal, ele continuou compondo e cuidando bem de seu sucessor.
Os Ramones, por sua vez, trataram de buscar logo um sucessor à altura. Fizeram inúmeros testes com vários elementos, sendo que muitos nem sequer tocavam e só apareciam por lá apenas para contemplar a presença de Joey e Johnny. Algum tempo passou e vários tantos pretendentes também, até que alguém de fato chamou atenção por seu jeito despojado, sem querer parecer cópia de ninguém, pois só queria mesmo saber de tocar: era o C.J. ! Não deu outra e no dia seguinte já ensaiavam para dentro de um mês caírem na estrada. A história deu tão certo que C.J. permaneceu fiel à banda até os seus últimos dias, durante 7 anos e ainda continuou em diversos outros projetos.
Graças à sua vida de RAMONE, C.J. obteve tudo o que simples mortal podia almejar: fama, grana e mulheres ... Afinal, casou-se bem por duas vezes. Tem se mantido na ativa à frente de projetos como as bandas LOS GUSANOS, BAD CHOPPER e seu trabalho solo ao lado de do "5º Ramone", o guitarrista e produtor Daniel Rey - Rock'N'Roll enérgico, sem frescura e escalpelante, assim é a estrada desse bravo guerreiro.

Agradecimentos: AMERICA ROCK CLUB e Andy Robbins, por nos cederem todo o background para a realização desta matéria.

VINICIUS DE MORAES: QUEBRA-SE O SILENCIO DE UM SILENCIO

2010-08-08T10:57:00.000-07:00

Quando faltavam exatos 97 dias para que ele completasse 97 anos de seu nascimento (contudo, no trigésimo aniversário de sua morte), eis que recebemos uma agradável notícia: uma letra sua, inédita, apareceu!

Seu novo achado foi a letra de "Silêncio", que a princípio deveria ter sido musicada por Baden Powell, mas que graças ao eterno caos de suas coisas - uma bagunça generalizada entre seus livros, discos, escritos etc; nunca chegou a ver a luz do dia, não até que seus filhos "desenterrassem" uma folha com os seguintes versos: é o amor que te fala / é o amor que se cala / e que despetala / a flor do silêncio. Agora, ela se encontra aos cuidados de Edu Lobo, a quem fora confiado musicar a preciosidade. É só uma questão de tempo para seu lançamento (16 de outubro próximo, talvez).

Tudo bem que muito já se falou sobre sua figura por aqui, mas convenhamos que Vinícius de Moraes é sempre um assunto tão agradável quanto um bom vinho, ou até mesmo um daqueles raros prazeres da vida.
Nosso amado e eterno Poetinha foi tudo o que muitos de nós gostariamos de ser ou de ter sido. Até seus 33 anos conquistara muitas coisas e logo em seguida foi advogado, jornalista, correu o mundo, viveu a boemia, namorou demais, bebeu um monte e curtiu a vida adoidado. Agora digam: tem coisa mais rock'n'roll que isso?!

E o mais doido de tudo é que ele sempre se dava bem, e só foi bater as botas com quase 67 anos, depois de nove casamentos, cinco filhos e três netos.
Sua parceria com Tom Jobim é o maior marco da bossanova, e "Garota de Ipanema" então?! Disputa com "Aquarela do Brasil", de Ary Barroso, a medalha de ouro no top 10 das canções brasileiras mais lembradas mundo afora.

Em 1968, quando se apresentava em Portugal, recebera a notícia de que o governo, por meio do AI-5 o demitira do cargo de Embaixador Brasileiro em Lisboa. E para completar, uma turminha de manifestantes slazaristas faziam muito barulho do lado de fora. Vinícius fora orientado a sair pela porta dos fundos, mas como era teimoso, saiu pela frente mesmo! Não deu outra, encarou todo aquele povinho e conquistou seu silêncio. Tão logo proferiu os versos de "Poética I" ("De manhã escureço/De dia tardo/De tarde anoiteço/De noite ardo"), os estudantes estenderam-lhe suas capas ao chão, como um tapete, gesto este que na Europa tem um significado muito próximo ao de se honrar um mestre.

Outra das histórias curiosas acerca de seu nome é a de que nos idos da década de 60, a jovem estudante norteamericana, Stanley Ann Dunham, encantada por filme "Orfeu Negro" (filme de Marcel Camus, baseado na peça "Orfeu da Conceição", de Vinicius de Moraes), descobriu o seu amor em um estudante queniano, e assim gerou o mais icônico dos presidentes dos EUA. Trocando em miúdos, não fosse o nosso Poetinha, é possivel que o Obama jamais teria existido.

Enfim, mesmo tendo partido há exatos trinta anos, Vinícius de Moraes é uma presença constante em nossas vidas, como alguém que nunca de fato se foi. Desde as musicas infantis ensinadas desde o jardim de infância até canções de amor que nos fazem pensar mais e mais a cada vez que as curtimos, com ouvidos, coração e alma. Canções eternas enquanto duram...

Por hoje é isso, caríssimos, um grande abraço a todos e até a próxima.
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Max Merege é fã do Poetinha desde criancinha!
Ah, sim! Acabou de sair o livro do Henrique, "Casa de Espelhos" ( (65)9605.4394 ).

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 11/07/2010.

O ROCK NA TERRA DA COPA

2010-06-22T06:47:00.000-07:00

SPRINGBOK NUDE GIRLS, um dos maiores nomes do rock sulafricano hoje.

Hoje, os olhos do mundo se voltam para a África, já que o continente mais carente da Terra tem sua primeira copa da Fifa.
Não é surpresa nenhuma a região aparecer por esta coluna, haja vista que de lá sempre saíram verdadeiras joias sonoras. Na abertura mesmo, foi possível vermos uma mescla de estrelas do pop mundial com figurinhas carimbadas da música africana contemporânea, principalmente astros renomados da world music. No entanto, o foco de hoje é sobre uma vertente sonora pouco cogitada da área: o rock branquela!

UMA SUTIL REVOLUÇÃO

Como sempre vimos em nossa vida escolar, e também nos inúmeros noticiários, a África do Sul (principalmente) como palco de uma horrenda guerra entre os negros nativos e uma minoria branca detentora do poder, até o começo dos anos 90, época em que o macabro regime segregacionista do apartheid deixava de (formalmente) existir. No entanto, o que poucos sabem é da ocorrência de uma revolução silenciosa, porém muito barulhenta, que se desenvolveu em meio aos brancos.
No final da década de 50, a ideia de juventude transviada dava as caras na África do Sul e aquele estilo chamado rock'n'roll começava a tomar de assalto as mente e os corpos dos jovens. Acontecia, enfim, uma situação inusitada: o blues, criação dos negros do outro lado do Atlântico, passava a criar suas raízes no seio das famílias conservadoras, mexendo com a cabeça de seus filhos e, por sua vez, semeando o inconformismo com tudo e todos.
Surgiam os primeiros roqueiros por lá: Mickie Most & The Playboys; The Meteors, The Vikings, The Amazons, a primeira banda totalmente feminina da região, só para citar alguns.

CHERRY WAINER, a primeira rockstar sulafricana!

É curioso observar que, a exemplo das Amazons, a presença feminina na produção roqueira sul-africana era incrivelmente forte. Se hoje ainda temos criaturas fabricadas pela indústria e que ganham espeço apenas pelos atributos físicos, à época, por aqueles lados, era preciso ter talento de fato, e ainda sim, era incrivelmente conseguir um bom espaço, já que rock era tido como música marginal. Logo, viam-se na obrigação de sair daquele ambiente conservador, racista e machista, para tentarem a sorte em outros lugares do mundo. E foi justamente o que aconteceu com a tecladista Cherry Wainer e as cantoras Sharon Tandy e Dana Vallery; o produtor Frank Fenter; os ex-Vikings, Manfred Lubovitz (Manfred Mann) e Harry Miller (King Crimson); Mickie Most, Blondie Chaplin e Ricky Fataar (The Beach Boys), John Kongs e outros tantos que se mudavam para a Inglaterra, Canadá, EUA e Australia.

SHARON TANDY, diva sulafricana, de origem judaica,
que teve o apoio de muita gente de peso, como Jimmy Page e Isaac Hayes.

Êxodos à parte, muito das preciosidades roqueiras redescobertas pelo mundo através da internet, vieram da África do Sul: June Dyer, John E. Sharpe & The Squiers, The A-Cads, The Giants, Bill Kimber & The Couriers, The Gonks, The Invaders (primeira banda rockeira só de músicos negros) e muitos outros mais, são apenas uma parte dos nomes que então fomentavam a rebeldia juvenil.

THE INVADERS,
primeira banda de rock multirracial da região,
formada por negros e indonésios.

DOS HIPPIES A 2010
Se muitos iam embora, outros tantos ficavam e tornavam-se um incômodo para o sistema, já que muitos dos valores propagados pela contracultura no final dos 60's, chegavam por lá também. Foi o caso de bandas como Freedom's Children e SUCK, que tocavam progressivo e hardrock. Dormir na cadeia, para eles era comum! Reza a lenda que suas apresentações por lugares públicos eram também palco de inflamados discursos contra o governo.
Ademais, mesmo sendo produtiva entre os 70 e 80, à excessão do pop açucarado do 4 Jacks & A Jill, da easy listening do maestro Dan Hill, de punks como Radio Rats/Pop Guns e Fathoms Of Fire da new wave do Via Afrika, a cena sulafricana manteve-se carente de ícones, já que iniciava-se um processo de "clonagem" do que se fazia na Inglaterra e nos EUA. Logo, o maior nome de então foi a rádio Springbok que nunca deixou de rodar o que se produzia por lá, ainda que fossem só covers de rock importado e muitas novelas importadas da Austrália também.
Na segunda metade dos anos 90, com um giro maior da informação, os ventos da mudança sopravam e novos nomes surgiam, fundindo estilos consagrados como punk, gótico e metal, e muito do pop de seu tempo a elementos da world music, ocorria um "renascimento" na cena, e nomes como Springbok Nude Girls, Urban Creep, Matthew Van Der Want, Ashton Nyte etc tornariam-se figurinhas fáceis.
Hoje, mesmo com bacaninhas da envergadura de Dave Matthews, BLK JKS, The Parlotones e 340ml (moçambicanos radicados em JHB), a África do Sul apresenta-se ao mundo como um celeiro incrivelmente produtivo em termos roqueiros, com sons para todos os públicos e gostos.

Por hoje é isso, caríssimos. Um grande abraço a todos e até a próxima!

CEDÊS:
CAZUMBI (No Smoke, Portugal)

CAZUMBI 1

CAZUMBI 2

Esta série conta a história do rock no continente africano, entre as décadas de 60 e 70. Mesmo que as bandas sejam em sua maioria da África do Sul ou de Moçambique, é possível deparar-nos com diversas pérolas de países como Angola, Congo, Gana e Costa do Marfim. Destaque especial para as sulafricanas John E. Sharpe & The Squires, The A-Cads e The Gonks, as moçambicanas Os Inflexos/Os Impacto, H2O, e a congolesa Les Krakmen.

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 20/06/2010.

blogue do Henhippie

2010-06-07T10:14:00.000-07:00

Há pouco mais de uma semana, a blogsfera ganhou mais um entre tantos zilhões de blogues que povoam nosso infinito cyberspace: o Pihenrique’s Blog! Seria mais um, com certeza, não fosse ele criado e mantido por ninguém menos que o cuiabano Henrique Camargos.
Cansado de procurar uma editora para seu livro de poemas, poemetos e crônicas cônicas, nosso caro Henhippie (como é comumente conhecido) resolveu postar tudo em um blog. Conhecido por escrever tudo o que lhe vem na veneta, Henrique não se poupa e nem tampouco preocupa-se em reler ou filtrar, apenas passa o seu recado, doa a que doar.
Morador do Coxipó, estudante de engenharia elétrica na UFMT, e um dos cabeças da Fraternidade Cultural OCT, Camargos é também um escritor que a cada novo texto revela-se um legítimo cronista urbano de nosso Cuiabá, ainda que tantos se arrisquem por esses meandros.
No entanto, é bom lembrarmos que não se trata de uma página de fã ensandecido com alguma frivolidade do momento ou um rompante passageiro de exposição pública, mas da vontade de um jovem em passar o seu recado, mesmo que de forma tão urgente a ponto de engolir pontos, vírgulas e inúmeras regras da boa ortografia e da sintaxe canônica. Fã devotado de Arnaldo Baptista, Johnny Thunders e Tom Waits, e ávido leitor de Paulo Leminski e F.W. Nietszche, Henrique despeja suas influências em todos seus escritos e, por que não (?!), na exposição de suas ideias também.
Não nos cabe discutir aqui o valor literário e o quanto cada um de nós pode se identificar com seus escritos, mas a atitude em “meter as caras” e produzir algo que, certamente, há de muito crescer, ainda mais quando levamos em conta a profusão de modinhas macabras e da nefasta lobotomia feita nas cabeças de nossos jovens.
Conheçam o blogue do Henrique:
http://pihenrique.wordpress.com/
E, é claro, confiram este e outros tantos reviews mais deste que aqui escreve, no http://colunasdomax.blogspot.com
Um grande abraço a todos e até a próxima!!!

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 06/06/2010.

TROLOLOLOLOLO

2010-05-30T16:17:00.000-07:00

De um tempo pra cá, tem rodado pela internet um vídeo viral no qual um homem muito bem vestido, de cabelo ajeitado, sorriso doidão e uma presença no melhor estilo Silvio Santos, aparece cantando uma música sem letra, cuja melodia pega na cabeça de quem ouve. Trata-se do famigerado video do "trlolololo" ou "trololó", gravado em meados da década de 70 pelo barítono russo Eduard Anatolyevich Khil.

Eduard Khil foi um cantor de bastante renome na antiga União Soviética. queridinho do governo vermelho, cantava por toda parte, desde canções tradicionais até hinos nacionais e canções do Partidão.
Nascido em setembro de 1934, na cidade de Smolensk do Oeste (pertinho da Polônia e da Lituânia), Khil graduou-se em canto, aos 25 anos, pelo Conservatório de Leningrado. Fez um grande sucesso nas décadas de 60 e 70 cantando canções de Arkady Ostrovsky, Andrey Petrov e outros tantos. Entre 1977 e 1980, lecionou canto na Academia de Artes de são Petesburgo, e no meio da década de 80, aos poucos, sua carreira foi amornando. Não demorou muito e Eduard Khil mudou-se para França, tendo ido viver tranquilamente em Paris, onde montou seu próprio Caffe.

Seu reaparecimento na mídia eslava esboçou algumas voltas, dentre as quais quando passou a participar da banda de retro-pop de seus filhos, Prepinaki, na segunda metade dos anos 90. No entanto, foi somente no começo de 2010 que os holofotes se voltaram para sua pessoa, já que alguem, em algum canto do mundo, postou pelo youtube um video um tanto bizarro que acabou sendo batizado de "trolololo", uma onomatopéia para seu canto, já que a música era desprovida de letra.
Obviamente, a música nunca se chamou "trolololo", mas "Я очень рад, ведь я, наконец, возвращаюсь домой", o que em tradução livre quer dizer algo como "Eu estou muito feliz de poder voltar para casa", uma canção bastante popular no leste europeu.
Tamanho o sucesso que essa história de "trololololo" fez que uma turma de fãs pôs no ar um site onde pode ver e ouvir incessatemente o famoso vídeo e também assinar uma petição para que Eduad Khil faça uma tournée mundial. Segundo o próprio Khil, o sucesso do vídeo foi a maior e mais louca surpresa que ele ja teve em sua vida! Que venha logo para o Brasil e também dê as caras por aqui!

Site oficial: http://edhill.narod.ru/
(está todo em alfabeto cirílico, mas as fotos de época são ótima)

Fansites: http://trololololololololololo.com/ e http://eduardkhil.blogspot.com/

Um grande abraço a todos e até a próxima semana.

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 29/05/2010.

DIO SANTO!

2010-05-24T16:38:00.000-07:00

Domingo passado uma notícia tomou conta do meio roqueiro: o passamento de Ronnie James Dio para o outro lado da vida, vítima de um câncer no estômago. Foi um choque, não só para fãs, mas para todos aqueles que o respeitavam e admiravam sua carreira, pautada por uma estrada de mais de 50 anos. Tudo bem que o Iuri Simples já publicou algo a respeito por essas páginas, mas assim mesmo, não poderíamos ficar de fora, e assim mesmo vamos dar nosso recado, ainda que soe como uma Missa de Sétimo Dia, pois a coluna de hoje homenageia (ainda que singelamente) essa figura que foi e que sempre será Ronnie James Dio.

O Começo

Ronald James Padavona nasceu em uma pequena cidade perto de Boston, Estados Unidos, no dia 10 de julho de 1942. De origem italiana, foi criado dentro da religião católica, à qual aprendeu a questionar e criticar. Na música, começou ainda menino tocando trompa e trumpete na banda do colégio. Aos 15 anos junto-se a colegas de escola e formou a banda The Vegas Kings, que passaria por outros dois nomes diferentes: Ronnie & The Rumblers e Ronnie & The Redcaps; até finalmente se chamar Ronnie Dio & The Prophets, em 1962, quando pela primeira vez usou o nome artístico Dio, inspirado no mafioso Johnny Dio. Entre 62 e 67, À frente do The Prophets, como baixista e vocalista, gravou uma série de singles e um lp ao vivo. Apesar da qualidade precária das fitas já deterioradas pelo tempo, sua qualidade musical fica bastante clara, já que se tratava de um misto de rock primitivo com doowop (algo comum em artistas ítalo-americanos), um meio-termo entre Dean Martin, Dion DiMucci, Jack Scott e Roy Orbinson.

Dio, nos idos de 65

Em 1967, com a vinda do movimento hippie, Dio e o guitarrista Nick Pantas, formam a banda The Electric Elves e entram de cabeça no rock garageiro psicodélico. Em pouco tempo, a banda muda seu nome para The Elves e, finalmente, em 1969, passa a se chamar apenas Elf. Tocavam, além de um bom material autoral, clássicos do The Who (fase Tommy), Jehtro Tull e, é claro, a "War Pigs" do Black Sabbath. Tornaram-se a banda de abertura para o Deep Purple que, aliás, os apadrinhara de fato, já que em 1974 Dio participou como cantor no disco "The Butterfly Ball And The Grasshopper's Feat" do tecladista Roger Glover.

Rainbow

No entanto, em 1975, o guitarrista Nick Pantas, parceiro de Dio desde 1958, morre em um acidente automobilístico. No mesmo período, Ritchie Blackmore sai do Deep Purple para formar uma nova banda e para tal chama Dio e seus elfos remanescentes para começarem o Rainbow.

Sem titubear, de cara já lançam o primeiro disco, o que nos 4 anos seguintes se sucederia com mais 3 grandes albuns.

Black Sabbath

Por divergências artísticas, Dio sai do Rainbow. Na mesma época, Ozzy Osbourne também deixava o Black Sabbath. Por recomendação de Sharon Arden (atual Sharon Osbourne), filha do empresário da banda, Dio é chamado para preencher a vaga de cantor. Segundo o guitarrista Tony Iommi, a entrada de Dio causou uma reviravolta na casa, já que este tinha voz, técnica e atitude completamente diferentes de seu antecessor Ozzy, o que além de ser uma injeção de sangue novo, impulsionou a composição de material novo. Entre 80 e 82 fizeram dois discos de estúdio: Heaven And Hell e Mob Rules; e um excelente album ao vivo: Live Evil. O lineup Tony Iommi, Geezer Butler, Vinnie Appice e Ron James Dio, marcou pungentemente a história da banda, uma vez que foi com Dio que se popularizou o sinal dos "chifrinhos" com os dedos, já que Ozzy fazia o sinal de "paz e amor". Segundo o próprio, quem costumava fazer esse sinal era sua avó, para espantar "mau olhado".

No final de 1990, Dio voltou para o Black Sabbath e dois anos mais tarde lançaram "Dehumanizer", o mais bem sucedido disco da banda em muitos anos e que emplacou hits como "Time Machine" e "TV Crimes".

Dio

Em 1982, após deixar o Black Sabbath, Dio e seu colega de banda, o baterista Vinnie Appice, formam enfim o Dio, banda que tem nome o apelido de seu fundador. Durante um período de 25 anos, tendo apena Ronnie James Dio como integrante fixo, a banda tornou-se cultuada. Lançaram uma média de 25 discos, entre material de estúdio, ao vivo e coletâneas. Tocaram pelo mundo todo e inclusive fizeram até mesmo um disco metal para arrecadar fundos para ajudar na luta contra a fome na África. Aliás, o próprio dio sempre foi um sujeito engajado em causas sociais, já que ultimamente estava em uma campanha contra a exploração sexual de menores.

Heaven And Hell

Não fazia muito o Black Sabbath havia voltado com sua formação original: Tony Iommi, Geezer Butler, Ozzy Osbourne e Bill Ward. No entanto, a banda entrou em "férias" e Ozzy retomou sua carreira solo. Em A Rhino Records relançou um boxset com todos os discos da fase Dio e a banda, uma coletânea chamada "Black Sabbath: The Dio Years" para a qual a formação de 1980 se reuniu para gravar quatro músicas. A banda então seguiu mundo afora, mas desta vez sob o nome de Heaven And Hell, uma forma de homenagear o antológico álbum do Black Sabbath que apresentara Dio ao seu público. Tocaram inclusive pelo Brasil em 2009. Mantiveram-se firmes na estrada, até o último dia 5, quando Dio precisou ser hospitalizado.

O Final

Será que há?!

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 23/05/2010.

THE NEDERBEAT, o Rock de Tamancos

2010-05-22T14:23:00.001-07:00

The Shocking Blue

Certa vez, há mais de um ano atrás publicamos aqui uma matéria especial sobre o indo-rock, e por incontáveis vezes o famoso país das Terras Baixas foi citado por aqui.
Pois bem, hoje esta coluna volta novamente suas atenções para a Holanda já que, bem ou mal, o rock daquela área é uma constante em nossas vidas, haja vista sua influência em boa parte das coisas que curtimos, seja na música do eterno Nirvana, seja em algum filme do Tarantino.

RECAPITULANDO...

THE TIELMAN BROTHERS

O rock holandês nasceu de fato graças aos jovens de origem indonésia que, à sua maneira, combinavam o kratchang (um tipo de música regional indo-malaia) com o blues norte-americano de que eram fãs e muita surf music instrumental, para fazerem um tipo visceral de rock que só seria (re)descoberto pelo mundo nos tempos da internet e do youtube (vide o caso dos video-clipes dos Tielman Brothers).

THE NEDERBEAT

É claro que por lá existiam bravos rockeiros como Peter Koelewijn e as Melody Sisters, que faziam rockabilly em holandês, mas foram mesmo os bravos indonésios que literalmente fizeram o rock incendiar por aqueles prados. Já na metade dos 60, como a cena indo rock ia se enfraquecendo, as bandas passavam a ceder o talento de seus músicos para uma cena que então surgia, a Nederbeat, cujo epicentro se deu na cidade de Den Hague, de onde aliás, emergira a maior parte das bandas de indo-rock. No entanto, o grande difusor de toda esta cultura alternativa foi a radio Veronica, um rádio offshore que funcionava a partir de um barco ancorado há várias milhas da costa holandesa, e que rodava tudo o que as rádios legalizadas do continente não rodavam.
Dos nomes que mais se destacaram nesta cena, alguns nos são até bem conhecidos. A saber...

OUTSIDERS

Liderada pelo cantor Wally Tax, foi primeira banda da cena a alcançar alguma projeção fora dos Países Baixos. Emplacaram clássicos como Lying all the time, Keep on trying e Touch. Reuniram-se em 1997, após vinte e sete anos. Por diversas vezes, Kurt Cobain tentou encontrar-se com seu ídolo Wally Tax, mas por conta das agendas de ambos, isso nunca se concretizou. Tax morreu em 2005.

Q65

Figurinha fácil em todas as coletâneas de rock holandês, o Q65 ganhou notoriedade por seu som rápido, cru, preciso e extremamente bem trabalhado. Reunem-se frequentemente para tocar nos mais diversos lugares da holanda. Destaque especial para as músicas "The Victor", "I Despise You", "The Life I Live" e "Ann". São amados e respeitados pelas mais diversas correntes sonoras da Holanda, desde os irmãos Van Hallen até os psychobilly do Batmobille e dos Cenobites, passando pelo punk dos Bambix.

GOLDEN EARRINGS

Esta foi a primeira banda a emplacar nas paradas da Inglaterra e dos Estados Unidos, e continua na ativa até os dias de hoje. Começaram com o single "Please, Go" em '65, e sucederam com "That", "Dong Dong Diki Digi Dong" e outras tantas. Nos anos '70, "Radar Love" tornou-se o seu carro chefe.

SHOCKING BLUE

Certamente a mais lembrada da bandas da cena. Iniciaram como um quarteto masculino e gravaram apenas um disco nesta formação. Em seguida, após recrutarem a cigana Mariska Veres como sua crooner, a carreira da banda deslanchou! "Venus", "Send Me A Postcard", "Waterloo" e "Love Buzz" (a mesma que o Nirvana regravou) são apenas alguns de seus inúmeros hits. Infelizmente, em 2006, Mariska Veres passou para o outro lado, mas legou sua influência a tantas outras cantoras que o rock haveria de produzir nos anos seguintes.

GEORGE BAKER SELECTION

Quem assistiu o filme "Cães de Aluguel", de Quentin Tarantino, certamente se lembrará da música de abertura em que todos os personagens eram apresentados. Era "Little Green Bag", cantada por Johannes Bouwens, ou simplesmente George Baker, que também emplacou no começo dos '70 pérolas kitch do sunshine pop como "Una Paloma Blanca" e "Fly Away Little Paraguayo".

THE HUNTERS

Eis a banda onde o guitarrista Jan Akkerman (Focus) começou suas atividades. Aliás, alguém se lembra que ele já veio tocar em Cuiabá?! É uma pena que a divulgação pífia e a curadoria precária das bandas para abertura de seu show, tenham contribuído para seu esquecimento entre nós. Uma lástima, já que se trata de história viva do rock.

Outros nomes que também não poderíamos deixar de citar são: The Motions, Ro-d-ys, Bumble Bees, The Shoes, Les Baroques e Cuby & the Blizzards, entre tantos outros grandes; mas que por conta do espaço de hoje, ainda aparecerão em uma outra edição da coluna do Max.

Por hoje é isso, caríssimos. Semana que vem tem mais. Um grande abraço a todos e até lá!

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 09/05/2010.

THE VARUKERS e o som UK82

2010-05-03T07:14:00.000-07:00

Esse tal de UK82 foi uma cena bastante curiosa que aconteceu no punk britânico no começo dos anos 80, uma época em que muitos dos pioneiros do gênero descambavam para a new wave e outras tantas linhas sonoras e culturais. O nome em si vem do título de uma música da banda escocesa The Exploited (a mesma que em 1993 foi regravada por Slayer e Ice T) e também diz respeito a uma época complicada na história recente do Reino Unido, quando muitos jovens foram enviados para matar e morrer na Guerra das Malvinas (disso trata o disco "Let's Start A War" do Exploited). Uma das características principais desse estilo foram a sonoridade mais agressiva, bastante influenciada pela nova geração britânica do metal, principalmente Motörhead, e o teor de suas letras que atacavam escancaradamente monstros como o holocausto nuclear, a guerra, os políticos, o desemprego etc. Seus principais nomes foram/são: The Exploited, GBH, Chaos UK, Broken Bones, Discharge, Anti-Nowhere League, English Dogs, The Blitz, Doom, The Partisans, Vice Squad, Abrasive Wheels, One Way System, The Violators, Disorder, Dogsflesh, e, é claro, The Varukers.
O mais interessante é que quase todas essas bandas continuam na ativa até hoje. Tudo bem que não contam mais com suas formações originais, já que a rotatividade de integrantes é uma constante, ainda mais quando pertencem a uma mesma cena. Logo, hoje em dia, a maior parte desses grupos contam geralmente com apenas um membro-fundador, ou em alguns casos, como o Discharge e o Napalm Death, nenhum integrante original, somente uma tradição sonora preservada por músicos de outras gerações.
O The Varukers, banda da cena que se encontra em tour pelo Brasil, é um belo exemplo pois mesmo tendo apenas o vocalista Rat, da sua fundação, mantém-se fiel às suas raízes de 30 anos atrás. Tiveram uma estrada intensa de 1980 a 1988, quando se separaram pela primeira vez. Cinco anos mais tarde Rat reformulou a banda, desta vez com o apoio de integrantes do Discharge (da qual Rat faz parte) e do Chaos UK. Por outras duas vezes vieram ao Brasil: 1999 e 2003. Sem frescuras, tocam onde são chamados, tanto é que foi uma das bandas gringas que mais circulou o interior do país.

Varukers no Centro-Oeste

VARUKERS em BRASILIA - foto: The Cave

Sua escala no centro-oeste deu-se em Brasilia, no último dia 17, com um show impecável no Porão do Conic. Foram muito bem recebidos pelo público e pelas três bandas bandas de abertura. A primeira, chamada Murro No Olho, tocava uma vertente mais pesada e rápida de hardcore europeu, merecia destaque pela baixista Amanda, uma única lady entre tantos marmanjos que rufava a casa com o som de seu instrumento. A segunda, Possuídos Pelo Cão, esmerilhava a casa com um crossover da melhor qualidade, fortemente influenciado por Discharge, DRI e MDC. A terceira, Os Maltrapilhos, punham mais lenha na fogueira para um show que ainda daria muito pano para as mangas, tocaram seu punk rock tradicional e contaram com um público fiel que cantava todas suas músicas (eles inclusive já tocaram em nossa amada Cuiabá).
E os Varukers então sobem ao palco. Apesar de o baixista Marvin não ter podido tocar nesta tour, quem segurou direitinho as pontas foi o brasileiro Fralda (ex-BlindPigs, RDP e Forgotten Boys, e atual Lobotomia). A platéia se quebrava em pogos, wreckings e slams, enquanto a banda destilava a pauleira em clássicos como "Soldier Boy", "Murder", "I Don't Wanna Be a Victim", entre outros.

Enfim, o que tivemos foi um grande show de uma grande banda, que nos alimenta a esperança de que o rock tem salvação, sim, apesar do insuportável mundinho indie e das inúmeras aberrações coloridas que têm tomado de assalto nossos dias. Os Varukers merecem vir a Cuiabá e o público cuiabano merece conhecer os Varukers, um dia desses, quem sabe.

ThiaGoiás, RAT & Max Merege

Agradecimentos: Mundano Produções e Bianca Bulimia por viabilizarem nosso acesso.

Cedês:

The Squintz - Violent World

Banda da Cena candanga que a cada dia tem se destacado mais pelo Brasil e exterior.
Formada ainda em 2009, após reencontro de dois velhos amigos de infância: Moa (guitarra e voz) e Caio (guitarra e voz); conta ainda com seus "droogs" Hery (baixo) e Sonic (bateria). Mandando ver em um som fortemente influenciado pelo punk inglês dos Adicts, The Clash, Cocksparrer e Buzzcocks, mais uma pitada pesada de mod-revival, que conferem aos Squintz uma pegada forte, típica de quem sabe para que veio. http://www.myspace.com/thesquintz1977

Boobarellas - Desamor

À primeira ouvida pode soar como um misto de punkpink pirulito com hardrock farofa, mas trata-se de um som muito do honesto!
Boobarellas é uma banda paranaense radicada em São Paulo que já pode até debutar, pois são quinze anos tocando e experimentando os altos e baixos de uma carreira. Encabeçada pelo guitarrista Guile Jow, já teve inúmeras formações, mas sempre bucando se aprimorar. Este cedê é uma boa lição para bandinhas de adultos metidos a meninos e grupinhos de crianças choronas, que têm infestado nossa mídia ultimamente. Um disco muito bem dosado em suas seis faixas, que aborda com sinceridade temas ligados à vida comum e à idéia de se fazer o que realmente gosta. http://www.myspace.com/boobarellas

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 25/04/2010.

ABBA

2010-04-14T11:28:00.000-07:00

Na história do pop ocidental, inúmeros lançaram maravilhosas pérolas sonoras, mas poucos atingiram a perfeição absoluta, ainda mais se tratando de uma trupe que gravava sua músicas em uma língua que sequer era a sua língua materna. Pois bem, estou falando do ABBA, o maior nome do pop escandinavo!

Apesar de serem um ícone dos anos 70, e erroneamente associada à disco music, sua história data da década de 60, já que seus quatro integrantes eram egressos da cena mod sueca e contavam com um vasto material pregresso gravado.

Dos meninos, Benny Anderson, o tecladista, fazia parte da banda The HepStars, cuja especialidade era combinar o mod de caras como The Who e Kinks com Phil spector e muita psicodelia; Björn Ulvaeus era guitarrista e cantava em uma banda de folk rock chamada The Hootenanny Singers, até entrar para os HepStars em seus últimos anos.

Das meninas, Frida Lyngstadt, a ruiva carismática, na verdade era natural da Noroega, filha do romance de uma camponesa com um sargento do exército alemão, lançara-se cedo na canção e aos 13 já era uma voz bastante conhecida pela Suécia, mas o sucesso só viria mesmo em 1967 ao aparecer em cadeia nacional de televisão. Agnetha Faltskog, a loirinha "batateira", também começara muito cedo e aos 17 anos já tinha até disco gravado.

Um quinto membro era o visionário produtor Stig Anderson que, além de ser o grande elo de ligação entre todos, foi um brilhante estrategista que fez com que o ABBA devorasse o mundo pelas "beiradas"; isto é, nada de ter que fazer tour pelos EUA e correr todas as rádios para divulgar seu trabalho, mas ganhar a Europa, o Japão e, principalmente, a Austrália.

Em 1970, a dupla Benny e Björn juntou-se para gravar o álbum "Lycka" que, curiosamente, contava com o apoio vocal de suas noivas: Frida e Agnetha. A experiência deu certo e logo em seguida fizeram dois discos com o nome de "Björn & Benny, Agnetha & Anni-Frid", o que logo mais passaria a se chamar ABBA, uma sigla para Agnetha, Björn, Benny e Anni-Frida.

Em 1974, no esteio da onda glam, lançam-se no Eurovision Song Contest, que ocorria na Inglaterra, com a música "Waterloo". Sim, o ABBA vencia aquele festival, mas seus singles posteriores não conseguiam se sair muito bem nas vendagens. Entretanto, foi somente no ano seguinte, após fazerem o disco Frida Ensam que conseguiram realmente emplacar nas paradas, pois saía o disco ABBA, com hits como "Mamma Mia", "I Do, I Do, I Do, I Do, I Do", "SOS", "Bang-A-Boomerang" e "Rock Me".

Em 1976 foi a vez do álbum "Arrival", contendo os sucessos "Money, Money, Money", "Knowing Me, Knowing You" e um presente para a Rainha Silvia, "Dancing Queen". Em 1977 repetiam a dose com The Album, o qual vinha com os hits "The Name Of The Game", "Take A Chance On Me", e "Thank You For The Music".

Durante os dois últimos anos da década, o ABBA gozava do status de mega stars e outros grandes sucessos vinham. "Summer Night City", "Chiquitita", "Does Your Mother Know", "Voulez-Vous", "I Have A Dream" e "Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)". Isso rendeu-lhes uma bela turnê pelos Estados Unidos e Canadá, lotando estádios e tudo mais, e só no Reino Unido, seguiam firmemente emplacados nas paradas havia quatro anos já, perdendo apenas para os Beatles. A decada se encerrava e até 1979, 150.000.000 de discos do ABBA tinham circulado pelas lojas de todo o planeta.

No começo da década de 80, os casamentos começam a ruir e o ABBA, como um grupo, dá seu último suspiro com o disco "Super Trooper". A banda acabou, mas todos continuaram suas carreiras separadamente, e com muito êxito.

Benny e Björn, até hoje são melhores amigos e mantém a parceria, tendo inclusive aparecido no filme "Mamma Mia", uma bela adaptação para as canções do ABBA sob a forma de dramaturgia. Aliás, no lançamento desse filme, Frida e Agnetha se encontraram com Merryl Strip e fizeram uma breve dancinha para delírio do público.

Se você quer ver mais sobre o ABBA, acesse o site: http://colunasdomax.blogspot.com

POR QUE TARANTINO É F**A ???????!!!!!!!!

2010-03-07T09:38:00.000-08:00

Hoje, como já é sabido, é dia do Oscar, a “maior” premiação da Sétima Arte no mundo. Tudo bem que em grande parte das vezes isso não passa de uma tremenda marmelada cujo objetivo maior é promover os estúdios que melhor pagam a veiculação de seus produtos. Entretanto, muita coisa boa acaba rolando, mesmo que não fature a tão sonhada estatueta, e isso é uma constante.O nosso “homenageado” de hoje, Quentin Tarantino, é um sujeito que há muito já deveria ter figurado por esta coluna, uma vez que tem muito a ver com a maior parte dos sons que aqui citamos, inclusive os brasileiros, e também por ter faturado uma estatueta em 1995 pelo roteiro de “Pulp Fiction”.

Vincent Manero?!

É verdade, muita gente aqui pulou de alegria e êxtase no idos de 94/95 com a trilha sonora de “Pulp Fiction”, já que muitos daqueles sons (senão a maior parte) eram coisas realmente difíceis de se conseguir por estes prados, ainda porque nem existia a possibilidade de baixarmos sons pela internet. Não era pra menos, o disco em si começava do mesmo jeito que o filme, o casal Pumpkin e Honey-bunny (Tim Roth e Amanda Plummer) iniciavam o assalto à cafeteria onde Vincent Vega e Jules Winfield faziam seu breakfest após um exaustivo expediente, e em seguida entrava uma melodia grega tocada por uma legítima Fender Stratocaster: “Misirlou”, de Dick Dale; a mais lembrada de todas. Uma trilha sonora PERFEITA, formada por músicas escolhidas a dedo pelo próprio Tarantino, onde clássicos do surf-instro como Centurians, Link Wray, Lively Ones, Tornadoes, The Revels, The Markets e outros tantos dividem harmoniosamente seu espaço com medalhões da black music - Kool & The Gang e Al Green; folk rockers - Dusty Springfield, Maria McKee e Satler Brothers; e astros consagrados - Chuck Berry, Rick Nelson e Neil Diamond (regravado pela então revelação, Urge Overkill).

Cães de Aluguel, ao som de
"Little Green Bag", de George Baker Selection

Exageros à parte, mesmo contendo muita coisa antiga, sua trilha sonora foi um sopro de renovação e uma lição para todos aqueles que desejavam boa música e sentiam-se constipados com as idiotices veiculadas pelo rádio (se naquela época o rádio era ruim, o pior ainda estava por vir), e foi graças a esse frenesi que a rapaziada começou a pesquisar mais e buscar por outras coisas daquele “estreante”; vide o caso de “Amor À Queima Roupa” e “Assassinos Por Natureza” (True Romance e Natural Born Killers), que apenas foram escritos por ele; e “Cães de Aluguel” (Reservoir Dogs), escrito, dirigido e atuado pelo próprio.
Tanto em “Amor...” quanto em “Assassinos...”, Q.T. sentiuse um tanto quanto “desvirtuado”, mas ainda assim podíamos sentir pungentes suas referências sonoras e culturais, como o predileção da Alabama (Patricia Arquette) por Phill Spector e o Elvis (Val Kilmer) de Clarence (Christian Slater) a dar-lhe conselhos, ou até mesmo a saga de Mick e Mallory (Woody Harelson e Juliette Lewis) permeada por canções do disco “The Future” de Leonard Cohen.
Assim, tanto “Cães de Aluguel” como “Jackie Brown” fazem sua clara homenagem aos seventies. Em “Cães...” podemos destacar o nederbeat pulsante da George Baker Selection tocando “Little Green Bag”, o folk rock dos escoceses do Stealers Wheel com “Stuck In the Middle With You” e a bela “Coconut” de Harry Nilson. Em “Jackie Brown”, além da protagonista vivida pela musa black, Pam Grier, podemos ouvir pérolas como clássicos dos DelPhonics, The Association até mesmo do homem de preto, Johnny Cash.

Uma Thurman: A noiva em ação, em KiLL BiLL

Passados seis anos, em 2003 Q.T. volta à ativa como diretor e roteirista em Kill Bill 1 e 2, onde faz uma clara homenagem ao faroeste italiano de nossas inesquecíveis Sessões da Tarde (Leone, Fulcci, Corbucci etc), bem como aos antológicos filmes de kungfu e samurais da Shaw Brothers e dos estúdios Toey, que costumávamos assistir toda terça feira no Poltrona R (“O Clan da Lótus Branca”, “Os Cinco Dedos da Morte”, “O Guerreiro de Um Só Braço Contra O Mestre da Guilhotina Voadora”, “The Original Street Fighter”, “O Jogo da Morte”, “Lady Snowblood” etc). A trilha sonora não ficava atrás, já que podíamos ouvir de tudo um pouco; desde pérolas do spaghetti western (Morricone, Ortolani, Bacalov, Micallizzi etc) até hip-hops furiosos (Wu-Tang Clan), passando por maravilhas da black music instrumental (Isaac Hayes), relíquias do kraut alemão (Neu!), delícias do pop sessentista inglês (The Zombies) e rockabillies e hillbillies também (Charlie Feathers, Johnny Cash etc).
Em 2006, foi lançado lá fora o filme “À Prova de Morte” (Death Proof), uma clara homenagem ao clássico “Faster Pussycat, Kill!!! Kill!!!”, de Russ Meyer, e cuja trilha sonora também é permeada por acepipes sonoros do naipe de “Hold Tight”, da banda Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich, e de “The Love You Save”, de Joe Tex. Como este filme (por razões completamente misteriosas) até agora não saiu no Brasil, apenas os fãs mais aficcionados tiveram acesso, principalmente via internet.
Pois bem, o que acontece é que há pouquíssimo tempo (na segunda metade do ano passado) Tarantino lançou mais um clássico do divertimento familiar: “Os Bastardos Inglórios” (The Inglorious Basterds); que no esteio dos demais, presta uma bela homenagem ao cinema em si, seja pelo enredo claramente inspirado em filmes como “Os Doze Condenados” e “A Cruz de Ferro”, seja pela trilha sonora. Aliás, é bom lembrar que Q.T. convidou Ennio Morricone para compor sua trilha, mas por incompatibilidade de agenda, o Maestro achou melhor declinar do convite. Mas isso não foi problema, já que muitas de suas composições e de outros grandes nomes, como David Bowie mesmo, também figuram nas cenas deste filme que hoje concorre a oito Oscars.

Agora, respondendo à pergunta do título, Quentin Tarantino é F**A simplesmente porque, como ninguém, consegue resgatar e sintetizar magistralmente peças cruciais do intrincado quebracabeças que está em nossa formação cultural e que os pudores estéticos da crítica dita especializada e da ditadura do politicamente correto sempre fizeram questão de rechaçar. Ademais, o lance hoje é grudar a cara na tevê e torcer para que este filme fature muitos e muitos bonequinhos!

Max Merege, além de roqueiro, ama e respeita cinema bem mais que muito cineasta de nariz empinado.

Que tal um drinque no inferno????

Bonequinhos.........

CHRIS MURRAY: SIMPLES ATÉ A MEDULA

2010-03-01T05:11:00.001-08:00

Qual é a primeira coisa que você pensa antes de ir a show de reggae? Talvez você pense em pessoas de orientação ratafari, com dreadloks até os pés, fumando toras de maconha, vestidos com camisetas do Bob Marley, com bolsas e chapéus nas cores da Jamaica e devaneando sobre toda sorte de assunto que fuja à nossa compreensão cartesiana. Bem, então é bom que esqueçamos de tudo isso e lembremos que reggae, além de música e estilo de vida, é um estado de espírito que vai muito mais além do que supõe nossa vã filosofia...

O artista em questão é um branquela canadense, desses magricelas que raramente viram o sol na infância, mas que manda tão bem no reggae, ska e rocksteady quanto qualquer jamaicano nativo. Chama-se Chris Murray e volta e meia ele vem tocar pelo Brasil e por toda América do Sul. Ano passado mesmo ele esteve por aqui e foi super bem falado por público e crítica.

Mesmo morando em Los Angeles, a melhor definição para ele talvez seja a de um cigano sonoro já que a cada dia ele está tocando em algum canto remoto do mundo. E sabe qual é a parte mais impressionante de tudo isso? É que ele não costuma escrever um setlist das músicas que vai tocar, mas sim, segue o que o público pede.

Filho de pais músicos, Chris Murray, desde cedo viu-se envolvido neste admirável mundo artístico. Fosse por sua mãe tocando velhas pérolas caribenhas ao piano, ou por seu pai, um exímio apreciador de jazz. Contudo, a parte que mais lhe tocaria os ouvidos e a alma viria entre os 10 e 15 anos, a partir de alusões britânicas à música jamaicana, por meio de clássicos como "Obladi-Oblada" com os Beatles, "I Shot The Sheriff" com Eric Clapton, "Dyier Maker" com Led Zeppelin, e por fim "One Step Beyond" com Madness, o que serviu de pontapé inicial para entender o que realmente queria tocar e apresentá-lo ao maravilhoso mundo do 2Tone.

Entre o final dos anos 80 e começo dos 90, Chris Murray encabeçou uma banda canadense chamada King Apparatus, que também foi um dos principais nomes do Ska 3rd Wave. Finda a banda, fez fama como um grande produtor. Por volta de 1993, conheceu pessoalmente os lendários Skatalites, em um festival na Inglaterra que também contava com nomes da envergadura de Selecter, Special Beat e The Toasters no pacote. Não demorou e tornou-se o manager da tour da lenda jamaicana pela escaldante Califórnia.

Ah, sim, Chris Murray já acompanhou muita gente de peso nos palcos, como Lloyd Knibb e Lloyd Brevett, dos Skatalites, Prince Buster, The Specials etc. E acaso ele se gaba disso?! Que nada! Tem muito orgulho, sim, e sente-se profundamente honrado por ter trabalhado com caras tão importantes, mas isso não o torna um esnobe ou qualquer tipo de estrelinha. Aliás, o ponto mais forte de tudo é que sua simplicidade, tanto como músico quanto uma pessoa comum, vão totalmente de encontro a este mundo formado por celebridades instantâneas e de glamour artificial que a cada dia tem-se feito mais e mais pungente; e, é claro, opõe-se também a esta ditadura que reza que para se fazer um bom trabalho, o músico precisa manter o "nariz empinado" e desgastar-se em um universo de técnicas inúteis. Tal qual sua obra, o supracitado artísta também é simples, pulsante e direto! Não faz muito, em dezembro do ano passado, enquanto passava uns dias em Curitiba, pude testemunhar isso. Eu já sabia que o tal do Chris Murray ia tocar por lá. Ouvira pouca coisa até então, o suficiente para saber que seria um bom divertimento, ainda mais porque o que eu e meu irmão queríamos mesmo era ver a banda de abertura: Rocksteady City Firm; encabeçada por meu velho amigo, o cantor Rodrigo Rodrigues. A banda estava maravilhosa! Tão boa que eu até me senti no Maranhão! Mas quando entrou Chris Murray, meus caros, aí sim o lugar pegou fogo! Configuração de palco, a mais simples possível: o próprio Chris Murray tocando violão e cantando, mais dois músicos brasileiros: Rodrigo Cerqueira (Firebug e Skuba) na bateria e Edu Sattajah (Leões de Israel e Brasilites) no upright-bass. Em poucas palavras, um legítimo powertrio! Sim, foi o show que faltava eu assistir para fechar 2009 com chave de ouro e certamente refletir mais acerca de se ter uma banda. Será que é preciso tanto equipamento, tanta técnica, tanto glamour e tanta pose para ser um astro?! Chris Murray, do modo mais simples possível, provou que não! Basta apenas saber o que quer tocar e tocar o ferro na boneca!

Por hoje é isso, queridos leitores. Próxima semana tem mais. Um grande abraço a todos.

Discografia básica:

com King Apparatus: Loud Party (1989), King Apparatus (1991), Hospital Waiting Room (1992), Marbles (1993); em carreira solo: 4-Trackaganza! (2001), Raw (2002), 4-Track Adventures of Venice Shoreline Chris (2003), One Everything (2005), Slackness (2005, parceria com a banda The Slackers)

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 28/02/2010.

Videos de CHRIS MURRAY

ANTÔNIO ARNAUD RODRIGUES

2010-02-22T04:47:00.000-08:00

Na última quarta feira de cinzas, o humor, a dramaturgia e a mpb, acordaram órfãos de um de seus maiores talentos nos últimos 50 anos: a morte de Arnaud Rodrigues! Foi na noite de terça feira ainda, quando o barco em que ele viajava com a esposa e dois netos, no Tocantins, naufragou. Seus familiares conseguiram ser salvos, mas ele não.

Talvez as lembranças mais comuns venham de "A Praça É Nossa", onde interpretou tipos inesquecíveis como o Cel. Totonho, o Povo Brasileiro e o Chitãoró; e de personagens que, em muitas vezes, roubavam a cena em novelas globais, como o ceguinho Jeremias, o personagem mais visionário de Roque Santeiro (1985), o Mr. Soul, de Partido Alto (1984) e o retirante Soró, de Pão-Pão Beijo-Beijo (1983); Soró, aliás, fez tanto sucesso que reapareceu no filme "Os Tapalhões e O Mágico de Oroz" (1984), cujo reteiro fora escrito pelo próprio.

Nos últimos dez anos, graças as facilidades da internet, sua obra musical ganhou um novo status e uma nova legião de fãs.

No começo da década de 70, Caetano Veloso e Gilberto Gil enfrentavam sérios problemas com a ditadura militar, como a prisão e, consequentemente, um exílio na Inglaterra. Solidários com a situação dos artistas, Arnaud Rodrigues e Chico Anísio firmaram uma forte parceria e encarnaram o grupo Baiano & Os Novos Caetanos, uma espécie de Monkees tropicalista. Arnaud vivia o Paulinho, e Chico, o Baiano. Sua idéia principal era homenagear de modo cômico os principais nomes do Tropicalismo: Os Novos Baianos, Gal Costa, Mutantes, e também Maria Betânia. A dupla lançou hits como “Vô Batê pa Tu” e “Urubu tá com Raiva do Boi”. Letras inteligentes e arranjos que casavam o tradicional da música regional com o pop moderno. Uma profusão de fusões de forrós, modas de viola e afins, recheados com guitarras distorcidas e efeitos psicodélicos, tudo possível graças à visão de Arnaud e aos arranjos de maestros como Nonato Buzar, Waltel Branco, Guto Graça Mello e outras feras mais. Feito a princípio como trilha de programa humorístico, o trabalho rendeu excelentes posições nas paradas de sucesso, já que refletia todo o momento por que passava o Brasil, como as delações, o progresso desenfreado, a crise nos valores humanos, a volta às raízes no campo etc. A empreitada deu certo e logo mais ele lançou "O Som do Paulinho", que seguia o mesmo espírito bucólico psicodélico da dupla e que trazia a lissérgica "Murituri".

Já nos anos 80, foi a vez da tele-dramaturgia e por conseguinte, a volta ao humor.

Lá pelo final dos anos 90, após uma visita ao Tocantins, gostou tanto do lugar que levou a família toda para lá morar. Continuou escrevendo para várias publicações e regularmente aparecia no programa "A Praça É Nossa", mas foi em Tocantins que ele passou a se dedicar a uma outra paixão: o futebol! Tornou-se cartola e ajudou o Palmas a se destacar no Campeonato Brasileiro e a conquistar um tricampeonato estadual.

Hoje, apenas dois discos de Baiano e Os Novos Caetanos são encontrados na forma digital "oficial" (a.k.a. cedê de loja), contudo, todos os demais trabalhos tornaram-se figurinhas fáceis pela internet, o que vale para se conhecer a obra, mas que em nada substitui o peso de um elepê.

Em termos artísticos, sua partida é uma perda tão grande quanto as mortes de Mussum e Zacarias. Antônio Arnaud Rodrigues foi, é e sempre será um mestre à frente de seu tempo e que descanse em paz onde estiver.

Vô batê pá tú
(Chico Anisio e Arnaud Rodrigues)

Falou, é isso aí malandro
Tem que se ligar aí nesse som, tá sabendo...
Eu vou bate pá tú, pá tu bate pá tua patota

Vou batê pá tu bate pá tú
Pá tú batê...

Pá amanhã a pá não me dizer
Que eu não bati pá tú
Pá tú pode batê

O caso é esse
Dizem que falam que não sei o que
Tá pá pintá ou tá pá acontecer
É papo de altas transações

Deduração, um cara louco
Que dançou com tudo
Entregação com dedo de veludo
Com quem não tenho grandes ligações

Vou batê pá tu bate pá tú...

Tá falado, tu tem que se ligar....
É isso aí, falou

Vou batê pá tu bate pá tú...

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 21/02/2010.

O REI do Samba

2010-02-16T08:29:00.000-08:00

No samba "Já Te Digo", dos irmãos Pixinguinha e China, ele era descrito como "alto, magro, feio / e desdentado / que fala do mundo inteiro / e vive avacalhado / no Rio de Janeiro". Quando de seu velório, Manuel Bandeira assim escreveu: “A capelinha branca era muito exígua para conter todos quantos queriam bem ao Sinhô, tudo gente simples, malandros, soldados, marinheiros, donas de rende-vous baratos, meretrizes, chauffeurs, todos os sambistas de fama, os pretinhos dos choros dos botequins das ruas Júlio do Carmo e Benedito Hipólito (a zona do meretrício carioca), mulheres dos morros, baianas de tabuleiro, vendedores de modinhas... As flores estão num botequim em frente, prolongamento da câmara-ardente. Bebe-se desbragadamente. Um vai-vem incessante da capela para o botequim”. Já o historiador José Ramos Tinhorão atribui a ele a verdadeira partenidade daquilo que três décadas mais tarde se convencionaria a chamar de "bossa nova", graças à sua forma malandra de conduzir a harmonia no esquema "um banquinho e um violão".

Nascido José Barbosa da Silva, no Rio de Janeiro, dia 18 de setembro de 1888, Sinhô era filho de um conhecido pintor de paredes e fã das rodas de samba e choro. Desde criança teve um contato muito forte com a música. Aprendeu flauta, violão, piano e malandragem também!

Aos 17 anos casou-se com uma jovem portuguesa de sua vizinhança e até os 21 ele já era pai de três filhos. Para sustentar a família, trabalhava como demonstrador de piano em uma loja de instrumentos musicais - a histórica Casa Beethoven - e tocava por tudo quanto era lugar, desde refinados salões da alta sociedade até casas de rendezvous e moquifos afins, e em inúmeras agremiações dançantes, como a famosa Kananga do Japão (que inclusive virou novela no final dos anos 80).

Aos 26 enviuvou, e até o final de sua vida, casou-se por mais três vêzes. Uma de suas esposas chamava-se Cecília e também trabalhava como demonstradora na Casa Beethoven, tendo sido ela a primeira grande divulgadora de sua obra e responsável pelas primeiras transcrições de Sinhô para a forma de partitura.

Frequentador assíduo das rodas de samba da casa da bahiana Tia Ciata, Sinhô está entre aqueles que reclamavam para si a autoria de "Pelo Telefone", primeiro samba gravado da história e apresentado como se fosse da autoria de Donga e Mauro de Almeida. Em resposta, Sinhô compôs o samba "Quem São Eles". Trocas de farpas por todos os lados, desse período também é a marchinha carnavalesca "Tesourinha": "eu tenho uma tesourinha / que corta ouro e marfim / serve também pra cortar / línguas que falam de mim" .

Sinhô também era acusado de ser plagiador, acusação da qual se defendeu dizendo que "samba é igual a passarinho, é de quem pegar". Por conta disso, foi o primeiro artísta brasileiro a realmente se preocupar com direito autoral, pois tomava o cuidado de registrar todas suas composições em cartório e rubricar todos os seus discos.

Em 1921, lançou o samba "Fala Baixo", uma sacanagem com o então presidente Artur Bernardes. Não deu outra, teve que fugir por uns tempos para escapar da polícia. Aliás, mesmo sendo um talento excepcional, Sinhô tinha sérios problemas com a lei, pois além de ser um dedicado pai de família, também era um boêmio enveterado, pois muito do que ganhava acabava indo para suas noitadas, sendo que por muits vezes fugia de cobradores. Promovia muitas e muitas festas pelos inferninhos do Rio e, ainda por cima, na Noite Luso-Brasileira, no Teatro da República, em 1927, foi honrosamente agraciado com o título de Rei do Samba, que perdura até hoje. Sua vida desregrada, aliás, contribuiu em muito para que sua saúde se deteriorasse rapidamente. Em 1930, às vésperas de completar 42 anos, morre vítima de uma hemoptíase decorrente da tuberculose, no meio do caminho da barca que ligava a Ilha do Governador ao Rio de Janeiro.

Suas composições ajudaram a catapultar a carreira de monstros sagrados da mpb, como Carmem Miranda e Francisco Alves, e também tiveram nas vozes de Aracy Cortes e Mário Reis sua maior expressão. Afinal, "Jura" e "Gosto Que Me Enrosco" são apenas um pequeno exemplo de como sua obra continua incólume, mesmo após oito décadas de sua partida.

Por hoje é isso, caríssimos. Um bom carnaval a todos e até a próxima.

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Max Merege, além de roqueiro também vai se acabar na orgia neste carnaval

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 14/02/2010.

VIDEOS

surfando em Oz com THE ATLANTICS

2010-02-08T14:33:00.000-08:00

Todos já estamos cansados de saber que a Austrália é aquele imenso país, que, além de ter quase o mesmo tamanho do Brasil, também goza das mesmas condições climáticas que a nossa terra e, apesar de ser culturalmente ocidental, fisicamente ainda pertence ao oriente. Em termos musicais, também temos uma das mais fortes e produtivas cenas do mundo, extendendo-se do country-folk ancestral de Tex Morton e Slim Dusty até modernidades como Silverchair e The Jet, passando pelo rockabilly de Johnny O'Keefe, o mod dos Easybeats, Missing Links e Bee Gees, o hardrock de AC/DC e Rose Tattoo, o punk do The Saints e Roaring Jack, o romantismo de caras como John-Paul Young e Nick Cave e musas adoráveis como Olivia Newton-John, Nicolle Kidman e Kelly Minogue.
Paraíso dos Surfistas, não é à toa que a terra dos aussies tem uma praia chamada Surfer's Paradise. O problema é que dos anos 70 para cá, muita coisa tem se confundido nas informações que têm nos chegado sobre esse caldeirão cultural, e inúmeras publicações históricas do surf, passaram a apresentar como surf, qualquer tipo de som que fosse australiano. Exemplo disso são bandas como Australian Crawl, Men At Work, Midnight Oil, Gang Gajang etc serem tidas como surf-music só pelo fato de serem australianas. Bem, sem tirar-lhes o mérito, é válido lembrar que já rezava a velha máxima "cada macaco no seu galho", logo, o galho deles é pura e simplesmente a música pop e pronto! Eles são ótimos para o que se propõem a fazer e a coisa pára por aí!
Mas voltando a falar de surf-music, The Atlantics é o exemplo máximo do estilo na terra de Oz!
Começaram em Sidney, em 1961. Seu nome apareceu como uma homenagem a uma famosa marca de combustíveis, já que sempre fizeram rock de alta octanagem.
Bastante influenciados por Shadows, Ventures e nomes locais como The Joy Boys, Jimmy D. , The Telstars, The Midnighters etc, ganharam espaço pela originalidade, pois enquanto os demais se limitavam a copiar os já citados Ventures e Shadows, os Atlantics compunham suas próprias canções, uma vez que todos os integrantes já carregavam consigo toda uma bagagem cultural que lhes dava subsídios para a criação de peças absolutamente inovadoras, pois eram imigrantes que vieram muito pequenos para a Austrália, oriundos das mais diversas culturas do mundo. Isto lhes rendeu uma atenção muito especial por parte do pessoal da CBS australiana. Gravaram vários LPs e alguns muitos singles e EPs pela gravadora. Flertaram com a psicodelia e com o garage-punk. Em 1967 criaram o primeiro selo independente da Austrália, o Ramrod, e nos anos 70 fomentaram o aussie folk rock, sem nunca terem de fato se desviado de seu caminho.
Nos anos 70 e 80 mantiveram-se como sócios em vários negócios, mas só na década de 90 é que vieram a ressuscitar a banda, estando desde então na ativa até hoje!
Apesar de serem donos de inúmeros clássicos do surf-instro, seu maior hit ainda é "Bombora", e também, graças ao boom do gênero a partir de 1994, consquistaram um status muito maior e o respeito universal, há muito almejado.
Por hoje é isso, caríssimos. Semana que vem tem mais.

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Originalmente publicado no Caderno Folha 3, jornal Folha do Estado, 7 de fevereiro de 2010, Cuiabá-MT.

VIDEOS

ERA UMA VEZ NO CENTRO-OESTE

2010-01-31T05:17:00.000-08:00

Esses dias, ao msn, falando com uma querida amiga que está lá em Curitiba, contei que passei o dia me alucinando com um dvd do Ennio Morricone ("Morricone Por Morricone").

_Morricone?! Não conheço.

_É o famoso Maestro italiano que compôs inúmeras trilhas para o cinema.

Logo, mandei-lhe alguns videos do Maestro regendo as orquestras e passados quinze minutos de silêncio absoluto deste lado, ela teceu uma breve crítica:

_Sabe quando você come um chocolate bem bom??? Ou quando faz exercício físico, tipo uma corrida na beira do mar? Ou quando está tão apaixonado que tem vontade de gritar de amor? Morricone é isso e muito, muito mais!!!!

Isso aguçou meu pensamento e pus-me a pensar que, de fato, existem mesmo certos dias em que nos encontramos com um mesmo conteúdo guardado na cabeça e absorvido pelo coração, mas para o qual as palavras de nosso pobre e limitado léxico sempre serão insuficientes para descrever, pois diz respeito à grandeza de uma obra que atinge o fundo de nossa alma! Não interessa idade, cor, sexo, credo ou formação cultural de quem ouça, pois Morricone é a definição mais que perfeita para a música como linguagem universal.

Já vimos aqui por esta coluna muitas figurinhas interessantes que, na maioria das vezes, são desconhecidas de nosso grande e amado público; e outras, bastante conhecidas, mas que até então haviam tido pouco espaço em nossos estimados veículos. Uma dessas é o maestro italiano Ennio Morricone.

A propósito quem nunca assoviou "The Good, The Bad and the Ugly", tema de "Três Homens em Conflito"? Sim, esta é sem dúvida o maior clássico das trilhas de faroeste! Mas não foi apenas com trilhas de faroeste que Morricone se destacou, mas por sua incrível versatilidade de transitar por todos os terrenos sem jamais deixar de ser Morricone.

Nascido no dia 10 de novembro de 1928, filho de uma dona de casa e de um músico de jazz, Ennio Morricone ingressou na música ainda criança, pois aos seis anos já compunha suas primeiras melodias. Estudou no conservatório Santa Cecília, onde em tempo recorde concluiu um curso de quatro anos de duração em apenas dois. Testemunhou os tempos difíceis de uma Itália assolada pela Segunda Guerra Mundial. Na juventude, ganhou a vida como músico noturno, criou belas peças sobre textos de autores consagrados como Giacomo Leopardi, Ranieri Gnoli, Salvatore Quasimodo, Cesare Pavese etc. Entre 1953 e 1960, foi maestro da RAI, preparando trilhas para novelas, e em 1958, tornou-se arranjador da RCA, onde trabalhou com artístas como Rita Pavone e Mario Lanza. Em 1966, um grande sucesso pop, de sua autoria, foi a música "Se Telefonando", na voz de Mina Mazzini. Trabalhou também com muitos artistas de peso, como Francoise Hardy, Gianni Morandi, Paul Anka, Mireille Mathieu e tantos outros mais.

Como o seu trabalho com cinema já lhe rendera um bom nome desde o final do 50's, em meados da década seguinte iniciou uma forte parceria com o diretor Sergio Leone, um velho amigo seu dos tempos de escola ainda.

Influenciado pelo experimentalismo de John Cage e diante de limitações orçamentárias que inviabilizavam a manutenção de uma orquestra inteira, Morricone preparou as trilhas para a "Trilogia do Dollar" ("Por um Punhado de Dólares", "Por Uns Dólares A Mais" e "Três Homens Em conflito") com inúmeros outros recursos como barulhos de tiros, quebradeiras, chapas de aço e, é claro, guitarras elétricas.

Nascia uma nova era no cinema, formou-se assim o trinômio Sergio Leone, Clint Eastwood e Ennio Morricone, e o cinema de faroeste jamais seria o mesmo. Chega das histórinhas clichê, chega das mesmas fanfarrices nas trilhas-sonoras, adeus aos maniqueísmos e ao politicamente correto! Morricone ainda ganharia notoriedade por pelas trilhas de outra trilogia de Leone, formada por "Era Uma Vez No Oeste", "Quando Explode A Vingança" e "Era Uma Vez Na América".

Bastante requisitado, Morricone trabalhou ainda com diretores do porte de Pier Paolo Pasollini, Giuseppe Tornatore, Sergio Corbucci, Tonino Valerii, Mario Bava, Giuliano Montaldo, Dario Argento, John Carpenter, Brian De Palma etc.

Ganhador de prêmios importantíssimos como David di Donatello (Academia de Cinema Italiana), dois Globos de Ouro, um Grammy, um Leão de Ouro em Veneza e tantas outras honrarias mais, por várias vezes fora indicado ao Oscar, mas somente em 2007 recebeu a consagração máxima, sob a forma de um prêmio pelo Conjunto da Obra, entregue por Clint Eastwood, que antes apresentara um discurso de gratidão ao Maestro por este ser um dos responsáveis por seu sucesso como ator, e em seguida serviu de interprete para o discurso do Maestro em italiano.

Por duas vezes veio ao Brasil. Uma em 2007, regendo a Orquestra Petrobras, e outra em 2008, para uma única apresentação em São Paulo.

Enfim, sei que aqui eu levaria inúmeras páginas para comentar sua vasta discografia e filmografia; afinal, quando o assunto é Morricone, pode-se ter certeza de que isso ainda dá muito pano pra manga. Por outro lado, talvez seja mais prudente debruçarmo-nos na idéia maeterlinkiana d'o "indizível", e apenas sentirmos o que de fato é para ser sentido: sua música; bálsamo para o coração, depurativo para a alma.

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“We All Love Ennio Morricone” (2007)

Um belo cedê-tributo lançado logo após o Oscar de 2007. Músicas do Maestro interpretadas por diversos grandes nomes da música pop. Abre com Celine Dion, cantando "I Knew I Loved You" (*pessoalmente, nunca gostei dela, mas aqui ela mostrou um bom serviço!)e segue-se com releituras feitas por Quincy Jones & Herbie Hancock, Bruce Springsteen, Andrea Bocceli, Metallica, Yo-Yo Ma, Daniela Mercury & Emir Deodato (*vale aqui a mesma opinião de cima!), a portuguesa Dulce Pontes, Roger Waters e, é claro, o próprio Ennio Morricone.

“Per Un Pugno di Samba” (1970/2002)

Disco que Chico Buarque fez em seu breve exílio pela Itália. Inteiramente arranjado por Ennio Morricone e com letras reescritas por Sergio Bardotti, saíra apenas na Itália, no ano de sua gravação, 1970. Por questões burocráticas, envolvendo contratos de gravadora, o disco precisou amargar mais de trinta anos de espera para ser lançado no Brasil. O próprio Maestro o considera um disco muito à frene de seu tempo.

“Morricone por Morricone” (Morricone Conducts Morricone) (2005)

Dirigido por seu filho, Giovanni Morricone, trata-se de uma emocionante apresentação do Maestro em Munich, Alemanha, no dia 20 de outubro de 2004. Mesmo com um repertório aparentemente "previsível", formado por temas consagrados como "Os Intocáveis", "Cinema Paradiso", "A Missão" e aqueles que permeiam os filmes de Sergio Leone, não tem como conter as lágrimas com tão belo espetáculo, ainda mais nas canções apresentadas pela soprano Edda dell'Orso.

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publicado no caderno Folha 3, jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT - 31 de janeiro de 2010

VIDEOS DO MAESTRO MORRICONE

Apresentando: THE SONICS

2010-01-24T12:30:00.001-08:00

É muito comum ouvirmos de vários amigos conhecedores que quem começou a tocar o pau no rock foram ingleses como Led Zeppelin, Deep Purple e Black Sabbath. No entanto, vimos que as coisas não são bem assim, já que o rock pesado é apenas um menino bastardo, revoltado e violento, cujos pais, por sua vez, são ilustres "desconhecidos"! Mas a parte mais maravilhosa disso tudo é que de uns vinte anos pra cá as pesquisas passaram a se intensificar cada vez mais, não só entre pesquisadores, mas principalmente entre os fãs, que, sedentos por animosidades cada vez mais difíceis de se encontrar e buscando desmistificar inúmeras lendas, meteram as caras foram atrás das devidas informações. Obviamente, isso ocorreu antes do advento desta maravilha chamada internet, já que através dela ficou bem mais fácil de se adquirir as tão almejadas informações e que há alguns bons quinze anos atrás precisaríamos esperar meses até que chegasse aquele cedê importado, com um maravilhoso encarte recheado de informações.

Mas voltando à pauleira... não faz muito (coisa de duas semanas), apresentamos aqui um singelo e breve review sobre o MC5 e, claro, com todo respeito devido, foi-nos possível mostrar que existiam, sim, bandas muito mais animalescas do outro lado do Atlântico (e, por que não, no resto do mundo também) que as supracitadas e todas as demais de sucesso consagrado em nosso limitado universo pop.
Sem mais delongas, vamos ao que interessa...
Filhos de uma renomada professora de piano da cidade de Tacoma (uma espécie de Várzea Grande de Seattle), os irmãos Lary e Andy Paripa começaram seus experimentos musicais com amigos em 1960, tocando respectivamente guitarra e baixo, e fazendo bailinhos pelas escolas da área (aliás, este foi o começo de inúmeras grandes bandas da história do rock!), mas somente quatro anos mais tarde juntaram-se aos companheiros Gerry Rosille (piano e órgão), Rob Lynd (saxofone) e Bob Bennett (bateria) para começarem de fato a mudar a história. Surgia o The Sonics!
The Sonics foi/é uma banda que sempre teve o seu cantinho cativo na história do rock, não por ter sido um grande vendedor de discos ou por conta de experimentações de toda a sorte, mas por sua peculiariedade sonora, algo a perdurar fortemente pelo resto dos anos, em todo o mundo, e cujo reconhecimento formal só veio depois que muita gente famosa passou a citá-los como influência.
Influenciados principalmente por Little Richard e diversos tantos "malditos" como Link Wray, Hasil Adkins, Screamin' Jay Hawkins, Howllin' Wolf etc, eles incendiaram Seattle e fizeram da região o que é hoje em termos roqueiros. Sim, anos antes de Jimi Hendrix e da famigerada geração SubPop, Seattle sempre teve os maravilhosos Ventures e bandas incríveis como The Kingsmen, The Fab. Wailers, The Drastics, The Dynamics, The Regents e Paul Revere & The Raiders, mas foi mesmo com os Sonics que a coisa ganhou um sentido mais amplo e verdadeiro.
Ansiosos por passar seu recado, lançaram em 64 seu primeiro compacto com "The Witch" e "Keep A Knocking", esta última, uma regravação para o clássico de Little Richard. Localmente, seus discos se esgotaram nas vendas, já que as rádios de recusavam a tocar músicas "politicamente incorretas", cuja temática abordava assuntos "tabu", o que se estendeu para seus singles posteriores, já que as letras sempre giravam em torno de coisas como sexo e distúrbios mentais relatados em primeira pessoa ("Psycho", "The Hustler", "Boss Hoss", "Cinderella" e "Maintaining My Cool"), drogas ultra-pesadas ("Strychnine") e ocultismo ("The Witch" e "He's Waiting").
Pela Etiquette Records, gravaram uma série de pedradas sonoras, contidas nos discos: "Here Are the Sonics" (1965), "Merry Christmas" (1965) e "Boom" (1966). E em 1966 mudam-se para a Jerden Records, com a qual gravam "Introducing The Sonics", o disco mais light de sua carreira e que, segundo os próprios membros da banda, foi a pior burrada de suas vidas.
Todavia, mal se levantaram de um tombo e a mão do destino pôs-se a esquartejar a banda: Andy foi tocar com outras bandas da área, Larry foi virar professor de literatura (reza a lenda que até Kurt Cobain foi seu aluno no colegial) e Rob Lind foi virar piloto na guerra do Vietnã. Restaram Gerry Rosille e Bob Bennett, que conduziram a banda como um morto-vivo até 1972, ano em que os membros originais se reuniram para um show no Seattle Paramount, de onde gravaram o excelente disco "Live Fanz Only". Depois disso, cada qual foi levando sua vida... No começo dos 80, usando o nome The Sonics, Gerry Rosille gravou o disco "Sinderella", que mesmo contendo regravações de clássicos da banda, não surtiu o mesmo efeito e nem tampouco tinha o punch dos Sonics originais.
Em 2007, com uma formação mais próxima possível de seus áureos anos, reuniram-se para uma apresentação no Cavestomp, em Nova Iorque, um festival dedicado ao garage-punk, estilo inaugurado pelos próprios Sonics mais de quatro décadas antes. Dos membros, ficaram: Gerry Roslie (vocais/teclados), Larry Parypa (guitarra) e Rob Lind (sax); para o baixo e a bateria, Don Wilhelm e Ricky Lynn Johnson.
No ano seguinte, gravaram um disco ao vivo na BBC de Londres e fizeram sua primeira tour fora dos EUA. Contudo, sua maior glória foi ter tocado em Seattle, no Halloween, 36 anos após sua última apresentação, com Bob Bennet na bateria, para um público formado por velhos amigos e inúmeros fãs que sequer haviam nascido na época de seu boom.
The Sonics, por mais desconhecida que pareça é uma das bandas que mais influenciaram o rock nos últimos 50 anos, já que sua legião de fãs famosos se estende desde o conterrâneo Jimi Hendrix até White Stripes e Eagles Of Death Metal, passando por Dead Boys, The Cramps, Billy Childish, The Swiss Monsters, Fuzztones, Mudhoney, Nirvana, Pearl Jam e tantos outros doidos mais. Uma banda para para se ouvir à exaustão, no último volume!
Um grande abraço a todos e até a próxima.

Originalmente publicado
dia 24 de Janeiro de 2010
Caderno FOLHA 3
Jornal FOLHA DO ESTADO
Cuiabá - Mato Grosso

videos dos SONICS

GUERRERO SONORO

2010-01-23T10:31:00.000-08:00

Quem andou de skate entre os anos oitenta e noventa certamente se lembrará dele, afinal, mesmo não sendo um tupiniquim como nós, o cara era bem brasileiro na hora de fazer suas manobras radicais, recheadas de uma ginga malandra pouco comum à sua época. Descendo as ladeiras da californiana São Francisco ou dando rolês pelos subúrbios da cidade, Tommy Guerrero foi uma dessas figurinhas pra lá de carimbadas que animaram os famigerados vídeos da Bones Brigade (Future Primitive, The Search For Animal Chin, Public Domain, Ban This etc), dirigidos por Stacy Peralta.

Após uma bem sucedida carreira no time da Powell Peralta, Guerrero e seu parceiro de equipe, Jim Thiebaud, fundaram no início dos noventa sua própria marca, a Real Skateboards. O negócio deu tão certo que Tommy Guerrero pôde, finalmente, dedicar-se com mais afinco à sua outra grande paixão: a música.

Por um bom tempo, tocou sua guitarra na banda de hardcore Free Beer e em seguida integrou uma outra chamada The Jet Black Crayon, que tocava surf-instro experimental, e com a qual se reuniria para gravar na metade de 2000. Tudo bem, foi muito bom fazer um barulho com os amigos e assim se (re)descobrir como músico. Entretanto, o melhor ainda estava por vir...

Um Pingo de Alguma Coisa...

Foi com o single Backintheday (1995), que Tommy Guerrero descobriu que podia se sair tão bem em algo quanto no skate. Seu rock instrumental viajandão, influenciado por toda sorte de sons, tornava-se aos poucos uma febre, não apenas por entre esqueitistas e surfistas, mas por todo canto onde hovesse ávidos curtidores de boa música. Afinal, fundir com tamanha elegância música do terceiro mundo a rítimos tão amricanos como o blues e o jazz, não era tarefa para qualquer um.

Em três anos de árduo trabalho, Guerrero adotou um rítmo mais compassado em sua produção sonora, lançando discos quase que anualmente. Começou com Loose Grooves & Bastard Blues(1998) e sucedeu-se como A Little Bit Of Somethin' (1999), Hoy Yen Ass'n (2000), Junky Collector (2001), Soul Food Taqueria (2003), Year of the Monkey (2005), From The Soil To The Soul (2006), Return of the Bastard (2008, uma clara homenagem ao seu primeiro full cd) e Lord Newborn and The Magic Skulls (2009). Em 2002, mixou e compilou a coletânea Another Late Nights: Tommy Guerrero, parte da série Late Night Tales.

Ao vivo, no Festival Alma Surf - foto: Gideonis Jr.

Em julho do ano passado, Tommy Guerrero aportou em nosso amado país e tocou na sexta edição do Festival Alma Surf, em São Paulo e, como não podia ser diferente, além de hipnotizar a platéia, também conquistou uma nova legião de fãs.

Max Merege, colunista do Folha 3, é publicitário por profissão, filósofo amador, esqueitista aposentado e musicófilo compulsivo. Nunca perde a chance de uma boa discussão sobre música, filmes e idéias.

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Originalmente publicado

dia 17 de Janeiro de 2010
Caderno FOLHA 3
Jornal FOLHA DO ESTADO
Cuiabá - Mato Grosso

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VÍDEOS DE TOMMY GUERRERO

MC5

2010-01-23T10:30:00.001-08:00

Queridos leitores,

Sei que o quanto sentiram minha falta por essas últimas semanas. Pois bem, o "recesso" foi algo mais do que necessário, pois como todos já estamos cansados de saber, pesquisadores nunca entram em recesso de fato, já que a cada segundo poem suas cabeças para funcionar, seja atrás de novidades do presente ou desenterrando tesouros do passado.

Não faz muito, fui para Curitiba, passar o Natal com meus familiares que moram por lá, e nesse ensejo aproveitei para dar umas saídas, rever lugares e reencontrar antigos companheiros. Numa dessas, fui tomar uma cerveja no famoso Chinaski Bar e lá eu vi meu velho amigo Daniel Cana com uma camiseta do MC5. Não resisti e lhe fiz uma proposta: "hey, Cana, quer trocar essa camiseta por uma novinha da Santa Cruz Skate ?" Ele olhou, pensou... e disse: "valeu mesmo, Max, mas essa aqui é preciosa pra mim; afinal, ganhei numa aposta com o Paulo Bosta". Beleza! Nisso eu tive um estalo, já que fazia um bom tempo que o Henhippie me cobrava uma matéria sobre esses caras e eu sempre postergava. Bem que eu podia escrever sobre um grande ídolo meu, o Rei do Rock, Elvis Aaron Presley; afinal, comemoramos seus 75 anos, mas não! Até porque o que não falta é veículo falando d'Ele. Assim sendo, com vocês, hoje: MC5 !

Heróis da Pauleira

Primeiramente, MC5 não é banda de funk e nem tampouco um grupo de hip-hop com cinco MCs, mas uma turma que lançou as sementes do rock pauleira das décadas posteriores aos 60 até os dias de hoje, e cuja nome significa Motor City Five (trad: Os Cinco da Cidade Motor), já que aludia à vida na cidade de norte-americana de Detroit, terra da Ford, GM, Chrysler etc e de um GP de Formula 1. Ou seja, MC5 é certeza de rock de altíssima octanagem, já que todos os seus membros aprenderam antes mesmo de tocar a distiguir os carros pelo barulho do motor.

Começaram a tocar em 1964, pelo circuito de colégios e tudo quanto era biboca da região de Detroit e Ann Arbour, influenciados principalmente pelo rhythm'n'blues de Chicago e, é claro, pelo ronco dos motores. A banda começou com os amigos de infância e guitarristas Fred "Sonic" Smith & Wayne Kramer, que em seguida recrutariam Rob Tyner para os vocais, Pat Burrows para o baixo e Bob Gaspar para a bateria. Tornaram-se os Reis da área e literalmente bagunçaram o coreto na região!

Tanto sua sonoridade quanto sua postura política e o teor de suas letras refletiam algo extremamente revolucionário, e isso sempre mantinha a polícia no seu pé. Lançaram no comecinho de 68 o seu primeiro single: "Borderline" and "Looking at You." Ainda na mesma época, Danny Fields, executivo da Elektra Records, deu o ar da graça por Detroit e acabou contratando o MC5 e seus conterrâneos, os Stooges. Danny Fields entrou para a história e arrumou uma bomba nuclear para a vida, já que tanto MC5 quanto os Stooges faziam os Doors (outro nome de peso da gravadora então) parecem mocinhos de família. No Halloween do mesmo ano gravaram ao vivo no Detroit's Grand Ballroom todo o material que figuraria no antológico disco "Kick Out The Jams". "Kick Ou The Jams", aliás, deu o que falar na época, já que na música, originalmente, Rob Tyner gritava "Kick Out The Jams! Motherfuckers!!!!!!" ("Vamos quebrar essa po**a, seus FDPs!!!!!"). Ao mesmo tempo em que lojas se recusavam a vender o disco, a gravadora instruia os rapazes a trocarem o "motherfuckers" por "brothers and sisters".

Partidários de esquerda, muito anos antes do Rage Against The Machine sonhar em se engajar politicamente, eles já integravam a turma dos White Panters, um grupo parceiro dos Black Panthers e que também brigava contra as desigualdades sociais e a guerra do Vietnã. Até o final da banda, gavariam ainda outros dois elepês: "Back In The USA" e "High Time".

Entretanto, mesmo tendo o grupo "pendurado as chuteiras" em 1972, seu legado continuou avassalador, pois tornaram-se influência sagrada tanto para o punk quanto para o metal e todo o rock alternativo em geral. Iggy Pop & The Stooges, Motorhead, Kiss, Ramones, Damned, Radio Birdman, The Germs, Greg Sage & The Wipers, Sonic Youth, Mudhoney etc etc etc.

Nesse meio tempo, cada um seguiu sua vida... Fred Smith, junto com Scott Asheton (Stooges), formou a Sonic's Rendevouz Band, e anos mais tarde casou-se com Pat Smith, mas morreu de câncer em 1994; Wayne Kramer circulou entre o céu e o inferno na terra, tendo até passado uns bons anos no xadrez por porte de drogas; recuperou-se e voltou para o rock nos anos 90, tendo lançado um bom material pelo selo Epitaph. Robin Tyner se tornou um grande produtor na região do Michigan, gravou um disco-solo em 1990, mas morreu no ano seguinte de ataque cardiáco.

De volta aos palcos...

Em 2003, os três sobreviventes - Wayne Kramer, Michael Davis e Dennis Thompson - fizeram uma bela reunião no clássico 100 Club de Londres. Das participações, ninguém menos que Nickie Anderson (The Hellacopters), Dave Vanian (The Damned), Lemmy Kilminster (Motorhead) e muitos mais. Sucesso este que se repetiu nos anos porteriores, contando inclusive com tours e uma vinda ao Brasil, com direito a aparição no programa do Jô Soares. Desde 2005 a banda tem seguido na estrada com o apoio vocal de Handsome Dick Manitoba, o lendário cantor do Dictators.

Originalmente publicado
dia 10 de Janeiro de 2010
Caderno FOLHA 3
Jornal FOLHA DO ESTADO
Cuiabá - Mato Grosso

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VÍDEOS DO MC5

Meu presente de NATAL

2010-01-23T09:42:00.000-08:00

Como estamos bem pertinho de certas datas que marcam o final de um ciclo solar chamado ano e, como é de praxe, nossos nervos ficarem à flôr da pele por esses dias, certos bálsamos nos aparecem como se fossem a síntese de algum tipo de intervenção divina. Aliás, este cedê não me veio como um presente PARA o Natal, mas veio-me DE Natal mesmo! É de uma artísta potiguar chamada Simona Talma.
Pois bem, certa vez conversando pelo msn com um amigo meu famoso, lá da Bahia, acerca de grandes vozes femininas no rock, falamos de divas do punk e da new wave como: Debbie Harry (Blondie), Christie Hynde (Pretenders), Fay Fife (Rezillos), Beki (Vice Squad), Patt Smith, Joan Jett, Nina Hagen et cetera; e sobre um bela coletânea organizada pelo cartunista Robert Crumb (o mesmo que fez a capa do Chip Thrills da Janis Joplin) só com cantoras das regiões tropicais do globo, entre os anos 20 e 40; e até da Pitty a gente falou... mas eis que lá lá pelas tantas surgiu o nome de Simona Talma... "cara, você precisa conhecer uma cantora que a gente viu outro dia!" ... assim que me mandou um endereço de myspace, ele me contou que ficou embasbacado com o show da cidadã. Fui até a página para conferir e ouvir. Simplesmente adorei!
Quatro dias se passaram e eis que recebo em casa um pacote do correio, vindo de Natal-RN. Era o cedê da Simona, intitulado "A mulher mais vagal que há" e ainda vinha com uma dedicatória:

"Max, espero que goste. Meio triste, meio romântico, um pouco cruel" !

E não é que o danado do meu amigo bahiano tinha dado meu endereço pra ela e eu nem sabia de nada?!
De fato, o cedê é uma delícia e faz jus à dedicatória, uma vez que alude à idéia de "sorrir por fora, chorando por dentro", já que toda a meloncolia das letras contrapõe-se aos arranjos primorosos no swing-foxtrote e à sua doce voz com sotaque potiguar.
Não digo aqui que a fossa e toda sorte de dor espiritual mereçam estar em um pedestal (até porque isso é coisa que ninguém merece), mas a obra em questão trata de coisas que só nossos corações - enquanto seres humanos - conseguem entender e que fogem dos domínios da razão. Sonoramente, é uma obra muito bem produzida, pois carrega em si muito do espírito New Orleans nos arranjos e uma voz que pode facilmente figurar ao lado de divas do porte de Jennifer Warnes e Maria de Medeiros.
Enfim, aos que desejam conhecê-la melhor, visitem sua página de myspace.

Por hoje é isso, meus caros. Um Feliz Natal, um grande abraço a todos e até a próxima.

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Cedês:

Carlos Careqa - À Espera de Tom (2008)

O nome é esse mesmo, escrito qom Q! Grande trabalho do artísta catarinense radicado no Paraná, mas que mora em São Paulo. Este disco todo é formado só com versões e traduções livres para canções de Tom Waits, conforme o próprio trocadilho do nome insinua. Destaque para "Guaraná Jesus", uma versão bem humorada para "Chocolate Jesus". Aos que não conhecem Carlos Careqa, uma ótima pedida. Aos que não conhecem Tom Waits, uma ótima pedida.

Maria de Medeiros - A Little More Blue (2007)

Na década de 90 e no começo do 2000, Maria de Medeiros tornou-se a portuguesa mais famosa do mundo, principalmente por suas brilhantes atuações em filmes cult de então: Henry & June, Pulp Fiction, Capitães de Abril, O Xangô de Baker Street etc. Entretanto, pouco se conhecia sobre sua faceta de cantora. Neste disco, acompaanhada por um time de grandes jazzísstas, aa musa lusitana interpreta vários clássicos da mpb como: Caetano Veloso, Chico Buarque, Dolores Duran, Gilberto Gil e Ivan Lins.

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Originalmente publicado
dia 20 de Dezembro de 2009
Caderno FOLHA 3
Jornal FOLHA DO ESTADO
Cuiabá - Mato Grosso

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TOM WAITS for me and you...

2009-12-08T14:06:00.000-08:00

A coluna de hoje bem que poderia falar sobre o mítico dia 8 de dezembro, no qual nasceram David Caradine (1933), Jim Morrison (1943), Kim Bassinger (1953) e Marty Friedman (1963),e morreram caras como John Lennon (1980) Tom Jobim (1994) e Dimebag Darrell (2004); entretanto, é sobre uma figura pra lá de carimbada, que neste dia 7 completa exatos 60 anos e que há muito queríamos que caísse pelos cantos desta coluna: Tom Waits.

Com sua voz rouca e grossa, enxarcada de álcool e cigarros, Waits nos transporta para um mundo povoado por antiheróis que, de um jeito ou de outro, fazem de seus dias histórias memoráveis.

Thomas Alan Waits, ou simplesmene Tom Waits, nasceu na cidade de Pomona, na California, no dia 7 de dezembro de 1949. Filho de uma mãe noroeguesa e de um pai irlandes, desde cedo aprendeu a apreciar a boa música, pois além das influências folk de berço, seu aprendizado foi marcado pelas viagens que fazia com o pai para o México, onde aprendeu a apreciar as canções dos mariachis. Começou a tocar por conta própria, fuçando os instrumentos da vizinhança: violões, harmônicas e pianos.

Em meados da década de 60, resolveu que deveria formar uma banda. Contudo, nada do que se produzia então lhe agradava aos ouvidos. Somente em 1972, após inúmeras tentativas frustradas de gravar algo é que Waits finalmente assina com a Asylum Records e consegue fazer o seu primeiro disco: "Closing Time"; lançado só ano seguinte. A crítica não deu muita bola, mas o álbum chamou a atenção de gente como Tim Buckley, que regravou "Martha" em seu disco "Sefronia", e The Eagles, que apresentou uma interpretação muito particular de "Ol' '55".

Eis que o artista ganha uma projeção cada vez maior e marca a década de 70 com uma série pérolas como: "The Heart of Saturday Night" (1974), "Nighthawks at the Diner" (1975), "Small Change" (1976), "Foreign Affairs" (1977) e "Blue Valentine" (1978); obras nas quais destilaria toda sua veia de contador de histórias de amor, ódio, violência, paixão, nirvanas e perversões, e onde as influências de blues, jazz e vauldeville o fariam muito mais punk que os punks de então.

A década de 80 começa com o disco "Heartattack and Vine", que vem com a clássica "Jersey Girl", marcando sua saída da Asylum. Ainda em 1980, Waits começa uma grande parceria com Francis Ford Copolla, atuando e gravando a trilha sonora para o filme "Do Fundo do Coração", ao lado da cantora Crystal Gayle, e onde, além de uma trilha sonora cotada para o Grammy, conquista o coração de Kathleen Brenan, sua musa, produtora e companheira até hoje.

Sainddo da Asylum, Tom Waits assina com a Island, e a partir de então lança uma trilogia no melhor estilo Kurt Weil, formada por: "Swordfishtrombones" (1983), "Rain Dogs" (1985) e "Frank's wild Years" (1986). Essa série contou com importantes contribuições, de caras como Marc Ribot, Robert Quine e Keith Richards. Seu maior sucesso foi a música "Downtown Train", que inclusive foi regravada por Rod Stewart. Ainda em 1986, Waits participa do filme "Down By Low", de Jim Jarmush, e de quebra ainda toca piano e canta da música "Sleep Tonight", do album "Dirty Work" dos Rolling Stones.

Nos anos 90, participou de diversas trilhas para musicais. Com os discos "Bone Machine" (1992), "The Black Rider" (1993) e "Mule Variations" (1999) seu nome atingiu status há muito esperado. De um temos "I Don't Wanna Grow Up", de outro "It Ain't No Sin", honrada pela presença do escritor William Borroughs, e por fim a comovente "Hold On". Em 1994 contou com uma regravação de Johnny Cash para "Down Here By The Train" e, no ano seguinte, foi homenageado pelos Ramones com uma interpretação muito própria para "I Don't Want To Grow Up". Em 1992 e 1999 ganha o Grammy.

Nos anos 2000, sua aura cult ganhou novos contornos e Waits lançou várias maravilhas como "Alice" e "Blood Money" (lançados simultaneamente em 2002), "Real Gone" (2004), uma coletânea tripla de lados b "Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards" (2006), e mais recentemente, a coletânea dupla ao vivo "Glitter And Doom" (2009).

Ano passado, a atriz Scarlett Johanson gravou "Anywhere I Lay My Head", um cedê só com músicas de Waits, e para completar, o paranaense Carlos Careqa também fez "À Espera de Tom", só com releituras em portugues para a obra do mestre. Em São Paulo, a pianista Cida Moreira, em parceria com o ator André Frateschi, tem apresentado um belo show apenas com músicas de Tom Waits.

Muitos tentaram, mas poucos conseguiram relatar tão fidedignamente o universo dos derrotados - Leonard Cohen e Bob Dylan ainda são os principais nomes; contudo, Waits se destaca por tornar tudo clássico, coisas sujas e belas, limpas e horríveis, andando por meios onde sequer os mais malditos ousaram circular.
Aliás, quem foi que disse que o bom poeta é aquele que só fala das coisas boas e belas da vida? Pois bem, verdade das verdades é que Tom Waits não é um bom poeta, mas um poeta de verdade que canta todos os lados da vida humana, seja na tragédia, seja na comédia.

Conheça a discografia comentada por Cleiner Micceno, no blog STALKER SHOTS

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Originalmente publicado no caderno Folha 3, jornal Folha do Estado, Cuiaba-MT, dia 06/12/2009

VÍDEOS DE TOM WAITS

THE SPECIALS_DOIS_TONS_E_UM_SOM

2009-11-15T03:17:00.000-08:00

The Specials começaram em 1977, na cidade inglesa de Coventry. Combinando elementos do mod inglês e do ska jamaicano, revolucionaram o pop ao criarem um novo estilo, conhecido por 2 tone, tocado por jovens de origem humilde, a maioria de jamaicanos e britânicos de “segunda”.

Ficaram famosos mais por seus singles do que por álbuns propriamente, como "Ghost Town", "Too Much Too Young", “Rudy, A Message To You” e sua estréia com "Gangsters".

Logo depois de ser formado em 1977 por Jerry Dammers, Lynval Golding e Gentleman, a banda começou a tocar em pequenos shows sob o nome de The Coventry Automatics e depois como The Special AKA. Joe Strummer, lider do The Clash, após ir a um de seus shows, convidou-os para abrir para sua banda durante a turnê No Parole UK Tour, o que lhes rendeu um nível de exposição nacional importante, passando a serem agenciados pelos mesmos empresários do Clash.

Em 1979, Dammers decidiu fundar seu próprio selo: a 2-Tone Records; pela qual lançaram o compacto "Gangsters", uma versão para “Al Capone” de Prince Buster, entrando assim para a parada de sucessos. O grupo então adotou o estilo mod em seu visual, bem como outros elementos da moda sessentista britânica.

Seu LP de estréia, Specials, foi produzido por Elvis Costello e a música "Too Much Too Young" ficou em primeiro lugar nas paradas britânicas, apesar de ter sido banida pela BBC por seus versos que falavam de aborto.

Uma presença muito importante na banda foi a do trombonista jamaicano Rico Rodriguez, que fez o clássico riff de “Rudy, A Message To You”, a mais popular regravação para a pérola de Dandy Livingstone.

Seu segundo álbum, More Specials, não teve uma vendagem tão boa quanto os anteriores. A banda tinha praticamente abandonado o ska, apesar de ter sido a principal responsável por seu ressurgimento e popularide no Reino Unido, preferindo uma aproximação mais ambígua e experimental com a música. More Specials trazia vários estilos musicais diferentes, a maioria sem uma definição classificável, mas com traços aparentes de pop e new wave. A banda também experimentou com o que poderia ser chamado de uma versão mais obscura, quase psicodélica do reggae. Devido a sua fama prévia como a banda de ska mais importante de todos os tempos, seus fãs originais ficaram desapontados com a debandada do gênero. Apesar disso, um lado-B do álbum, "Ghost Town", ficou na primeira colocação das paradas.

Mesmo assim, a 2Tone estava com sérios problemas. Staple, Golding e Hall abandonavam o barco. Dammers, por sua vez, convidou Stan Campbell e começou a trabalhar sob o nome Special A.K.A. O resultado, In The Studio, de certa forma foi encarado como um fracasso, embora "Racist Friend" e "Free Nelson Mandela" tenham se tornado sucessos. Dammers então dissolveu o grupo e passou a trabalhar com ativismo.

A banda The (English) Beat, de Birmingham, colaborou em faixas como "Free Nelson Mandela" e mais tarde juntaria-se a integrantes do The Specials para formar no começo dos anos 90 o Special Beat.

Após o final dos Specials, particularmente nos anos 80, Terry Hall continuou uma bem-sucedida carreira com sua banda de new wave Fun Boy Three, ao lado de seus velhos companheiros Neville Staple e Lynval Golding, partindo em seguida para o projeto The Colourfield.

Mais recentemente, apareceram na série de vídeo-game Dance Dance Revolution e na trilha sonora dos filmes Snatch: Porcos e Diamantes e Todo Mundo Quase Morto.

Retorno

No primeiro semestre de 2009, a formação original, menos Jerry Dammers, se reuniu para uma séries de shows em comemoração ao trigésimo aniversário de lançamento de seu primeiro elepê, inclusive na lendária Brixton Academy.

Legado

E a influência dos Specials se espalha pelo mundo e no tempo...

Exemplo é que na própria Inglaterra, a famigerada Amy Winehouse é tão devota deles que inclusive os homenageou na capa do single “You're Wondering Now”, faixa “coverizada” a partir da versão dos Specials. , o que lhe rendeu participação mais que especial cantando junto com os veteranos. (e sóbria, pasmem!). Tamanho é o carisma da banda, que foram justamente homenageados pela grife britânica Fred Perry com uma linha especial de roupas esportivas que levam o seu nome.

Particularmente, no rock brasileiro, The Specials exerceram uma influência fortíssima sobre muitos dos expoentes da década de oitenta, como Ultraje A Rigor (que inclusive regravou "You're Wondering Now") Titãs ("Homem Primata"), Legião Urbana ("O Reggae") e, principalmente, os Paralamas do Sucesso, que literalmente “clonaram” seu estilo nos primeiros discos, mas isso já é assunto para um outro dia.

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VÍDEOS DOS SPECIALS

HUM ANO DE COLUNA DO MAX

2009-10-26T05:20:00.000-07:00

É verdade, meus caros!
Hoje a COLUNA DO MAX completa um ano e acreditem: é uma alegria imensa poder compartilhar isso com todos!
Começou timidamente sob o nome de "Enrolando O Rock", afim de homenagear o pontapé inicial no rock brasileiro, pois tratava-se não apenas de uma coluna mas também do pontapé inicial de uma nova era em nosso jornalismo cultural, capitaneada por nossa querida editora, a jornalista Lidiane Barros, que soube como ninguém apostar nos melhores nomes para fazer do Folha 3 o maior caderno de Cultura de Mato Grosso.
A primeira "matéria" publicada foi uma modesta notinha sobre a participação do nosso Branco Ou Tinto em um importante prêmio (à época a banda acabou não levando o caneco, mas há poucas semanas atrás faturou um prêmio bem mais emblemático e significativo). Com menos de um mês em atividade, tivemos um "boom" evolutivo e a então humilde coluna tornou-se um espaço para se falar da história do rock e daqueles que deram seu sangue para transformar o mundo através da música jovem.

nosso Branco Ou Tinto

Muito se escreveu aqui sobre a vida e a obra desse menino cinquentão chamado rock'n'roll e muito também foi possível "desenterrarmos" preciosidades que, mesmo a grande mídia tendo afastado de nosso convívio ao longo de anos, a internet nos presenteou por meio de maravilhas como blogs, programas P2P e de comunidades virtuais onde muitos desses mistérios acabam sendo desvendados.

Bem sabemos que nossa amada Cuiabá, apesar de suas incontáveis virtudes e do povo mais querido do mundo, ainda nutre uma forte resistência a tudo que carregue o nome "rock". Contudo todo esforço sempre valerá a pena, já que o rock em nossa cidade tem se encorpado a cada dia, ainda mais quando modismos são suprimidos em prol da criação de algo maior que vença as barreiras do tempo e espaço, não necessariamente com a qualidade de um "produto fonográfico", mas como uma força transformadora e um meio seguro de expressão.

Digam o que quiserem, mas verdade das verdades é que o rock ainda é a melhor forma que existe para o jovem ingressar na música, seja como músico propriamente ou apenas um apreciador exigente, pois é na onda desse embalo que muitas outras iguarias sonoras acabam pegando carona: mpb, reggae, brega, samba, blues, jazz, forró, canções folclóricas, música sertaneja etc; afinal, se o jovem aprende a apreciar música através do rock, certamente aprenderá a apreciar outras tantas coisas mais, sem que para tanto precise se prender a tendências ditadas por gravadoras e propagadas por nossa paupérrima teleradiodifusão.
O que fazemos aqui ainda é um trabalho ínfimo se comparado à vastidão da internet e de toda informação que podemos adquirir. Entretanto, de nada adianta a informação infinita se não soubermos como usá-la e é justamente com esta finalidade que levamos nosso trabalho tão a sério, compatilhando com nosso leitor toda informação a que tivemos o privilégio ter o acesso.

Dengue Fever: khmer-rock made in USA;
citado pela primeira vez no Brasil
através da Coluna do Max.

Agora digam: qual veículo no Brasil, por exemplo, ousou falar sobre rock asiático com o mesmo fervor que outros grandes gastam para exaltar frivolidades do momento, sem contar com um níquel de "jabá"? Ou melhor, qual veículo compartilha prazerozamente com seus leitores maravilhas do underground como se fossem as bandas do bairro? Nenhum! Apenas a Folha do Estado! E para Mim (em primeira pessoa) é um orgulho gigantesco poder escrever para um jornal que mesmo "preso" à forma física de outros tantos, ainda assim sobressai-se na disposição nada ortodoxa de seus conteúdos cujos efeitos são percebidos em tempo integral na forma de agir e de pensar de seus leitores.

Um grande abraço a todos e até a próxima.
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Max Merege, é um orgulhoso colaborador do Caderno Folha 3 há exatos 12 meses.

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Originalmente publicado dia 25 de Outubro de 2009, no caderno Folha 3 do jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT

O Barco dos Piratas do Rock

2009-10-26T05:15:00.000-07:00

Houve um tempo, ainda no século XX, em que o termo "pirataria" se associava facilmente à idéia de trangressão do sistema vigente, cujo único lucro era a alegria de poder derrubá-lo. Surgia o "bootleg", mais conhecido como "disco pirata", feito a partir das sobras de estúdio ou de shows não-oficiais que as gravadoras faziam questão de manter fora do alcance do público, pois comprometeria imagem do artísta. Existia também a idéia da "rádio pirata" que, longe do que se tornou hoje em dia, funcionava como um instrumento libertário e tocava tudo o que as rádios oficiais não tocavam.
O filme "Os Piratas do Rock" (The Boat That Rocked) traz à tona justamente esse assunto, já que mesmo sendo uma história fictícia, apresenta-nos todo um contexto do que existia naqueles tempos, não apenas na Europa, mas em todo mundo. O rock em um de seus melhores momentos, o advento da pílula contraceptiva e o amor livre, o prenúncio de mudanças profundas no mundo...
Ambientado em 1966, sua história gira em torno duma rádio pirata instalada em um navio pesqueiro ancorado no Mar do Norte, Grã Bretanha. Enquanto a principal rádio inglesa, a BBC, dedicava apenas 45 minutos de sua programação diária para tocar rock e música pop, a Rádio Rock surgia como a melhor das alternativas, com 24 horas dedicadas à veiculação do som rebelde da juventude, sob o comando de 8 djs remanescentes da geração beat, numa clara homenagem às rádios que lubrificaram o rock na Europa: Caroline, Essex, CNBC e Sutch (Reino Unido), Veronika e Noordzee (Países Baixos).
Além de um excepcional elenco recheado de astros shakespeareanos - Bill Nighy, Kenneth Branagh, Philip Seymour Hoffman, Nick Frost, Rhys Ifans etc; o filme também conta com uma ótima fotografia e um enredo muito bem traçado. Entretanto, a obra traz como sua "cerejinha de bolo" uma trilha sonora escolhida a dedo, com os maiores nomes do rock da época: Rolling Stones, Yardbirds, The Who, Beach Boys, Easybeats, Ronettes, the Four Tops, Jimi Hendrix, Arthur Brown etc etc etc.
Curiosamente, mesmo tendo sido lançado em maio na Iglaterra e d'o lançamento no Brasil oscilar entre outubro de 2009 e fevereiro de 2010 (mistério corporativo que só a Universal saberia explicar), as cópias que se encontram à nossa disposição são piratas. Isso mesmo! Como o filme já saiu em dvd lá fora e os arquivos da internet já tem uma fonte segura que não as salas de cinema, este já se tornou uma figurinha fácil de se achar por aí.
Enfim, "Os Piratas do Rock" é um filme que vale ser assistido de qualquer jeito, ao menos até o lançamento de um dvd oficial, recheado de extras e tudo mais que venha para o deleite dos fãs.

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Originalmente publicado dia 18 de Outubro de 2009, no caderno Folha 3 do jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT

FUZZTONES

2009-10-26T04:36:00.000-07:00

Nada mais comum que torcer o nariz quando se fala em banda cover, afinal (quase) todas se acomodam à vidinha de tocar as mesmices do rádio ou roquinhos pra lá de manjados (e que em nosso cuiabazão, exemplos não faltam). Outra coisa também são os plagiadores do lugar comum, cujas referências figuram no top da moda, pois para tal basta ver a quantidade de bandinhas que vendem a imagem de "autoral", mas que não passam de cópia discarada e chinelenta de pretensos "cults" que rodam à exaustão em inúmeros veículos de projeção comercial.
The Fuzztones não é uma banda de Cuiabá, mas bem que poderia ser, pois funciona como uma perfeita lição de que para se apresentar boa música, não precisa apenas compor bem, mas ter o feeling para saber o que é bom e o que que não é para se tocar.
A banda surgiu no finzinho dos anos 70, quando o cantor e guitarrista Rudi Protrudi (que inclusive fora baixista dos Dead Boys) desfez sua banda de punk rock, o Tina Peel, para iniciar uma empreitada ousada: desenterrar pérolas obscuras do rock garageiro e apresentá-las a um público ávido por bons sons, numa época em que ninguém sonhava em baixar músicas.
Algo perfeitamente plausível, uma vez que mesmo o rock tendo sido revigorado pelo punk nos anos 70, os 80 começavam de modo bizarro já que com o surgimento da alegre new wave, muitos zumbis da cena progressiva reapareciam na carona (Yes, Alan Parsons etc) e o synthpop, por sua vez, saia do armário. Logo, nada mais justo que uma nova turma voltar a chacoalhar as estruturas viciadas. Aparece o garage revival que, junto com os Cramps e o britânico Billy Childish, teve (e ainda tem) em Rudi Protrudi e seus Fuzztones, o seu maior expoente!
O nome é uma homenagem ao Fuzztone, primeiro pedal de distorção para guitarra fabricado em escala industrial nos anos 60. Ao longo de três décadas, a banda teve inúmeras formações mas sempre se mantendo fiel ao seu ideário sonoro. Sua discografia conta com aproximadamente vinte elepês e incontáveis singles lançados a toda hora pela europa, sua base de fãs.
Aliás, como na época de seu nascmento o mar não estava para peixe nos EUA, a banda foi tentar a sorte pela Europa com uma tour de três meses, abrindo shows do Damned, e o saldo foi positivo, pois assim como o Iron Maiden conquistou a maior parte de seus fãs no Brasil, com os fuzztones aconteceu exatamente a mesma coisa, só que no continete europeu.
Apesar de ser completamente ignorada no mainstream, Fuzztones é figurinha vip no mundo roqueiro, pois além de terem feito um disco com Shal Tammy (que produziu The Who, Kinks e Easybeats entre outros), gravaram um epê ao vivo com a lenda do voodoo blues Screamin' Jay Hawkins, mandaram ver com a voz Ian Astburry (The Cult, The Doors) no clássico "Down On The Street" dos Stooges e também tocaram com Marky Ramone.
E você, ainda acha que conhece rock? Então vá ouvir Fuzztones e repensar seus conceitos!

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CEDÊS

RELESPÚBLICA - Efeito moral

Quinto cedê do powerpop-trio paranaense que, em vinte anos de história, mostra-se mais firme, maduro e afinado do que nunca. Além da conhecidíssima "Homem Bomba", faixa de trabalho videoclipada por Fábio Biondo, o disco todo vale muitas e boas ouvidas. Tem participações fortes que vão desde super músicos locais a Samuel Rosa (Skank), em "Tudo o Que Eu Preciso". Enfim, um grande disco de uma grande banda de rapazes capazes de tudo. http://www.relespublica.com/

MOTORAMA - Crisis

Sam (Guitarra e Voz), Nicolas (rabecão e Voz) e Lulo (bateria e Voz) botam pra quebrar com um som pulsante entre o psychobilly e o neorockabilly, nitimente marcado por composições forjadas à perfeição. "Crisis" é quase todo cantado em espanhol, a não ser pela excelente regravação de "Do Anything You Wanna Do" (Eddie & the Hotrods) cantada pelo alemão Campino, do Die toten Hosen. Quem foi que disse que a Argentina só serve para exportar chouriço, frente fria e gripe suína?! http://myspace.com/motoramarock

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Originalmente publicado dia 20 de Setembro de 2009, no caderno Folha 3 do jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT

VÍDEOS DOS FUZZTONES

EASYBEATS

2009-10-14T15:31:00.001-07:00

A Australia sempre foi um campo muito fértil em termos de rock'n'roll e de boa música em geral. Poderiamos gastar linhas e mais linhas contando o legado sonoro dessa distante terra, já que muitos nomes são tão corriqueiros em nosso dia a dia: AC/DC, Bee Gees, Olivia Newton-John, Kylee Minogue, INXS, Hooddoo Gurus, John Paul Young, Man At Work, Midnight Oil, Nick Cave, The Saints, Jet, Silverchair, The Living End etc etc etc; logo, nada mais adequado que comentarmos aqui sobre um dos nomes mais importantes dessa cena e, por que não, de toda a história do rock também.

UMA BANDA DO MUNDO

The Easybeats nasceu em 1964, quando uma turma de meninos se juntou para tocar clássicos do rock e do rhythm'n'blues que vinham do outro lado do mundo (EUA). Até aí, nada de anormal... a não ser pelo fato d'essa turma já ser em si o reflexo de uma pungente produção cultural australiana que florescia a partir dos imigrantes estrangeiros, uma vez que, de todos os integrantes d banda, mesmo sendo cidadãos australianos, nenhum deles era de fato nascido em solo Aussie. A saber: Stevie Wright (vocais) é ingles, George Young (guitarra) e Snowy (bateria) são escocêses, Harry Vanda (guitarra) e Dick Diamonde (baixo) são holandeses. Estranho? Imagina só! O que acontecia por lá não era muito diferente do que sempre aconteceu em um determinado cantinho do nosso centroeste, pois tomemos como o exemplo o rock de Brasilia, já que a maior parte das bandas que fizeram a cena acontecer eram, em sua maioria, formadas por garotos vindos do Rio de Janeiro, de São Paulo, Minas Gerais e muitos outros lugares do Brasil.

FRIDAY ON MY MIND

Como cada canto do mundo tinha sua banda Beatles, naqueles longínquos meados da década de 60, com a Australia não podia ser diferente e justamente aos Easybeats cabia essa missão.

Em 1965 já eram a banda mais popular de toda a ilha e no ano seguinte, de uma viagem à inglaterra, gravaram o disco "Friday On My Mind" nos estúdios Abbey Road com Shel Tammy, o mesmo sujeito que produziu os maiores sucessos do The Who e dos Kinks. Ainda longe de casa, aproveitaram para excurcionar pela Europa e América do Norte com os Rolling Stones.

Dentre clássicos como "Sorry", "She's So Fine", "Good Times", "Heaven And Hell" e outros tantos mais, "Friday On My Mind" foi certamente o maior sucesso dessa super banda. Inúmeros outros grandes artistas a regravaram e exemplos não faltam: The Tages, David Bowie, Peter Framptom, Gary Moore, Earth Quake, Vanessa Amorosi & Lee Kernaghan, Os Sunshines (na jovem guarda, como Por Você Tudo Faria) etc etc etc.

ENTRE PICOS E VALES

Contudo, em 1968, a banda enfrenta sérias crises, já que o vocalista Stevie Wright torna-se um junkie enveterado e a dupla de compositores Young & Vanda demonstra claros sinais de esgotamento, pois além da banda, eles também eram produtores bastante requisitados.

Mas foi tudo uma questão de tempo até as coisas tomarem outros rumos... a banda já não tinha mais condições de sobreviver, Stevie Wright tentava uma carreira solo, surigam novos artistas pela austrália, e nessa onda, os irmãos mais novos de George - Angus e Malcolm - começavam com o AC/DC. Aliás, foi George Young e Harry Vanda que puseram para trabalhar e mandarem ver com uma banda que recém surgia (até hoje a dupla Young & Vanda produz o AC/DC!) e pasmem, compuseram até o clássico das discotecas "Love Is In The Air".

Por enquanto é isso, caros amigos. Semana que vem tem mais!

Discografia básica

"Easy" (1965), "It's 2 Easy" (1966); "Volume 3" (1966); "Friday On My Mind" (1967); "Vigil" (1968); "Friends" (1969); "The Shame Just Drained" (outubro de 1977)

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Originalmente publicado no jornal Folha do Estado, dia 13 de Setembro de 2009, no caderno Folha 3

PLUNCT! PLACT! ZUM!

2009-10-12T08:19:00.000-07:00

Não vai a lugar nenhum...

Como 12 de Outubro é Dia da Padroeira do Brasil e sobretudo Dia das Crianças, nada mais justo que escrever sobre algo que marcou não apenas a infância deste que vos escreve, mas toda uma geração, já que naqueles tempos, pelo fato d'a tevê não dispor da infinidade de opções como hoje, a criação de programas especiais respeitava à risca todo um "código" de composição e realização que seguramente lhes conferia a pecha de "obras de arte", mesmo que menores, mas ainda sim mais influentes que o cinema propriamente (com excessão dos filmes dos Trapalhões que eram sempre diversão e tiradas memoráveis garantidas). Esta época, aliás, foi um período excelente em termos de especiais infantis, já que tinhamos "A Arca de Noé" (1 e 2), com releituras da obra de Vinícius de Moraes para crianças, e "Pirlimpimpim", uma super homenagem da mpb ao legado de Monteiro Lobato no imaginário infanto-juvenil.
Nos idos de 1983 e 1984 ia ao ar pela Rede Globo um especial dividido em duas partes chamado PLUNCT! PLACT! ZUM!
Este contou com uma equipe de feras da televisão, encabeçada por Augusto Cesar Vanucci, e teve duas partes distintas: a primeira, que tratava das descobertas da infância e advertia as crianças para o universo de obstáculos que se faria cada vez mais presente no decorrer de suas vidas, e uma segunda parte, sobre a vida de um grupo de filhos de pais separados, que descobrem ter muito mais em comum do que simplesmente morarem em um mesmo condomínio.
Sua trilha sonora, além de ter sido feita sob medida para o especial, sob a direção do maestro Guto Graça Mello, teve a participação de um time de artísta do mais alto gabarito, como Raul Seixas, Erasmo Carlos, Leo Jaime, Eduardo Duzek, Zé Rodrix, Gang 90 & Absurdettes, Sérgio Sá, Blitz, Barão Vermelho, Fafá de Belém, Maria Betânia, Jô Soares, Marília Pera, Marco Nanini, Vanusa, Regina Casé, Luiz Fernando Guimarães, José Vasconcelos e tantos outros mais. Pecando apenas pelo excesso de sintetizadores, o que mesmo após vinte e tantos anos, não tira seu brilho.
É certo que apesar de hoje ser completamente desonhecido daqueles que nasceram depois de 1985, PLUNCT! PLACT! ZUM! foi um marco na infância daqueles que testemunharam o fim de uma era ditatorial em que a censura dava seus últimos suspiros na apresentação do "Caso Verdade" e em que a liberdade de expressão aparecia de modo responsável, mesmo porque ainda não existia a absurda barreira estéticamente hipócrita do politicamente correto que assola nossos dias.
Certeza das certezas é que se muitos de nós tivessem encarado com maior atenção as mensagens contidas nas letras, muitos tropeços teríamos deixados de dar.
E para hoje, segue um manifesto de advertência à burocracia universal, profetizado por Raul Seixas, em 1983:

Carimbador Maluco

5... 4... 3... 2...
- Parem! Esperem aí.
Onde é que vocês pensam que vão?

Plunct Plact Zum
Não vai a lugar nenhum!!
Plunct Plact Zum
Não vai a lugar nenhum!!
Tem que ser selado, registrado, carimbado
Avaliado, rotulado se quiser voar!
Se quiser voar....

Pra Lua: a taxa é alta,
Pro Sol: identidade
Mas já pro seu foguete viajar pelo universo
É preciso meu carimbo dando o sim, sim, sim, sim.

O seu Plunct Plact Zum
Não vai a lugar nenhum!
Plunct Plact Zum
Não vai a lugar nenhum!

( ... )

Mas ora, vejam só, já estou gostando de vocês
Aventura como essa eu nunca experimentei!
O que eu queria mesmo era ir com vocês
Mas já que eu não posso:
Boa viagem, até outra vez.

Agora...
O Plunct Plact Zum
Pode partir sem problema algum
Plunct Plact Zum
Pode partir sem problema algum

Boa viagem, meninos. Boa viagem.

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Originalmente publicado no jornal Folha do Estado, dia 11 de Outubro de 2009, no caderno Folha 3

VÍDEOS DO PLUNCT, PLACT, ZUM

Pelo AMOR de ARTHUR LEE

2009-10-05T16:51:00.000-07:00

Muito se fala em Woodstock, principalmente agora quando o evento completa 40 anos. Flower Power, amor livre, viva a sociedade alternativa etc e coisa e tal...
Entretanto, uma figura que não poderia ficar de fora de todo esse balaio é o grandioso Arthur Lee. Conhece?!
Pois bem, ele foi o lider de uma banda muito importante na segunda metade dos anos 60 chamada LOVE, mas antes disso ele foi o primeiro cara a apostar de fato em um jovem guitarrista chamado Jimi Hendrix, isso porque antes de tocar com Lee, Hendrix ganhava a vida apenas tocando como um músico de apoio de Little Richard e de vários figurões de soul.
Mas voltando a Arthur Lee, este gravou muita coisa à frente de sua banda LOVE, mas o destaque maior vai por conta dos três primeiros discos: "Love" (1965), "Da Capo" (1966) e "Forever Changes" (1967); este último, o mais importante de todos!
Tanto "Love" quanto "Da Capo" contêm clássicões como "7 and 7 Is", "Orange Skies", "Hey Joe" entre outros, mas foi em "Forever Changes" que o LOVE atingiu seu ápice em termos de perfeição sonora. Apenas para se situar, o que houve na cena roqueria entre EUA e Inglaterra, de 1966 a 1968, foi uma verdadeira rivalidade sadia, pois sempre que um lado criava um disco perfeito, o outro lado aparecia com uma resposta à altura. A saber: "Rubber Soul" dos Beatles (1965) motivou a gravação de "Pet sounds" dos Beach Boys (1966) que por sua vez serviu de inspiaração para "Sgt. Peppers..." dos Beatles, o que também foi inspiração para os clássicos "Odysey and Oracles" dos Zombies e o supracitado "Forever Changes" do LOVE.

Uma curiosidade sobre "Forever Changes" é que apesar de se tratar de um disco do LOVE, este foi inteiramente gravado por Arthur Lee com a base instrumental tocada pelo Wrecking Crew (o mesmo pessoal que gravou Pet Sounds com Brain Wilson e os Beach Boys e que também gravava com Phil Spector, Henry Mancini e Lalo Schifrin). Fez um sucesso estrondoso na época em que saiu e até hoje é uma obra cultuada, mas como após o todo topo vem sempre uma ladeira, a banda por sua vez despencou feio...
Desavenças internas provocaram o fim da primeira grande encarnação do LOVE. Arthur Lee, dono do nome, reformulou o grupo como pode, gravou alguns discos razoáveis, mas sem o mesmo pique e a vitalidade dos três primeiros.
Já nos anos 80, após tantas idas e vindas, Lee resolveu trocar a vida louca da California por suas raízes no Tenensee, quando volta à sua terra natal para cuidar de seu pai que se encontrava enfermo por conta do câncer. Nesse meio tempo, muitas coletâneas foram lançadas, muitos artístas regravavam suas músicas e o nome LOVE ainda continuava na boca do povo.
Em 1996, Lee é preso sob a acusação de porte ilegal de arma de fogo. Na cadeia, recusava visitas de quem quer que aparecesse e para completar essa maré de azar, Bryan MacLean e Ken Forssi, seus dois companheiros da formação clássica do LOVE, morreram na mesma época em que ele andou enjaulado.
Um sopro de alívio foi a inclusão de duas canções do LOVE - "My Little Red Book" e "Always See Your Face" - no filme "Alta Fidelidade" de John Cusak, uma vez que "7 and 7 Is" já havia figurado em "Caçadores de Emoção" e no vídeo de skate da Plan B, além de ter sido regravada pelos Ramones e um montão de gente.
Em 2001, deixa a cadeia e decide que é hora de sacudir a poeira e voltar com força total. Surge uma nova encarnação do LOVE que resulta em um dvd lançado em 2003, comemorativo aos 35 anos de "Forever Changes".
O sucesso do material rendeu, além de ótimas críticas a Lee, uma série de tournées pela América do Norte, Europa e Austrália, mas tais tours também ocasionaram um desgaste monstruoso ao velho ídolo. Em abril 2006 fora diagnosticado com leucemia, mas todos os tratamentos foram em vão já que no dia 23 de junho, Lee passou desta para uma outra dimensão, aos 60 anos de idade.
Em pouco tempo, pela internet a fora começaram a pipocar sites e mais sites de fãs ansiosos por promover seu legado. Hoje, graças em grande parte à web, a obra de Arthur Lee continua mais viva do que nunca.

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Originalmente publicado no jornal Folha do Estado, dia 04 de Outubro de 2009, no caderno Folha 3

VÍDEOS DE ARTHUR LEE & LOVE

Valêncio Xavier & a grippe

2009-09-30T16:45:00.000-07:00

Enfrentamos agora uma pandemia calcada no medo, que assola o mundo inteiro e que tem suas dimensões incrivelmente distorcidas por conta de um sistema que de um jeito ou de outro precisa funcionar, mesmo que em cima da desgraça alheia.

Em 1980, um escritor paulista radicado em Curitiba radicalizou quando, simultaneamente, soube recontar uma situação ocorrida havia mais de seis décadas e também ao prever com precisão milimétrica algo que haveria de acontecer quase 30 anos mais tarde à publicação de seu livro.

"O mez da grippe" é um compêndio de fatos e imagens relacionados aos meses de outubro e novembro de de 1918, época da Primeira Guerra Mundial e da disceminação da gripe espanhola.

O livro em si consiste em um mosaico de colagens - artigos, receitas de bolo, obtuários, cartões postais, notas, anúncios, comunicados oficiais etc - feitas a partir de jornais curitibanos, da época, mais uma gama depoimentos e citações e até poemas e poemetos.

Tal qual a realidade virtual, a obra é capaz de transportar o leitor para 1918, já que mesmo o livro sendo concebido para que sua leitura trancorra tal qual a de um jornal, o leitor pode escolher a ordem em que quer desfrutar da obra, sem que isso interfira no andamento da leitura ou apague a empolgação de se explorar um período que é, ao mesmo tempo, tão longe e tão perto.

Fofocar sobre a sociedade, contar fatos sobre a Guerra na Europa, esculhambar alemães e relatar as mortes, consistem apenas em uma das constantes da época, e que a imprensa, no cumprimento de seu nobre dever, não deixava de então relatar, transparecendo no edcorrer de todo o livro.

Entretanto, o mais contundente de tudo é que o livro em si, apesar de já ter uns trinta anos e de contar coisas de noventa anos atrás, consegue ser absurdamente atual, pois tudo o que ali lê-se sobre o estado de alerta de uma população, faz-se absolutamente fidedigno ao que vivemos hoje. Pouquíssimos livros conseguem se manter tão atuais como este!

Valêncio Xavier Niculitcheff nasceu em São Paulo, em 1933, mas radicou-se de fato em Curitiba. Sua maior característica é destrinchar os signos e fazer o que bem entender com eles, principalmente ao casar imagem e texto. Escreveu para inúmeras publicações e tornou-se também figurinha pra lá de carimbada nos cadernos de cultura dos maiores jornais do Brasil. Cineasta de renome, foi um dos pais da Cinemateca de Curitiba. Constantemente citado por Décio Pignatari, VX é tema recorrente em teses acadêmicas (principalmente de semiótica). Foi colaborador da Folha de São Paulo, da Gazeta do Povo (PR), da Revista da USP e muitos outros tantos veículos. Muito do que saiu em livros, é fruto de tais colaborações. Morreu em dezembro de 2008, na companhia de amigos e familiares.

VX entre os cineatas Pedro Merege e Beto Carminatti

Livros indispensáveis...

O mez da grippe & Outros Livros (Companhia das Letras, 1998)
Reunião da supracitada obra com mais quatro livros em um único volume: Maciste no inferno, O minotauro, O mistério da prostituta japonesa & Mimi-Nashi-Oishi e 13 mistérios + O mistério da porta aberta. A partir deste livro nasceram os filmes "O mistério da japonesa" (2005) e "Mysterio" (2008), pelas mãos dos cineastas Pedro Merege e Beto Carminatti, e a peça teatral "o mez da grippe", pela Pausa Companhia.

Minha mãe morrendo e o menino mentido (Companhia das Letras, 2001)
Reunião de duas obras em um único tomo, mantendo VX em sua posição de "arauto da surpresa", como diria o escritor José Castello.

Remembranças Da Menina De Rua Morta Nua (Companhia das Letras, 2005)
E eis que o Frankenstein de Curitiba ataca novamente! Não obstante, temas como a morte e o humor bizarro fazem-se presentes também nesta coletânea, a começar por uma curiosa "homenagem" ao finado telejornal "Aqui-Agora".

Crimes à moda antiga (Publifolha, 2003)
Contos que relatam crimes bizarros clássicos que ocorreram durante as três primeiras décadas do século XX, originalmente publicados na revista curitibana "Atenção", no final dos anos setenta.

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Originalmente publicado no jornal Folha do Estado, dia 06 de Setembro de 2009, no caderno Folha 3

Conheça o BLONDIE e esqueça as louras das piadinhas

2009-09-30T03:39:00.000-07:00

Há quem julgue a banda de punk, new wave ou até mesmo de powerpop. Mas verdade das verdades é que Blondie é uma das poucas bandas na história do rock que se pode chamar de "uma banda acima do bem e do mal", facilmente posta numa cabeceira ao lado de Ramones, Motorhead e Cramps, pois só os seus nomes sobrepoem-se tranquilamente a quaisquer rótulos existentes ou que algum crítico engraçadinho venha a inventar.
Aliás, você já parou para contar quantas louras surgiram no pop ocidental, da segunda metade dos anos 70 para cá? Muitas, não é mesmo?! Cindy Lauper, Madonna, Paula Toller, Gwen Stefany, Shirley Manson, Fergie e, pasmem, até mesmo a nossa xuxa tiveram a influência fortíssima de Debbie Harry!
Tudo começou mesmo na primeira metade dos anos 70, quando a senhorita Deborah Harry, uma lindíssima ex-garçonete, ex-secretária da BBC-NY e ex-coelhinha da playboy, juntou-se a uma trupe de artistas multimídia chamada "The Stilettoes", afim de fazer performances teatrais associadas a rock vanguardista transgressor (ufa!). Enfim, a proposta da trupe era até bem interessante, mas de certa forma inviável. Deu que em pouco tempo o grupo se desfêz e cada foi cuidar de sua vida. Dos ex-integrantes, três decidiram que estava mais do que na hora de formar uma banda. A princípio chamaram a junção de "Angel & The Snake", mas logo em seguida, já com Debbie à frente nos vocais, "Blondie and the Banzi Babes", que acabou ficando só como Blondie mesmo.
Capitaneada por Debbie Harry e por seu então namorado, o guitarrista Chris Stein, a banda contava ainda com Clem Burke (bateria), Jimmy Destri (teclados) e Gary Valentine (baixo) em sua primeira formação, com a qual gravou dois discos: Blondie (1976) e Plastic Letters (1977).
Mas antes de terminarem a gravação de "Plastic Letters", Valantine resolve sair da banda. Abre-se então uma vaga para a entrada de Frank Infante e Nigel Harrison, que se revezariam entre baixo e guitarra.
A banda toca por tudo quanto é lugar no EUA, principalmente no "Max's Kansas City" e no "CBGB's", dividindo por incontáveis vezes o palco com os Ramones, os Talking Heads e os New York Dolls também.
Enquanto Debbie Harry se fortalecia cada vez mais como um símbolo sexual, a banda emplacava algum hit entre os 10 mais, fosse nos EUA ou na Europa. Gravaram mais quatro discos entre 1978 e 1982: "Parallel Lines" (1978), "Eat To Beat" (1979), "Autoamerican" (1980) e "Hunger" (1982).
Mesmo tendo feito excelentes canções, talvez a maior lembrança do Blondie ainda sejam aquelas que fizeram história na disco music como "Heart Of Glass" (que no Brasil foi até trilha de novela Global: "Pai Herói" de 1979) e "Atomic" (uma pá-de-cal nessa brincadeira). "Call Me" também foi outro grande momento da banda, já que além de ter sido um sucesso avassalador na época em que saiu (comecinho dos anos 80), também marcou uma grande parceria com o produtor italiano Giorgio Moroder e foi trilha sonora do filme "Gigolô Americano", que lançou richard Gere.
Não obstante, além do sucesso que o Blondie alcançou em seus primeiros sete anos de atividade, a banda acabou se dissolvendo em 1983, quando Chris Stein foi diagnosticado com uma grave (e também misteriosa) enfermidade que o afastou do showbiz. Quanto aos demais, Debbie Harry fez carreira-solo e se lançou como atriz também, e os outros foram fazer suas vidas como músicos, produtores e executivos de gravadoras, também.
Em 1997, a banda ensaiava uma volta às atividades, mas os planos acabaram sendo em bargados por uma ação na justiça movida por Frank Infante e Nigel Harrison. Mas a lei pesou a favor do Blondie e finalmente a banda volltou em 1999 com o disco "No Exit", que além de ter a clássica "Maria" e de ter conquistado ótimas vendagens, também ajudou a criar um novo recorde: Debbie Harry foi a primeira mulher com mais de cinquênta anos a entrar de cara no topo das paradas.
Em 2004, foi lançado o disco "The Curse of Blondie", que além de seguir a linha sonora de seu antecessor, também em seu encalço uma série de apresentações televisivas e o lançamento de muito material ao vivo produzido no período.
Das atividades mais recentes, além da estrada, Debbie Harry também andou gravando com Fatboyslim o single "New York New York" e também tem participado de uma cruzada artística cuja a finalidade é arrecadar fundos para o combate à AIDS.

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Originalmente publicado no jornal Folha do Estado, dia 30 de Agosto de 2009, no caderno Folha 3

DAMNED, DAMNED, DAMNED

2009-09-19T07:25:00.000-07:00

The Damned, eis um nome memorável em termos de pauleira bem feita, ainda mais se ouvido com toda atenção nos dias de hoje, já que hoje muito se exalta cabedal técnico, poses e tudo o mais que é supérfluo, em detrimento ao verdadeiro talento.
A banda marcou seu nome na história justamente por ter conseguido ser original, mesmo com um repertório entupido de covers (ou releituras, se é o caso) de clássicos do rock anteriores à sua existência.
Começaram mesmo em junho de '76 (coincidência à parte, mes e ano do nascimento deste que vos escreve!), com Brian James (guitarra), Captain Sensible (baixo), Rat Scabies (bateria) e Dave Vanian (vocais). Fizeram sua primeira apresentação no mes seguinte, abrindo um gig para os Sex Pistols no 100 Club, de Londres. Fora isso, é deles a primeira gravação do punk britânico: o single "New Rose".
Seus dois primeiros discos, "Damned, Damned, Damned" (fevereiro de 1977) e "Music for Pleasure" (novembro de 1977), ainda contavam com a assinatura do guitarrista Brian James em todas suas faixas. Tudo ia muito bem, até o dia em que as coisas escureceram na vida dos meninos... James saiu da banda e ainda segurou consigo o nome Damned, durante todo o ano de 1978. Mas como show que é show não pode parar, durante aquele ano Captain Sensible assumiu a guitarra, e para o baixo, uma participação mais que especial: Lemmy Kilminster (exatamente! O mesmo feioso do Motorhead!); só que desta vez sob o nome de The Doomed.
Em 79, tão logo conseguiram de volta o direito de usar o nome "Damned", lançaram o disco "Machine Gun Etiquette", que trazia consigo clássicos como "Smash It Up", "I Just Can Be Happy Today" e "Love Song".
A década de 80 começou com a banda flertando fortemente com a new wave. O disco "The Black Album" (1980) e o epê "Friday 13th" (1981) são obras emblemáticas do período, já a partir daí inaugura-se um novo ciclo, uma fase que muitos chamam de "gótica" e outros, "death rock" mesmo.
Dave Vanian, que antes se caracterizava de Drácula, no melhor estilo Bela Lugosi, passava a adotar um visual mais próximo ao dos vampiros de Anne Rice. Desse tempo, podemos destacar a trilogia dark da banda: "Strawberries" (1982), "Phantasmagoria" (1985) e "Anything" (1986).
Entre '86 e '95 a banda não lançou mais nada de material inédito, apenas meiaduzia de bons discos ao vivo e coletâneas a rodo. Sua volta aos estúdios deu-se com o disco "Not of This Earth" (1995), sucedido seis anos mais tarde por "Grave Disorder".
Enfim, mesmo sem lançar material inédito com tanta frequência, o Damned se mantém firme e forte como uma das bandas mais cultuadas entre o punk e pós-punk, que muitos tentam imitar mas ninguém consegue causar tanto impacto. Já foram regravados por muita gente importante, a saber: Guns'N'Roses, Die Toten Hosen, Hellacopters, Offspring etc. Podem até tentar copiar as linhas de bateria de Rat Scabies ou as guitarras de Captain Sensible (e o visual também! Vide o "novo" Supla!), mas não há quem cante como Dave Vanian, um híbrido "goth-punk" de Frank Sinatra e Jim Morrison. É ouvir para crer!
Por hoje é isso. Um gande abraço a todos e até a próxima!

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Originalmente publicado no jornal Folha do Estado, dia 23 de Agosto de 2009, no caderno Folha 3

O histórico MISFITS

2009-08-24T12:56:00.000-07:00

A ERA ESTÁTICA

O que fazer quando se vive, ao mesmo tempo, tão longe e tão perto de uma das maiores cidades do mundo?! Pois bem, enquanto as coisas "pipocam na capital", o interior segue sua bela pacata e rotina, e os jovens, além de irem à escola, curtem filmes baratos - desses feitos para rodar nos cinemas interioranos - e formam bandas de rock!
É fato! Uma rapaziada do interior, influenciada pelo que é "demodê" nos grandes centros - rock das décadas passadas e muitos filmes B - acabam por se tornar a mais nova sensação nos inferninhos do underground da capital.
Uma dessas bandas (e talvez o maior exemplo disso) é o MiSFiTS, que nasceu em 1977, na minúscula cidade de Lodi, um pedacinho da Itália nos arredores de New York, EUA, com os colegas de escola Glenn Anzalone e Gerald Caiafa. Glenn adotou o nome artístico de Danzig e Gerald passou a se chamar Jerry Only. Gravaram um modesto compacto com duas faixa: "Cough Cool" e "She"; no qual Glenn cantava e tocava um piano elétrico e Jerry, o baixo.
A experiência deu tão certo que eles recrutaram mais dois amigos da vizinhança - Francesco Licata e Mr. Jim - para gravar o disco "Static Age", no começo de '78, disco este que só acabaria saindo 20 anos mais tarde, pois na época fora "esquartejado" em vários compactos. Nesse mesmo período somaram-se à banda o guitarrista Bobby Steele e o baterista Arthur Googy, com os quais se repete a mesma história no decorrer de dois anos: um album feito em vários compactos, também!
Neste caso, trata-se do disco "12 Hits From Hell". Seu lançamento estava previsto para 2000, mas desta vez a empreitada da gravadora fora embargada por Glenn Danzig e Jerry Only, pois tanto a mixagem quanto a parte gráfica não satifizeram a ambos. É bom lembrar que o disco todo apaerece em pedaços nos albuns: "Collection I", "Collection II", "Legacy Of Brutality" e "Walk Among Us".
Não obstante, Bobby Steele deixa a banda para formar o Undead, e Paul, o irmão mais novo de Jerry, assume a guitarra e passa a pegar a estrada com a banda. Em estúdio, ajuda a completar as gravações do que já havia sido feito e assim debutar no disco "Walk Among Us". Por ser alto, magro e carrancudo, Paul recebe o apelido de Doyle Von Frankenstein, ou simplesmente Doyle.
MiSFiTS não nasceu para ser uma banda punk, mas foi perfeitamente absorvido pela cena novaiorquina que então explodia para o mundo, por meio dos Ramones e do Blondie. Os MiSFiTS, sob clara influência de Stooges e The Doors, e tais quais os ingleses do Damned, foram os criadores do chamado "death rock", um estilo cuja principal característica é o humor negro nas letras e voz empostada no melhor estilo estilo Elvis. Enquanto o Damned aproximava-se mais do ultra-romantismo Vitoriano, os MiSFiTS imprimiam elegância ao "pastelão", por meio de críticas cáusticas e irônicas ao establishment e à crescente banalização da violência. Entre 77 e 83, todas as composições da banda são atribuídas a Glenn Danzig
Em termos visuais, a banda também inovou ao lançar o DEVILOK, um penteado cuja idéia era criar um "chifre" com o cabelo, que caia pela testa.
Em '82 lançaram três epês cuja linha sonora tendia mais para o hardcore e o speedmetal: "Earth A.D.", "Wolf's Blood" e "Die, Die, My Darling"; desta vez com o apoio do colombiano Roberto "Robo" Valverde, na bateria. Segundo muitos - e até mesmo os caras do Metallica - foi ali que começou o que viria a ser chamado de trashmetal. E falando nisso, é muito comum nos depararmos com o Metallica tocando músicas dos MiSFiTS, mas isso é só um detalhe perante a áura cult que se formou em torno da banda nos anos seguintes.

O PRIMEIRO FIM

Após lançarem as sementes do que mais tarde viria a ser o metal, as relações entre Glenn e Jerry andavam bastante desgastadas e isso acabou por ocasionar o fim da banda. O nome MiSFiTS manteve-se na erraticidade por conta uma longa disputa na justiça. De um lado, Glenn Danzig, que vendera todo o catálogo da banda à gravadora Caroline Records, e de outro, Jerry Only, que seguir na estrada com a banda. A disputa durou 12 anos. Glenn continuou como dono das músicas feitas entre 77 e 83, enquanto Jerry Only ganhou o direito de usar o nome MiSFiTS como melhor lhe aprouvesse.
Nos anos em que ocorreu a disputa, muita coisa aconteceu... Glenn Danzig juntou-se a Eerie Von e Stevie Zing, dois antigos membros de apoio dos MiSFiTS, e formou o SAMHAIN, que posteriormente se tornaria apenas DANZIG. Já Jerry Only, ao lado de seu irmão, Doyle, formou o KRYST THE CONQEROR, que apesar das origens punk, flertava fortemente com o metal épico.

MiSFiTS II: a Ressurreição na Era Only

Em '95, os irmãos Caiafa, Jerry e Doyle, reformulam o MiSFiTS, mas desta vez com o baterista Dr. Chud e o crooner Michaele Graves. com esta formação lançaram 3 cedês entre 1997 e 2000: "American Psycho", "Famous Monsters" e "Cuts From The Crypt". Em '98 vieram pela primeira vez ao Brasil. Sem Graves, mas com Mike Hideous, um gótico que, aliás, representou muito bem o misencene da banda.
Em 2000, Graves e Chud deixam a banda. Jerry e Doyle juntam a uma dupla de peso: Robo (baterista que tocou com o MiSFiTS em 82/83) e o guitarrista Dez Cadena; ambos ex-membros do histórico Black Flag. Até aí, tudo bem e perfeitamente compreensível, mas o problema é o que viria depois, a partir da saída de Doyle...

Chud, Graves, Doyle e Only

Então aconteceu o "pior': Doyle se estranhou com o irmão e foi tocar com Glenn Danzig, apenas clássicos do MiSFiTS antigo, ao passo que Jerry Only entra em sucessivas roubadas, dentre as quais, ter Marky Ramone como baterista convidado de seu MiSFiTS e contar com o apoio de uma versão combalida de Dez Cadena na guitarra e vocal. Em 2008, de modo mais digno, voltam a tocar no Brasil, mas com Jerry Only, Dez Cadena e Robo.

Glenn Danzig & Doyle

Enfim, o que resta a nós, fãs, é apreciar tudo o que foi feito de bom em seu passado, longe das cópias mal-feitas que aparecem todos os dias sob o estúpido rótulo de "horror punk" e de pândegos projetos de seus ex-integrantes (por exemplo, a lamentável versão de Bobby Steele para "12 Hits From Hell").
Uma boa dica para se conhecer bem esta banda é o boxset de 4 cds, que abrange (quase) tudo de seus áureos anos ou buscar internet à fora a coletânea virtual "Caustic Age", que compila perfeitamente todas as suas fases de '77 a '83.

Por enquanto isso. Um grande abraço a todos e até a próxima!

tic-tac... tic-tac... tic-tac...

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Originalmente publicado no jornal Folha do Estado, dia 09 de Agosto de 2009, no caderno Folha 3

O QUE SERIA DO MUNDO SEM A GUITARRA ELÉTRICA?

2009-08-24T12:34:00.001-07:00

Les Paul: Guitarras, Guitarras e mais Guitarras

Comecemos com uma breve lista de artístas: George Harrison, Paul McCartney, Jimmy Page, Eric Clapton, Jeff Beck, Peter Frampton, Gary Moore, Pete Townshend (the Who), Steve Howe (Yes), Ace Frehley (Kiss), Tommy Thayer (Kiss), Joe Perry (Aerosmith), Adrian Smith (Iron Maiden), Duane Allman (Allman Brothers), Gary Rossington (Lynyrd Skynyrd), Daron Malakian (System Of a Down), Phil Campbell (Motorhead), John Fogerty (Creedenace C.R.), Slash (Guns'N'Roses), Zakk Wylde (Ozzy Osbourne), Noel Gallagher (Oasis), David Gilmour (Pink Floyd), Dave Grohl (Foo Fighters), Kirk Hammett (Metallica), Marcus Siepen (Blind Guardian), Jay Jay French (Twisted Sister), Billie Joe (Green Day) e Mark Knopfler (Dire Straits)

O que todos têm em comum?! Todos, de um jeito ou de outro, prestam seu tributo a Les Paul!
Aos que desconhecem e também aos que adoram praguejar contra a música eletricamente amplificada ou ao rock propriamente dito, o sr. Lester William Polsfuss - mais conhecido como Les Paul - deu ao mundo das artes uma das maiores invenções desde a máquina fotográfica: a guitarra elétrica!
Les Paul entrou para a história como o "Thomas Edson da indústria musical", pois além de inventar a guitarra elétrica, também revolucionou a forma de gravar música, quando possibilitou a gravação de todos os instrumentos em canais avulsos.
Nascido em 1915, no norte dos Estados Unidos, começou a tocar profissionalmente aos 13 em um restaurante perto de sua casa. Autodidata, começou sua vida de músico com uma simples harmônica, imitando artistas de country que tocavam no rádio. Aprendeu um pouco de piano por conta própria, aventurou-se a tocar banjo e em seguida foi a vez do violão. Ainda aos 13, afim de se fazer mais audível para seu público, descobriu que com uma agulha de gramofone e um autofalante de rádio podia amplificar o som de sua guitarra.
Aos 17 anos lagou a escola e foi seguir o caminho da música. Mudou-se de mala e cuia para Chicago, onde caiu nas graças do mundo do rádio e tornou-se uma espécie de rei da música country por aqueles prados. No final dos anos 30, juntou-se ao contrabaixista Ernie Newton e ao guitarrista Jimmy Atkins (irmão de Chet Atkins) para formar o Les Paul Trio. Mudaram-se para Nova Iorque e lá passaram a trabalhar direto com figurinhas carimbadas da música popular e do jazz, como Fred Waring, Louis Armstrong, Art Tatum, Ben Webster, Stuff Smith e Charlie Christian. Em 1941 criou, enfim, a guitarra elétrica, a partir de um corpo semelhante ao de um violão, mas feito de madeira maciça e com capitação elétrica dos sons. Les Paul passou a chamar o instrumento de "the Log" e, depois disso, o mundo nunca mais seria o mesmo...
Foi casado com a cantora Mary Ford, entre 1949 e 1963. Teve três filhos e uma filha adotiva.
Com Mary Ford produziu, além de filhos, inúmeros sucessos durante os anos 50. O próprio Paul McCartney relata que em suas primeiras apresentações, à frente dos Quarrymen (banda pré-Beatles que teve com John Lennon nos idos de 1957), tocava muitas e muitas músicas da dupla Les Paul & Mary Ford.

com Mary Ford, sua eterna parceira

Apesar de já ter sido indicado simultaneamente a inúmeros prêmios e "Halls of Fame", Les Paul só sentiu as "pernas tremerem" de fato em 2006, quando ganhou o Grammy por seu disco "Les Paul & Friends: American Made World Played". Sua saúde ficou fagilizada com tanta emoção e desde então redobraram-se os cuidados.
No decorrer de sua vida, por inúmeras vezes, Les Paul encarou a morte nos olhos, mas somente na quinta-feira, 13 de agosto de 2009, aos 94 anos, morreu de pneumonia, no White Plains Hospital, em Nova Iorque, ao lado da familia e de amigos.
Ao saberem da morte do mestre, diversos artistas prestaram suas homenagens pelos mais variados canais de tv, rádio e web: Slash, Trey Anastasio, Joe Satriani, Tom Morello, Ace Frehley, Brian "Head" Welch, Tad Kubler e Keith Richards.
Esta coluna é dedicada à memória e ao legado desta figura ímpar que revolucionou a música no século XX e com quem o mundo tem uma dívida de gratidão.

Um grande abraço a todos e até a próxima.

o bom e velho Les Paul

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 16/08/2009.

Yardbirds

2009-08-10T11:13:00.001-07:00

For your Love

Sim, há muito essa coluna pedia um review sobre o monstro mais sagrado do rock inglês. Exagero? Absolutamente não!

Pois bem, ao lado de bandas como Shadows, Beatles, Rolling Stones, Animals e The Who, os Yardbirds figuaram como um dos nomes mais importantes de toda a história do rock, não apenas por terem sido a casa de três dos maiores guitarristas da história segundo a (verdadeira) revista Rolling Stone: Eric Clapton (#4), Jimmy Page (#9) e Jeff Beck (#14); mas por ser uma das primeiras a investir pesado em experimentações sonoras sem parecer prolixa e pedante como as bandas de progressivo e, obviamente, por fazer músicas que literalmente colam em nossas mentes e corações.

Surgidos em 1963, nos subúrbios londrinos, os Yardbirds começaram tocando clássicos do blues de Chicago (Bo Didley, Howlling Wolf, Elmore James, Sony Boy Williamson II, Muddy Watters etc) e contavam com Keith Relf (vocais e harmônica), Jimmy McCarty (bateria), Chris Dreja (guitarra) e Paul Samwell-Smith (baixo). Não demorou e juntou-se à banda o jovem Eric Clapton (guitarra).

Nesta formação seguiram até fevereiro de 1965. Gravavaram ótimos singles, até o dia em que "For Your Love" e "Heart full Of Soul" estouraram nas paradas.

Apesar de concebida para sere um blues, "For Your Love" foi muito mais além e alçou a banda para um sucesso quase instantâneo e que os integrantes sequer haviam imaginado. Clapton, vendo que aquilo não tinha nada a ver com suas convicções pessoais e artísticas, arrumou as malas, deixou a banda e foi tocar com John Mayall e em seguida formar o Cream. Para o seu lugar entrou Jeff Beck, um músico igualmente excepcional que ajudou os Yardbirds a terem as características com que seriam para sempre lembrados.

Não obstante, o baixista Paul Samwell-Smith também foi embora, abrindo vaga para um rapaz conhecidíssimo dos estúdios de Londres, chamado Jimmy Page; e dessa forma a banda seguiu até o final de 1966, quando Jeff Beck também saiu.

The New Yardbirds

Com a formação mais "enxuta", a turma continuou tocando, mas desta vez era comandada por Jimmy Page, que do baixo migrara para a guitarra.

Em julho de 1968, a banda tem seu fim. Mas não contente com essa situação, e com o nome "Yardbirds" às moscas, Jimmy Page resolve retomar as atividades, e recrutar para a nova encarnação do grupo o crooner Robert Plant, o baixista John Paul Jones e o baterista John Bohan. A nova banda se chamou, por um mes apenas, The New Yardbirds, mas graças à sugestão do amigo Keith Moon (baterista do The Who) adotaram o nome de Led Zeppelin, mas isso é assunto para outro dia.

Pós-Yardbirds

Eric Clapton, além de ter formado o Cream, fez uma brilhante carreira-solo e, assim como Jeff Beck e Jimmy Page, tornou-se uma referência universal em termos de guitarra.

Keith Relf partiu para a carreira-solo e formou um grupo de folk rock chamado Renascence. Morreu electrecutado, em 1976, enquanto tocava uma guitarra mal aterrada.
Jimmy McCarty, com a ajuda de Paul Samwell-Smith, juntou-se a Keith Relf para formar o Renascence, e Cris Dreja seguiu a carreira de fotografo de rock.

Reuniões...

Em meados dos anos 80, os Yardbirds remanescentes esboçaram uma reunião sob o nome de The Box Of Froggs. Gravaram dois elepês, alguns poucos singles, e a coisa parou por aí, ao menos até 1992...

Em 1992, os Yardbirds se reunem de fato para para o seu ingresso no "Rock'n'Roll Hall of Fame", uma espécie de "Oscar pelo conjunto da obra", aplicado aos serviços prestados ao rock. Com excessão de Eric Clapton, que na época estava em tournée com seu disco acústico, e do falecido Keith Relf, representado por viúva e filho, todos compareceram.

Neste ensejo, o guitarrista Chris Dreja e o baterista Jimmy McCarty recrutam mais uma boa turma de músicos para acompanhá-los nessa estrada. Saíram-se muito bem, diga-se de passagem, pois em 2003, os mesmos fundadores juntaram-se a Jeff Beck e mais uma série de convidados ilustres para gravarem o disco "Birdland". Desses convidados, alguns são bem conhecidos nossos: Brian May, Slash, Joe Satriani, Steve Vai entre outros.

O que vale lembrar é que os Yardbirds foram (e continuarão sendo) uma dessas poucas bandas que ouvimos com ouvidos e corações abertos, em qualquer época da vida.

Um grande abraço a todos e até a próxima.

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Artigo originalmente publicado no caderno Folha 3, jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 09/08/2009.

VÍDEOS DOS YARDBIRDS

BLACK MERDA

2009-07-19T18:26:00.000-07:00

Há poucos dias eu andei redescobrindo uma das maravilhas que há um bom tempo não ouvia: a banda Black Merda! (É verdade, o nome é esse aí mesmo!)

Pois bem, longe do que diz o nome em português, Black Merda significa, no jeitão do gueto norte-americano, "Black Murder", o que por sua vez, traduzido, quer dizer "Chacina Negra". Seus integrantes, além de serem excelentes músicos, também foram militantes políticos e fizeram parte dos Black Panthers de Detroit. Tocaram em diversas manifestações públicas e, inclusive, dividiram o palco com os caras do MC5.

Tudo começou nos idos de 1965 quando os amigos e colegas VC L. Veasey e Tyrone Hite mais os irmão Antony e Charles Hawkins, passaram a trabalhar como músicos de aluguel para gente da cena soul de Detroit, tanto em estúdio quanto na estrada. Tocaram com muita figurinha carimbada da Motown/Brunswick, Fortune Records e Golden World Studios. A princípio chamavam-se The Soul Agents e acompanharam os cantores Edwin Starr e Ellington "Fuji" Jordan.

Como Black Merda gravaram pelo selo Chess um disco homônimo em 1970 e graças a um marketing capenga, o album acabou sendo um fracasso de vendas, mas a banda não se deixou abalar.

Após uma tour pela California, em 1971, voltam a Detroit. Entram em estúdio e gravam mais um disco: Long Burn The Fire; agora com o baterista Bob Crowder. Mais uma vez, e graças às mesmas "merdas", o disco acaba sendo um encalhe nas lojas.

Desanimados com toda essa situação, a banda se desfaz e seus integrantes voltam a ser meros músicos de estúdio, até sua redescoberta em 2004...

The Folks From Mother's Mixer

Black Merda 2009

Em 2004, ambos os discos da banda foram remasterizados e relançados como um único cedê: The Folks From Mother's Mixer! E como em 2004 o compartilhamento de músicas pela web ganhava as primeiras páginas dos jornais (vide o caso Audiogalaxy e a briga Metallica X Napster), não demorou para o mundo redescobrir essa maravilha sonora. Graças a isso, a banda se reuniu e voltou para a estrada. Nos últimos 5 anos têm se apresentado regularmente pelos mais diversos cantos da américa do Norte, Europa, Australia e Japão. Lançaram mais alguns discos: Psych-funk of Black Merda (2006, coletânea que só saiu em vinil), Renaissance (2006), Take a Little Time (2009, single) e mais recentemente, Force of Nature (2009).

Muita gente os considera mais viscerais que Jimi Hendrix (!!!), mas isso é uma opinião muito pessoal e que varia de fã para fã.

Este mesmo que vos escreve, descobriu essa banda não faz muito tempo (coisa de 3 ou 4 anos) e pode certamente dizer que seu som quebra tudo! É um prato cheio para quem curte Jimi Hendrix, MC5, Parliament Funkadellic e The Stooges também! Ademais, quero dedicar esse review em primeira pessoa à memória do meu amigo e mestre Cleiton Lucas Santigo (22/03/77 - 30/05/09) que, se bem me lembro, quando ouvia o disco do Black Merda, costumava dizer: "PQP! Esse disco é tão bom que me dá ainda mais orgulho de ser negão".

Um grande abraço a todos e até a próxima.

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 19/07/2009.

VOCÊ CONHECE INDO-ROCK?!

2009-07-13T08:41:00.000-07:00

The Javalins

Indo-Rock foi uma das mais enigmáticas e explosivas cenas da história. Ocorreu no curto período de cinco anos (de 1959 a 1964), na Holanda e foi encabeça por bandas literalmente doidas por música, formadas em sua maioria por jovens imigrantes indonésios.

Embora sua história comece nos idos de 1945, quando a então colônia holandesa da Indonésia conquista sua independência, culminando em uma emigração massiva para a Holanda, a paixão dos indonésios pelos instrumentos de corda remonta ao século XVI, quando tal qual as origens de nossa viola-de-cocho, exploradores portugueses e espanhóis introduziram por aquelas paragens o gosto pela sonoridade de alaúdes e violões, o que originou um gênero de música popular chamado chamado "krontjong", marcado principalmente pelo "diálogo instintivo" entre os instrumentos. Além do que, já no século XX, também nutriam uma forte predileção por música hawaiana e sucessos da música norte americana difundidos por rádios instaladas em bases nas Filipinas e na Austrália.

The Tielman Brothers

Mas voltando à Holanda... a cena indo-rock surgiu de fato graças a esses jovens que imprimiam suas tão peculiares características culturais a sons tão característicamente ocidentais como o jazz, o country e o blues. Indubitavelmente, o maior nome do cena indo-rock é o dos Thielman Brothers, que quando crianças já tocavam pelos clubes de Jacarta e tão logo se mudaram para os Países Baixos, tornaram-se um dos nomes mais selvagens e incógnitos da história do rock.

No período, só a Holanda já contava com cerca de 300 bandas de indo-rock (catalogadas). Além dos já citados Tielman Brothers, bandas como The Javalins, The Crazy Rockers, The Black Dynamites, The Hep-Cats, incendiavam os bailes e as vitrolas daquele minúsculo país europeu.

The Black Dynamites

Como o mercado holandês já se encontrava bastante saturado, muitas dessas bandas foram tentar a sorte na Alemanha, principalmente nos pubs portuários da mesma Hamburgo que lançara o Beatles, de onde sempre voltavam com os bolsos abarrotados de dinheiro.

Uma das caracteríticas principais das bandas, além de serem formadas por indonésios, era sua configuração física, pois além de terem uma bateria e um baixo, eram marcadas pela presença média de três guitarristas, os quais costumavam deixar a platéia em polvorosa com suas guitarras "customizadas" ao seu gosto. Uma das marcas mais usadas então era a alemã Höfner.

Em 1964 a cena indo-rock perde sua força, pois a invasão britânica também tomou conta da Holanda. Não obstante e buscando se reinventar, as já sacramentadas bandas se desfazem e o talento de seus músicos acaba sendo absorvido pela então nascente e visceral cena Nederbeat, mas isso já é assunto para outra ocasião. Um grande abraço a todos e até a próxima semana.

The Hap-Cats

Electric Johnny & The Sky Rockets
( vai pro trono ou não vai?! )

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 12/07/2009.

Videos de INDOROCK!!!!

STRAY CATS + SLIM JIM PHANTOM

2009-07-12T13:42:00.000-07:00

UM POUCO SOBRE STRAY CATS

Surigida na região de Long Island, EUA, em 1980, Stray Cats é/foi uma das bandas que mais fez história nas décadas de 80 e 90. Sua maior inovação foi "desenterrar" clássicos dos primódios do rock e reinventá-los de modo simples e pulsante. Tão logo começaram, não deram em nada em sua terra natal. Sua grande chance veio mesmo quando decidiram se mudar "de mala e cuia" para a Inglaterra e por lá consolidarem um estilo que até então era restrito a círculos: o neo-rockabilly.

É fato, o Reino Unido sempre contou com grandes nomes na cena como Buzz & The Flyers, The Polecats, Paul "Meteors" Fenech e o veterano Gorgon "Crazy" Cavan, mas foram os Stray Cats quem alçaram o estilo a um patamar mais alto.

Formada por Brian Setzer (guitarra), Lee Rocker (rabecão) e Slim Jim Phantom (bateria), essa trupe fez e continua fazendo muito barulho. Em '89 vieram para o Brasil e suas apresentações são lembradas até hoje por todos que presenciaram. Inclusive, a própria TV Gazeta de São Paulo veiculava à exaustão o clipe de "Stray Cat Strut".

Em quase trinta aonos de banda, esses caras já encararam inúmeros fins e retornos. enquanto Brian Setzer levava seus trabalhos solo, Slim Jim Phantom e Lee Rocker juntavam-se a Earl Slick, o famoso guitarrista de David Bowie e que também tocou um montão com John Lennon, para formarem o Phantom, Rocker & Slick, mas esse é pano para uma outra manga...

Na metade dos anos 90, a banda se desfez novamente. De seus integrantes, foi cada um pro seu quadrado... tanto Brian Setzer quanto Slim Jim Phantom ganharam notoriedade por conseguirem concatenar em seus discos, figurinhas carimbadas do rock, como Brian Wilson, Robert Plant, Lemmy Kilminster e muitos outros, enquanto que Lee Rocker manteve-se também igualmente fiel à sonoridade dos Cats. Brian Setzer comandou o "swing revival" e a volta das big bands com sua Brian Setzer Orchestra, ao passo que Lee Rocker lançou bons discos, mas não com tanta expressão, já Slim Jim Phantom é um caso à parte, graças à sua capacidade de sempre juntrar a Nata para os melhores espetáculos.

Aliás, no que tange esses artístas, tudo quanto é disco deles é certeza de bom material, seja com Stray Cats, ou com seus trabalhos adjacentes.

SLIM JIM PHANTOM NO BRASIL
e impressões acerca do show de Brasília

Como não é todo dia que chega alguma figura lendária por terras brasileiras, tivemos a oportunidade única de ver um desses heróis de perto. Afinal, tratava-se do show de Slim Jim Phantom Trio, formado pelo supracitado na bateria e vocais, Jimmy Rip (músico de apoio de Jerry Lee Lewis, Mick Jagger, Blondie, Television etc) na guitarra e vocais, e mais o argentino Nicolas "Nixxx" Valle (Historia Del Crimen, Motoramas etc) no rabecão. Enfim, uma super banda ao que tudo indicava.

Com shows pelas principais capitais do país, a capital Federal fora a escolhida para representar o centro-oeste. O show aconteceu na noite de 3 de Julho, no Mercado Alternativo. Não obstante, poder-se-ia dizer que, de um show como este seria preciso esperar ao menos uma semana para se recuperar, entretanto, podia ter sido uma festa melhor, não fosse a banda ter tocado pouco menos que 60 minutos, um fã ensandecido ter tentado beijar SJP na boca e a forma como absolutamente ninguém - dentre as bandas de abertura, imprensa e fãs - pode ter qualquer acesso ao ídolo rocker.

Mas assim mesmo, foi uma ótima noite, pois as bandas de abertura - Perigoso & Seus Dinamites e Sapatos Bicolores - deram o melhor de si, como se fossem abrir um show dos Stray Cats propriamente, e caíram nas graças do público. Nicolas Valle, o baixista da banda de SJP também foi um show à parte, pois além de ter sido o único cara empolgado naquele palco, fez as honras da casa ao se misturar com a platéia e conversar com todo mundo, como se morasse há tempos por aqui (aliás, há quem diga que o sujeito é brasileiro por natureza e porteño por acaso), contudo Slim Jim continua sendo um baterista brilhante por sua simplicidade e destreza ao tocar aquele minúsculo drumkit.

Enfim, se você deseja conhecer um pouco mais sobre os Stray Cats, eis aqui alguns endereços úteis:

Stray Cats

Brian Setzer

Slim Jim Phantom

Lee Rocker

Conheça também as bandas

MOTORAMA (banda Argentina do baixista Nicolas Valle)

SAPATOS BICOLORES

PERIGOSO & SEUS DINAMITES

Alguns vídeos do Slim Jim e dos Stray Cats

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Agradecimentos: Ana Paula Dantas, Fernando Rosa, Nicolas Valle.

Matéria originalmente publicada no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 05/07/2009.

SKY SAXON TAMBÉM MORREU!

2009-06-29T08:25:00.000-07:00

Na última quinta feira o mundo encarou perplexo a morte de Michael Jackson e da eterna Pantera, Farrah Fawcett.

Logo, como todos têm falado de Michael Jackson (e vão continuar falando pelos próximos seis meses, pelo menos), poderíamos comentar sobre a Farrah Fawcett, que mostrou-se incrivelmente forte na alma ao encarar e brigar contra um câncer que, infelizmente, acabou levando a melhor nessa parada; mas vamos falar de um velho hippie que se foi exatmente no mesmo dia e que o mainstream fez questão de ignorar: Sky Sunlight Saxon, líder do seminal grupo The Seeds.

Tal qual o Dr. Timoty Leary, Sky Saxon, que se foi aos 63(?) anos, notabilizou-se como um dos maiores entusiatas do "flower power". Afinal, como todos sabemos (desde criancinha) é que os versos que Geraldo Vandré proferia em "Pra Não Dizer Que Não Falei das Flores" ("... Pelas ruas marchando / Indecisos cordões / Ainda fazem da flor / Seu mais forte refrão / E acreditam nas flores / Vencendo o canhão...") exprimiam com clareza o ideário do "poder da flor", devidamente adequado aos anos de chumbo da ditadura militar, ao passo que nos EUA o alvo era a guerra do Vietnã, que mandava milhares de jovens para levar tiros no outro lado do mundo.

Embora mais lembrado por clássicos como "I Can't Seem To Make You Mine", "Pushin' Too Hard" (que no Brasil tornou-se "Vou Lhe contar", com Wanderlea), "No Escape", "Mr Farmer" entre outros mais, Sky Saxon foi um sujeito extremamente político, sem soar partidário, panfletário ou burocrático, mas sim, por compor músicas acerca da arte de se tomar decisões, descrevendo com clareza a condição humana adequada ao seu tempo e espaço e que, aliás, conservam-se atuais até hoje, quatro décadas mais tarde.

Eis aqui um fragmento traduzido da letra original de "Pushing Too Hard":

"Você está forçando a barra, forçando pro meu lado

Você está forçando a barra com o que você quer que eu seja

Você está forçando a barra quanto às coisas que você diz

Você está forçando a barra toda noite e dia

Você está forçando a barra, forçando a barra comigo ...

tudo o que eu quero é apenas ser livre

e viver minha vida do jeito que eu quiser

Tudo o que eu quero é apenas me divertir

e viver minha vida do jeito como começou

Mas você está forçando a barra

forçando a barra comigo (forçando demais)"

com Billy Corgan

Apesar de não ser laureado por grandes publicações, Sky Saxon atravessou as décadas como uma figura cultuada pelo underground e por figurões do mainstream: David Byrne era seu fã confesso, Patti Smith tocava "Pushin' Too Hard" em seus shows, tanto os Ramones quanto Garbage regravaram "I Can't Seem To Make You Mine", tanto Kurdt Cobain quanto Billy Corgan foram discípulos seus (Sky Saxon inclusive faz uma pontinha no clipe "Superchrist" do Smashing Pumpkins).

Dos Seeds, apenas ele se mantinha como único remanescente, mesmo com inúmeros nomes para seus projetos sonoros, mas com o mesmo repertório e a mesma atitude. Foram mais de 40 discos e um box de 13 cds de música tribal psicodélica que ele fez em seus tempos de comunidade YaHoWha.

Aos que quiserem conhecer mais sobre esse sujeito, visitem seu site oficial (em inglês): http://www.skysaxon.com/Discography.html

Um abraço a todos e até a próxima (sem obituários, espera-se).

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Artigo originalmente publicado no Jornal Folha do Estado, Cuiabá-MT, domingo, 29/06/2009.

THE VENTURES, OS PATRIARCAS DO ROCK DE SEATTLE

2009-06-22T07:34:00.000-07:00

Bob Bogle

Domingo passado, dia 14 de junho, tanto o rock como o mundo da música pop sofreram uma perda irreparável: Bob Bogle, guitarrista e baixista, fundador da banda The Ventures, morreu vítima de um câncer linfático.
Além de seus 75 anos - muito bem vividos, por sinal - contava com uma estrada invejável a todos aqueles que seguem ou desejam um dia seguir na carreira musical.
Mas por que irreparável?!
Foi Bob Bogle, junto com seu parceiro Don Wilson, que arquitetaram um dos grupos mais influentes da história do rock, já que inúmeros nomes do rock citam os Ventures como influência, pois junto com os ingleses The Shadows e o californiano Dick Dale, foram eles os edificadores da cultura do rock instrumental (verdadeiro).

Patriarcas de Seattle

Outro detalhe interessante é que graças a eles, Seattle se tornou um importnte polo no mapa do rock, pois exerceram influência mais que direta sobre bandas como The Sonics e The Fabulous Wailers (principais expoentes da primeira geração grunge, da década de 60) e, é claro, Jimi Hendrix.
Por volta de 1958, na cidade de Tacoma (uma espécie de Várzea Grande de seattle), a dupla Bogle & Wilson chamou chamo os amigos Nokie Edwards e Skip Moore para gravarem o single "Walk Don't Run". Mas como nenhuma gravadora se interessava, criaram o próprio selo: Blue Horizon.
Pat O'Day, um famoso disck-jockey de Seattle, recebera algumas cópias do single. Nisso, a música de Chet Atkins na interpretação dos Ventures, passou a ser o tema de seu noticiário. daí para a fama foi um pulo... Conseguiram um bom esquema de distribuição nacional e, logo em seguida, o topo das paradas da Billboard, na segunda metade de 1960.
Skip Moore já não tocava mais bateria na banda. Logo, para seu lugar entrou Howie Johnson, mas por conta de um acidente automobilístico que lhe causara sérios danos na espinha, viu-se obrigado, por odens médicas a deixar a banda.

Formação clássica e influência universal

Quatro Ventures e Uma Gueixa

Para preencher a vaga de Howie Johnson, entra Mel Taylor, um músico de formação jazzística, que deu à banda o pique com que ficaram conhecidos. Assim sendo, a formação que sacramentou os Ventures foi: Nokie Edwards & Don Wilson nas guitarras, Bob Bogle no baixo e Mel Taylor na bateria.
Foram a primeira banda de rock ocidental a se apresentar no Japão. Logo, tiveram um papel importantíssimo na formação do pop nipônico, pois diversos cantores de "enka" (musíca tradicional japonesa) passariam a adotar a guitarra elétrica em seus acompanhamentos.
Assim como o Brasil contava com programas do estilo Jovem Guarda, o Japão também tinha inúmeros programas televisivos nos quais sempre rolavam concursos de guitarra (sim, graças aos Ventures o Japão agarrou a guitarra elétrica com unhas e dentes! ) em que o mote principal era a interpretação/releitura de sucessos dos Ventures.
Apesar de nunca terem vindo tocar no Brasil, os Ventures também tiveram uma influência estrondosa sobre a jovem guarda, pois muito de sua parte instrumental, deve-se a essa banda. O exemplo mais forte é o d'Os Incríveis que, sob o nome The Clevers, começaram sua carreira como "clones" dos Ventures e também, no esteio de seu sucesso, foram a segunda banda de rock ocidental a se apresentar no Japão, o que garintiu à MPB uma excelente colocação na preferência do exigente (e por vezes frio) público nipônico, mas isso já é assunto para uma outra ocasião.

Período morno

Em 1968, o guitarrista Nokie Edwards cansa-se da estrada, sai dos Ventures e resolve dar novos à sua vida. O competente Gerry McGee assume o seu lugar. No decorrer dos 70's, Edwards volta algumas vêzes mas não como membro fixo. Os Ventures gravam muita coisa e continuam tocando pelo mundo, principalmente pela Europa e Japão.

Resgate

No começo da década de 80, são redescobertos pelo pessoal do punk rock e da new wave. Ganham o status de banda cult e seus discos passam a figurar entre os preferidos de gente como Poison Ivy (The Cramps), Johnny Ramone (Ramones), Chris Stein (Blondie), Ricky Wilson (The B-52's), Roger Fisher (Heart), Elliot Easton (The Cars), Andy summers (The Police) e muitos outros mais. Isso sem falar que os nomes de caras como Jeff Baxter (The Doobie Brothers) e Gene Simmons (Kiss) constam entre os primeiros inscritos no Fã clube Oficial da banda.
Na década de 90, sua música deu uma revigorada quando Quentin Tarantino usou a clássica "Surf Rider" (tocada pelos Lively Ones) na trilha sonora de sua famigerada obra, "Pulp fiction", junto a outros medalhões do surf-instro, dando um belo desfecho ao diálogo de Vincent Vega (John Travolta) e Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) no final do filme.

Slash fazendo reverência ao mestre Nokie Edwards

Curiosidades:

The Ventures, em seus 50 anos de carreira, é a única banda da história que nunca "furou" uma data sequer.
O Japão só passou a fabricar guitarras depois que os Ventures passaram por lá, o que alavancou a fabricação de instrumentos musicais eletro-eletrônicos por lá. O resto é história...

Por enquanto é isso. Fiquem ao som dos Ventures tocando "Walk don't Run", "Hawaii 5-0", "Surf Rider", "Telstar" e "Drivin' Guitars".

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Max Merege, além de pesquisador do rock também adora passar os dias com Ventures nos ouvidos.

MAX MEREGE APRESENTA: REVOLVENDO WALTER FRANCO

2009-06-22T07:23:00.000-07:00

por Rubens Leme da Costa

Um dos mais renomados, vanguardistas e geniais compositores brasileiros da década de 70, Walter Franco é um dos nomes mais importantes da música brasileira e um dos primeiros a fazer música concreta no país. Contestador, deixou quatro grandes discos nos anos 70, antes de entrar em uma reclusão e ser recuperado no ano 2000, com um documentário e no ano seguinte, com um novo disco. Desde então, Walter tem se apresentado e mostrado seu talento pelo país. Um enorme talento que merece uma homenagem humilde, mas sempre reverente.

...

Poucas pessoas sabem quem é Walter Franco, algo bem normal em um país que desconhece os artistas com mais de 10 anos de carreira ou quem busca um caminho totalmente pessoal e não se prende às armadilhas da indústria musical.

Mas esse paulista, nascido em 6 de janeiro de 1945, foi um dos principais expoentes da música brasileira dos anos 70, ao lado de Jards Macalé, Itamar Assumpção, e por que não, Arnaldo Baptista.

Desde jovem, Walter mostrou tendências artísticas e por isso resolveu estudar teatro, onde compunha trilhas para algumas peças, além de se apresentar em festivais na virada dos anos 60 para os 70. Conseguiu alguma projeção quando Geraldo Vandré defendeu sua canção "Não se Queima um Sonho", entre outras.

Porém, seu primeiro momento solo aconteceu em 1972, no Festival Internacional da Canção, da Rede Globo, quando tocou "Cabeça". A confusão começou quando o júri formado por Nara Leão, Roberto Freire, Rogério Duprat, Júlio Medaglia e Décio Pignatari, resolveu premiar aquela música estranha, experimental, com poesia cortada, com o primeiro lugar, apesar das vaias da platéia.

Se a platéia odiou, o que dirá a conservadora emissora, nos anos de chumbo da ditadura. O resultado é que o júri foi demitido. Mas o momento de tensão ficou ainda maior quando Roberto Freire foi ao palco e denunciou toda a armação, junto com o grupo Pholhas. Acabou sendo preso por isso.

Walter já tinha chamado atenção suficiente para conseguir um contrato e em 1972 assinou com a Continental. O produtor escolhido para a empreitada seria o radialista Walter Silva, o Pica-Pau, mas ele resolveu chamar o amigo Rogério Duprat, para a missão, por não entender muito as idéias de seu xará.

Com total liberdade no estúdio, o apoio de Duprat, e a melhor tecnologia disponível na época, Walter estréia com o clássico disco "Ou Não" (também conhecido como "Disco da Mosca" ou "Disco Branco"). A capa trazia apenas uma mosca ao centro de um capa branca e apenas o título na contra-capa.

"Ou Não" foi um lançamento revolucionário. Walter utilizava técnicas incomuns, como a poesia concreta, repetições de fragmentos de letras e arranjos extremamente elaborados. Não são poucos os que consideram como a melhor estréia de um artista brasileiro.

No ano seguinte, Walter saiu com o show "A Sagrada Desordem do Espírito" onde se apresentava sozinho, com um violão e em posição de lótus. Seu único companheiro era a mesa de mixagem comandada por Peninha Schmidt e que era usada como uma orquestra, dando liberdade para Walter criar em cima do palco.

Em 1975, Walter participa do Festival Abertura, com a música "Muito Tudo", ao lado de amigos, como Jards Macalé.

A música é uma homenagem a alguns ídolos, casos de João Gilberto e John Lennon. Os arranjos ficaram com o maestro Júlio Medaglia. E, para variar, Walter foi duramente vaiado pela platéia, apesar do terceiro lugar obtido.

Walter conseguiu mais uma polêmica quando ele, o flautista Tony Osanah e Medaglia subiram ao palco para apresentar a canção. Sob vaias intensas, e sem ter como se apresentarem, os três começaram a jogar um estranho jogo de dados, até que Medaglia rasgou a partitura e a atirou no público.

Mas nada disso seria páreo para o novo trabalho de Walter. Gravado em outubro de 1975 e lançado no ano seguinte, Revolver mostrava um Walter totalmente diferente. Antes de mais nada, o nome do disco é tirado do verbo "revolver" e não uma tradução do disco dos Beatles lançado em 1966 (até porque em português seria Revólver).

Contudo, há uma enorme influência de John Lennon na obra. Primeiro, porque Walter se veste de terno branco, como Lennon na capa de Abbey Road e em diagonal. Segundo, porque a sonoridade está mais perto do rock, com guitarras, e principalmente da sonoridade do ex-Beatle com sua Plastic Ono Band.

O álbum é uma pérola do começo ao fim, abrindo com "Feito Gente", um rock enérgico, conciso e com versos maravilhosos: "feito gente / feito fase / eu te amei / como pude / fui inteiro / fui metade / eu te amei / como pude... fui a vela / fui o vento / eu te amei / como pude / a partida / fui a volta...". Outros momentos inesquecíveis são a vinheta de sete segundos "Apesar de tudo é muito leve", a linda "Cachorro Babucho". Um dos discos mais importantes da nossa música, seja rock ou MPB, com Walter mostrando-se mais inspirado do que nunca e buscando novos horizontes.

Walter só voltaria a lançar um novo disco em 1978. O resultado seria outra obra-prima: Respire Fundo, que levou oito meses de gestação e mais de 200 músicos envolvidos.

O disco traz grandes clássicos, casos da faixa-título e de "Coração Tranqüilo", com o belíssimo verso "Tudo é uma questão de manter / a mente quieta / a espinha ereta / e o coração tranqüilo", explicitando a influência da filosofia oriental em sua vida e obra.

No ano seguinte, Walter lança outra obra fundamental, Vela Aberta. O disco trazia a controversa canção "Canalha", que rendeu a ele, novamente, vaias quando foi defendida no Festival da Tupy. Berrada, gritada, Walter recebeu enormes vaias e defendeu sua obra, dizendo que não estava chamando ninguém de canalha e apenas falando de uma dor canalha, que é a dor da existência de todo ser humano.

Outro grande momento é a faixa título, composta com seu pai, Cid Franco, que escreveu a letra.

Em 1981, ele ainda participou do festival, MPB-Shell, com a música "Serra do Luar", grande sucesso posteriormente na voz de Leila Pinheiro. No ano seguinte, lança um último disco antes da reclusão, apenas com seu nome, pela pequena gravadora Lança.

Após o disco, Walter desapareceu da mídia, fazendo poucos e esparsos shows. Sua voz só foi ouvida novamente, quando em 2000, foi realizado o documentário Walter Franco Muito Tudo, de 25 minutos e rodado em 16 mm, e com depoimentos do poeta Augusto de Campos (um de seus grandes fãs e amigo), que traduziu o poema "Um Lance de Dados", de Mallarmè, além de entrevistas com Rogério Duprat, Júlio Medaglia, Jorge Mautner, Nelson Jacobina, Jards Macalé, Lívio Tragtenberg, Leila Pinheiro e Itamar Assumpção.

Em 2001, Walter voltou aos estúdios e lançou Tutano, seu último disco pela pequena yesbrazil? e posteriormente pela Trama e com participações especiais, como a de Arnaldo Antunes.

Ele ainda continua dando seus shows, sendo reverenciado pelos novos músicos e por gente que não o conhecia, mas que acabaram virando novos fãs.

Justamente em 2001, seus dois primeiros discos foram relançados na série "Clássicos da MPB - Série Dois Momentos", com a edição produzida pelo baterista dos Titãs, Charles Gavin.

Eis a letra de "Revolver" e a discografia completa.

Lembrar de esquecer
esquecer de lembrar
cansar de dormir
dormir descansar
sorrir de doer
doer de sangrar
sangrar de morrer
morrer de lembrar
lembrar de esquecer
esquecer de lembrar
cansar de dormir
dormir descansar...

Discografia

Ou Não (1973)
Revolver (1975)
Respire Fundo (1978)
Vela Aberta (1979)
Walter Franco (1982)
Tutano (2001)

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Max Merege, pesquisador cuiabano trintão, que nasceu ouvindo Walter Franco. Rubens Leme da Costa é um profundo conhecedor sonoro que mantém o site MOPHO . Conheça também a página da BEATRIX.

SKA! SKA! SKA! JAMAICAN SKA ...

2009-06-08T19:40:00.000-07:00

The Skatalites, BANDA MÃE do reggae,
nos áureos tempos do STUDIO ONE

Tudo o que talvez venhamos a saber sobre as origens do reggae ainda será pouco, principalmente se tentarmos entender a cena jamaicana a partir da segunda metade do século XX.

Basta lembrar que a Jamaica fica nas Antilhas, junto a Cuba, Haití, República Dominicana, pertinho de Trindade e que de lá para a Flórida é um pulo. Logo, muito do que se ouvia de transmissões radiofônicas por aquela região, vinha direto dos EUA.

Pois bem, o que aconteceu é que como a Jamaica (tal qual todo o Caribe) já era há tempos possuidora de uma vasta musicalidade, a começar por rítmos locais como o mento e o calipso (favor não confundir com a famosa banda paraense! esse é de Trindad-Tobago), também contava influências advindas dos vizinhos como mambo, rumba, salsa, merengue, cumbia, voodoo etc.

As transmissões de rádio traziam muito do que havia no EUA em matéria de blues, jazz, soul, r'n'b, gospel, folk e, é claro, o bom e velho rock'n'roll. Assim sendo, tornou-se uma febre pela ilha (re)interpretar clássicos da música negra norte america, turbinados com um bom tempero caribenho...

Nascia também por lá uma indústria fonográfica, cujo principal nome foi o de Coxsone Dodd à frente de seu Studio One.

Em resumo, a coisa começou com um rítimo pulsante e agitado chamado Ska. Em seguida, ganhou um aparato mais técnico e muitas baladas, assumindo o status de Rocksteady, que tornou-se mais lento e reflexivo (por vezes, até demais) sob o nome de Reggae.

A partir de 1963 o Studio One passou a lançar muita gente boa e criou uma verdadeira indústria fonográfica na região. Exemplos de artístas não faltam: Toots Hibbert & The Maytals, Bob Marley, Peter Tosh, Bunny Wailler, Prince Buster, Laurell Aitken, Jimmy Cliff, Delroy Wilson, Desmond Dekker, Gregory Isaacs, Alton Ellis, Ken Booth e muita, muita gente mesmo!

Agora o interessante é ver que se não fosse o suporte de uma "mini orchestra" local chamada The Skatalites, a coisa seria bem mais morna e não causaria o impacto que causou e causa até hoje (Amy Winehouse que o diga...).

É fato, não fossem os Skatalites, nenhum desses nomes teria alcançado a projeção que os alçou ao sucesso estrondoso e à categoria de clássicos da música negra. Afinal, além de levarem uma bela carreira com seu trabalho próprio de big band, também foram, dentro do Studio One, a "banda da casa".

Bob Marley, entre Bunny Wailer e Peter Tosh -

da época em que seus discos eram feitos pelos Skatalites.

Durante essas 5 décadas em atividade, a banda sofreu uma série de revezes como o passamento de grande parte de seus membros originais: Don Drummond (trumpete, 1969), Jackie Opel (crooner, 1970), Jackie Mittoo (piano e órgão, 1990), Rolando Alphonso (sax, 1998), Jah Jerry Haynes (guitarrista, 2007) e Johnny Moore (trumpete, 2008), isso sem falar em colaboradores como Bob Marley, Peter Tosh, Laurel Aitken e tantos outros... Ufa! Desse jeito o céu acaba tendo pouca nuvem para tanta fumaça...

Dom Drummond

Das inúmeras idas e vindas, os Skatalites, apesar de tudo, e tal qual o famigerado Buena Vista Social Clube, mantiveram-se fiéis às suas raízes e às suas convicções artísticas. Ganharam Grammys entre 96 e 98. Têm corrido o mundo em tours que parecem intermináveis e pelo jeito já adotaram o Brasil também.

Atual formação dos SKATALITES

Hoje a trupe conta com um excelente time de músicos, sob a batuta de veteranos como o baterista Lloyd Knibbs, o saxofonista Lester Sterling e a crooner Doreen Shaffer. Até há pouco tempo, o baixista Lloyd Brevet ainda pegava a estrada com a trupe, entretanto, preferiu se aposentar e curtir seus últimos dias sob o sol do Caribe. Sabe-se apenas que morreu há pouco.

Neste exato momento eles estão em tournée pelo Brasil, com shows por São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília e Porto Alegre. Ontem mesmo eles tocaram em Brasília, e foi um show maravilhoso!

A quem quiser conhecer mais, não apenas sobre os SKATALITES, mas sobre as pérolas sonoras da Jamaica, recomendamos que conheçam um blog recheado de raridades e - o melhor - abalizado pelos SKATALITES em pessoa! Chama-se YOU & ME ON A JAMBOREE: http://youandmeonajamboree.blogspot.com

Um agradecimento mais que especial ao Sr. Tony Guardieiro que, além de ter trazido os SKATALITES para o centro-oeste e possibilitado essa experiência inesquecível, também viabilizou nosso acesso ao evento e aos músicos.

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Max Merege é pesquisador cuiabano, colaborador do Folha 3, fã de música jamaicana e que ainda está extasiado com o show dos Skatalites na Capital da República.

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Publicado no caderno Folha 3, Jornal Folha do Estado (Cuiaba/MT) - 07/Junho/2009

Lester Sterling DETONA !!!!!!!!!
(Entre Max Merege e Miss Patty)